Chema Saiz: Caleidoscopio Sonoro

    Este pasado mes de agosto se publicaba el quinto album de Chema Saiz: Vocal Project (Vol. I). Si uno mira para atrás y recuerda su primera obra: Mi Carro, hace ya 15 años, y además tiene en cuenta que su anterior publicación Trio album se produjo en 2006, la verdad es que considera de grato acontecimiento dicha publicación.

    Y como no podía ser de otra forma, esta grabación mantiene la esencia de su concepto musical y nos aporta la evolución y la nueva perspectiva que su sonido va adquiriendo con el tiempo, no solo con la guitarra, sino también como autor (ya sea con arreglos de temas u obras propias). Una vez más nos ofrece un trabajo que exige una escucha atenta para poder disfrutar de todos sus matices, de las distintas texturas que tienen los temas, las diferentes formas que adoptan, los contrastes, sus timbres... siendo este uno de los elementos que provoca que Vocal Project sea un nuevo giro en el caleidoscopio sonoro de Chema Saiz. Y es que el aporte de la voz de Santos Moreno y su interacción con la guitarra de Chema, genera un entorno  musical, nuevamente diferente a los propuestos en sus anteriores trabajos, cada uno con su propia personalidad... un pequeño movimiento de dedos sobre una construcción consistente y reflexionada... y de repente para todo aquel que se "atreva" a ESCUCHAR: una grata experiencia en la que afloran las emociones, en la que los sentimientos que nos transmite la música nos hace experimentar agradables sensaciones... una nueva figura en el caleidoscopio, color y geometría (melodía y armonía), simetría y movimiento (forma y tiempo) añadido a nuestra propia interpretación.

    En Vocal Project (Vol I) podemos encontrar algunas "ligaduras" que nos remiten a sus trabajos anteriores, o al menos esa sensación me da a mí, y confirma la identidad propia que ha desarrollado  (y sigue desarrollando) este gran guitarrista. Así en "Exitazo", tema con el que abre esta nueva entrega no deja de evocar su comienzo aquel excepcional tema:"Marketing" de Trio album; sin embargo, una vez expuesto el motivo sobre el que construye el tema, pronto evoluciona en una nueva dirección adquiriendo una textura en la que genera una insinuación de por donde puede ir el resto de la entrega: el aporte de la base rítmica -en la cual confía desde hace ya bastante tiempo, Toño Miguel y Borja Barrueta- la contribución de Santos Moreno en la voz, aportando un nuevo registro que pese a su importancia no acapara más espacio del necesario, dejando a Ariel Bringuez en el saxo tenor y a Chema el mayor peso en esta composición. "Castillo de Naipes" o "Ave María de Lourdes" son temas impresionantes, tan solo poder disfrutar de ellos justifica el acercarse a los conciertos de esta formación o hacerse con el disco... un disco, en el cual nos seguimos encontrando autenticas joyas, como la versión de "Wichita Lineman", tema que se extrae de su contexto (Americana music) y con una introducción que transmite una emoción enternecedora, nos muestra una balada impresionante en la que de nuevo el aporte de Santos Moreno ayuda a crear un ambiente que da pie a un solo impecable, que se hace corto.

 

    "Latín" otro guiño a su anterior album, ahora con una letra que provoca más de una sonrisa y algo más... Un anuncio me llamó la atención, Porque estaba ausente el pudor... "La Molinera Y El Corregidor" con un sonido bluessy que se esboza en confirmación en la parte del solo, a su vez este tema personalmente me sirve para recordar aquellos dos primeros discos de Chema en los que los temas tradiconales y/o populares constituían el material central de su obra, no puedo dejar de hacer mención a Solo Album, disco más que necesario para todos los amantes de la guitarra. No quiero extenderme más..., y por eso lo dejo, sin tiempo para poder comentar, por ejemplo, la aportación en dos de los temas de una pequeña sección de viento compuesta por oboe y flauta (Emma Mendo y Elías Cepeda), pero es que son muchos los aspectos y las ideas que se desprenden de este trabajo, el cual animo a descubrir: 12 temas que para los que nos gusta el jazz, el sonido de la guitarra y reconocemos el trabajo de nuestros músicos en este área, se convierte en un extraordinario regalo!!!.

    Haciendo alusión a uno de estos últimos aspectos me gustaría dejar un enlace en la que Guillermo McGill (quién aportó su batería en "De Fuera A Dentro" tercera entrega de Chema Saiz) nos hace más evidente alguna de las situaciones por las que les toca pasar a un determinado colectivo de músicos, en concreto en el jazz, pero desgraciadamente conozco casos así en algún otro género al que también sigo la pista de cerca.

Say Ladeo

Say Ladeo:

Hey, hey di Ladeo-ay                                                           

Es hora de abandonar las palabras                                     

La melodía nos contará la historia                                      

Mientras avanzamos                                                            

Montando sobre una ola de miles de historias                     

Iluminando viajes y mañanas encantadoras                        

Donde tus grandes sueños perdidos                                    

Despiertan repentinamente                                                  

Invitando a una oración, que hasta ahora desconocías

Di Ladeo... Di Ladeo... Di Ladeo...

Di Ladeo... Di Ladeo... dejándote llevar

Una canción se transforma en miles de canciones

Hey, hey di Ladeo-ay

Ha llegado el momento de abandonar las palabras

Estamos consiguiendo acercarnos a alguna parte

Escondida en nuestro interior

Las palabras solamente te distraen

preguntándote cual es su significado

Di lo que quieras si tu corazón encuentra la manera

Abandona las palabras, fíjate en los sonidos

Di Ladeo... Di Ladeo... Di Ladeo...

Di Ladeo... Di Ladeo... dejándote llevar

Una canción se transforma en miles de canciones

En cada corazón

Traen la vida y el tiempo y el ritmo

Ladeo dejándote llevar

Todos los sueños que no sabías que estaban allí

Sonidos y sentimientos, melodía y oración

Di Ladeo... Di Ladeo... Di Ladeo...

Di Ladeo... Di Ladeo... dejándote llevar

Las palabras solamente te distraen

preguntándote cual es su significado

Di lo que quieras decir si eres capaz de que

tu corazón encuentre la forma

Di Ladeo... dejándote llevar

Di Ladeo... dejándote llevar, dejándote llevar...

Di Ladeo

Una canción se convierte en miles de canciones

Una oración se convierte en una canción

Así que canta en alto o susurra bajo

Di Ladeo... dejándote llevar...

(Traducción libre).

En el 2010 publicaba Bobby McFerrin VOCAbuLarieS, tendríamos que remontarnos al 2002 para escuchar su última grabación oficial en estudio Beyond Words... ocho largos años en los que ha ido dando forma a un extraordinario disco donde se conjuga su incesante exploración sobre la voz humana y la diversidad de estilos y formas musicales en las que se mueve.

Say Ladeo, se convirtió en el tema que sirvió de promoción al disco y por tanto apoyado con un vídeo de gran belleza y cargado de fantasía, aunque acortando el tema a una duración de algo más de cuatro minutos... afortunadamente la grabación se alarga a casi nueve minutos. Nueve minutos en los que se diferencian dos partes claramente: En la primera, con una introducción que nos remite al continente africano, van surgiendo unas voces que mantendrán un ostinato rítmico, que conceden la esencia fundamental al tema, "Ha llegado el momento de abandonar las palabras"...... "Abandona las palabras, fíjate en los sonidos". Otra de las características de esta primera parte sería la conjugación de estilos, dónde la esencia Soul y Groove sirven de elementos de unión,  "Una canción se transforma en miles de canciones"...... "Sonidos y sentimientos, melodía y oración"......... "Una oración se convierte en una canción". En la segunda parte, que se desvanece en el vídeo,  se da paso a una atmósfera etérea incluso algo mística, en la que de vez en cuando se retorna al tema principal o se hace referencia mediante ligeras variaciones a frases de la primera parte, hasta que se difumina todo el entramado creado, para de nuevo volver a resurgir e ir desvaneciéndose definitivamente, mientras las sonoridades nos vuelven a remitir al continente africano. 

Alex Acuña y Roger Treece toman gran importancia mediante su aportación con las percusiones, que ayudan a crear y mantener el ambiente durante todo el tema. Este último Roger Treece, es además elemento esencial en el disco, no solo como instrumentistas, sino como compositor, arreglista y vocalista. La voz principal del tema como no podía ser de otra manera es del propio Bobby McFerrin, que también aporta su voz en las secciones de Alto y en la de Bajo. Otras de las voces que no pasan desapercibidas son las de las cantantes norteamericana Lisa Fischer (Rolling Stones o Tina Turner) y Janis Siegel (Manhattan Transfer).

... Así que canta en alto... o susurra bajo.

La triste pérdida de Jon Lord

Hace ya casi un mes de la pérdida de Jon Lord, en la gran mayoría de los medios de comunicación  fundamentalmente han destacado su papel como fundador de la banda Deep Purple y su coautoría en la creación del tema "Smoke on the Watter". Afortunadamente en medios especializados nos encontramos información más rigurosa y opiniones más relevantes a cerca de la importancia de Jon Lord en el mundo de la música, fundamentalmente en el campo del rock,  aunque desafortunadamente no son muchos los que nos hacen ver a Jon Lord como un músico bastante completo y consiguen mostrarnos al músico que aparte de Deep Purple o Whitesnake se aventuró en otros proyectos, que a su vez moduló un sonido con su Hammond B3 que inspiró a muchos músicos que vinieron posteriormente y que marcaba otra senda diferente a la que muchos teclistas de la época tomaban. Si solo somos capaces de considerar la figura de Jon Lord en los dos puntos expuestos al principio... y su relación con Deep Purple no seremos capaces de vislumbrar el genio que llevaba dentro y su gran obra.

Indudablemente estamos hablando de uno de los pioneros del hard-rock, que marcó junto con otros compañeros de generación las bases de dicho estilo y de las distintas evoluciones que sufrió el género. Lord, además creó un sonido característico con su Hammond y la combinación de un amplificador Marshall, con el que añadía cierto grado de distorsión, también contribuyeron a generar sus señas de identidad respecto a su timbre, su configuración de los drawbars, estos elementos junto con su capacidad y su predisposición a todo tipo de tendencias musicales, le convirtieron en un músico de referencia en este instrumento. No podemos obviar tampoco su talento compositivo en el que cabe destacar sus experiencias de fundir el sonido orquestal con el de un grupo de rock, dos miras musicales distanciadas en muchos conceptos, esta capacidad se puede apreciar perfectamente en uno de los puntos álgidos en su obra "Concerto for Gruop and Orchestra" primer disco de la formación de los Deep Purple con Ian Gillan y Roger Glover. Pero no es el único ejemplo a lo largo de su carrera, tan solo por mencionar otro proyecto de similares características: "Gemini Suite" de 1971 y de corte mucho más clásico "Pictured Within" de 1998. 

Entre otras de sus experiencias musicales cabe destacar en sus comienzos su paso por el grupo de Bill Ashton, reconocido músico de jazz británico. Un poco antes de entrar en Roundabout y por tanto a los Deep Puple: Santa Bárbara Machine Head en la que formó junto a Ron Wood. La formación Ashton (Tony) Lord & Paice, una vez finalizada la primera etapa de Deep Purple, grupo de fusión en el que se pueden apreciar componentes del rock, soul, funk, blues... y donde coincidió con Bernie Mardsen y esto nos descubre su buena elección a la hora de compartir escenarios y grabaciones con guitarristas. Como no, su paso por Whitesnake, en este caso en la banda de Coverdale coincidiría de nuevo con Bernie Mardsen y Micky Moody o por citar un último ejemplo The Hoochie Coochie Men. Un bagaje bastante importante, aunque quede siempre obscurecido por la sombra que proyecta Deep Purple...

... Fue uno de los miembros fundadores de dicha banda (junto con Ritchie Blackmore y Nick Simper)  que junto a Led Zeppelin constituyen las bandas más importantes de la escena del Hard-Rock en sus comienzos, y que en la que su "rivalidad" es una de las partes intrínsecas de la historia de este género.
En Deep Purple, Jon Lord aportó elementos que hacían circular al grupo paralelo a las formaciones de rock progresivo, al igual que Ritchie Blackmore aportaba la sonoridad más afilada y más contundente... (ejemplo claro: "Smoke on the Water" el rif de Blackmore, como en su día señaló Roger Glover quien dió titulo a la canción y compuso la letra con ayuda de Ian Gillan). En toda la primera etapa, hasta la disolución en 1976, fue el único (como miembro fundador) que estuvo de principio a fin, pasando por las diferentes evoluciones de sonido por las que iba pasando la banda, desde su etapa más psicodélica al principio (finales de los 60) hasta el sonido de la última formación de esta primera etapa (sin Blackmore) donde el sonido tenía tintes más soul e incluso funky, pero manteniendo el sonido contundente de la banda. En el 84 se juntaba nuevamente la formación con los componentes de Mark II (la segunda formación del grupo: Lord, Blackmore, Paice, Glover y Gillan), con la que pasaron por Madrid, por el campo del Rayo Vallecano y en la que pude ver por primera vez a estos monstruos del rock, y percibir en directo la fuerza de Jon Lord tocando mientras hacía tambalear su Hammond como si fuera un balancín. Sin embargo, desde mi punto de vista poco aportó esta reagrupación, un par de discos, algunos conciertos... pero el resultado es la devaluación de toda su obra anterior, no deja de ser una opinión, habrá quien piense lo contrario... Sin embargo, para afianzar mi comentario dejo como mayor tributo esta grabación, para mi de uno de los mejores temas de la banda:

Adiós al Aula de Música de la UAH

Hace unos días me sorprendía desagradablemente la noticia que aparecía en la revista digital SulPonticello:  Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares:  Patada, borrón y cuenta nueva. En ella se trataba el cierre del Aula de Música de la UAH, realmente poco hay que añadir, aún así no quiero dejar de realizar un comentario a la misma.

Los objetivos que llevaron a su fundación: convertirse en un lugar de encuentro y especialización para profesionales del mundo de la música. Otro, fomentar y divulgar la misma,  y así contribuir en la difusión de ésta por medio de diferentes actividades dirigidas a todos los públicos. Fue en 1987 cuando se aprobó el proyecto de creación de este aula, de la que cabe destacar entre sus actuaciones más significativas los diferentes cursos de especialización musical para post-graduados, así como los distintos conciertos llevados a cabo en su aduditorio y dirigidos a todos los públicos (algunos organizados por otras instituciones), otra actuación digna de señalar es  la publicación de la revista "Quodlibet".

Sus cursos de especialización musical han conseguido un gran prestigio, ofreciendo la posibilidad a profesionales de la música de disponer de una opción de calidad y de continuidad para proseguir la formación una vez acabados los estudios oficiales, sin tener que salir a otros países en busca de este tipo de estudios. Los mismos se agrupan en diferentes áreas, tales como: teoría analítica, música contemporánea, interpretación instrumental, composición o clases magistrales, en las que han intervenido docentes de la talla de Eduardo Armenteros, Josep Colom, Luis de Pablo, Pepe Rey, Charles Rosen o Andrew Ball, por citar solo algunos de los que han pasado por allí.

Sobre las actividades que hemos citado y los objetivos fundacionales, veamos que queda: de la revista Quodlibet no se encuentran referencias desde el número 50, publicado en el segundo cuatrimestre del 2011, si además sumamos lo que nos confirma la noticia también publicada en El Mundo.es, nos encontramos con un Aula donde no se impartirán clases porque se elimina esa actividad, llevándose por delante uno de los objetivos fundamentales, como ya hemos citado anteriormente, por lo tanto tan solo quedan (y no sabemos durante cuanto tiempo) los conciertos (que en algunos casos eran llevados a cabo por los alumnos o profesores que impartían los cursos). En una carta publicada en diferentes medios Josep Colom ya anunciaba (y denunciaba) el cierre y las maneras en las que se lleva el mismo, nos hacemos eco de dicha carta, así como de algunos parrafos que compartimos totalmente y que son aplicables a algunas circunstancias que están aconteciendo en estos instantes en otras áreas, no solo en la cultura:

"El precio de una cosa lo conoce cualquiera; captar el valor es más sutil y requiere cultura y responsabilidad. La pena es que la mayoría de quienes manejan el poco dinero público que va quedando no ven ni quieren comprender la diferencia.

Ya hace un tiempo que la crisis (esta palabreja que cada vez usamos más a menudo sin mirar en el diccionario qué significa exactamente) se usa como comodín por los administradores del dinero público ignorantes del valor de lo que administran."

Por otro lado el equipo de rectorado de la Universidad intenta justificar dicho cierre por la falta de financiación, aunque según informaba el propio Colom, el Aula sobrevivía gracias a las matriculaciones y a que tanto los alumnos como los profesores arrimaban el hombro, sin ir más lejos, esto lo decía ante un concierto que ofrecía en el mes de febrero y cuyo fin era dar visibilidad al problema y contribuir en el mantenimiento del proyecto.

A partir de esto cada uno puede plantearse sus propias conclusiones. La retirada de financiación por parte de la administración y la retirada de Caja Madrid como patrocinador del Aula son las alegaciones del rectorado... pero ¿seguro que no había más opciones antes de llegar al cierre?. Vuelvo a reseñar las manifestaciones que aquí señalamos de la carta de Colom "...la crisis se usa como comodín por los administradores del dinero..." y la cultura no es un valor en alza en este país, más bien todo lo contrario y distintas circustancias que acontecen últimamente así nos lo atestiguan. La cultura no es una buena inversión económica... es una inversión y una apuesta por el crecimiento intelectual de las personas, no cuantificable en €. Aprovechamos ya para manifestar nuestro apoyo a todos los colectivos que están en plena lucha por mantener unas condiciones dignas para el desarrollo individual de cada uno de nosotros en este país: trabajo, educación, salud...

La 6ª de la Luna de Mayo, no es una más...

Ninguna de las ediciones del Festival de la Luna de Mayo es una más, todas son especiales pues los grupos que participan en ellas añaden nuevas connotaciones al Festival, la gente que se implica, los colaboradores, etc, van consiguiendo que cada año tenga un color... un timbre diferente!!!.

Todos los grupos que han pasado por "La Torri" han ido dejando muchas cosas, no solo su calidad musical. Afortunadamente para nosotros ese es un valor que no podíamos imaginar en su día, ni somos capaces de valorar en su justa medida, aunque si somos conscientes de ello.

Para la edición de este año partíamos en algunas cuestiones con un nivel alto de exigencia, veníamos de un pequeño descalabro, como en su momento ya refleje en una entrada de este blog. Finalmente dispuestos a "trabajar" por sacar una edición más, nos reunimos la gente que podíamos ser capaces de llevarlo para adelante, empezamos a hacer camino, pues es la única manera de llegar a los sitios. Y tuvimos la suerte de recuperar  todo lo bueno de las ediciones anteriores, así como algunas novedades importantes.

EnVerea en directo (RCFM)

Tuvimos la suerte de poder contar con EnVerea que les tocaba abrir edición, grupo de Plasencia que re-elabora la música tradicional de esta región, ofreciendo una visión y una perspectiva diferente a un repertorio y a unas fuentes en las que muchos grupos de la región beben, sin embargo se juntan distintas circunstancias en el grupo para que su enfoque sea diferente, algunas claves: el sonido de Carlos en las percusiones, el cariño y el cuidado minucioso en los arreglos, la versatilidad timbrica y para nosotros uno de los elementos importantes a la hora de programar, "la contemporaneidad", es decir, que esa elaboración este realizada en el S.XXI, y para esto no hace falta meter programación ni hacer proyectos infumables llenos de tecnología, sino estar abierto a las influencias de nuestro tiempo, saber trasladar aquellas cosas positivas de otros géneros, actualizar el lenguaje (armonizaciones, arreglos, etc). EnVerea lo consigue aunque todavía están en pleno proceso de despegue y eso quiere decir que todavía tienen mucho que ofrecer, pero la propuesta es atractiva... y así se lo hicimos saber las personas que tuvimos la suerte de escuchar su trabajo la noche del 26.

Stolen Notes en directo

Después de que EnVerea, nos metiera en vereda... vino el alboroto de Stolen Notes. Como no, de andalucía tenían que ser y trajeron parte de la magia de esa tierra, y la aunaron con los rituales celtas del norte. Y es que su proyecto musical se fundamenta en las músicas de las naciones celtas, aunque se vislumbran muchas más influencias en el fondo de su apuesta y algunas de ellas procedentes del sur, es este uno de los motivos que dentro de su propuesta la diferencia de otras que pudieran ser similares. Después de verlos en directo, uno entiende todos los reconocimientos que van obteniendo por los distintos lugares que pasan. Es un grupo con gran calidad y con dos partes bien diferenciadas, la rítmica y la solista entre ellas van creando diferentes interacciones, va consiguiendo cada una de ellas ocupar su espacio y que este espacio sea trascendental en su propuesta. Nos transmitieron momentos muy intensos y todo hace pensar que este año cuando los vuelvan a ver por Ortigueira no los van a olvidar fácilmente, como nos pasará a nosotros.

Una vez acabados los conciertos, las sessions siguieron en el Albergue en las cuales tuvimos la suerte de contar además con miembros de la formación Scath. Con anterioridad el Festival se inició con distintas actividades para aquellos que quieran más información, dejo este enlace. Por último agradecer a todos los que han hecho posible esta nueva edición grupos, sonido, promotores, colaboradores, medios de comunicación... y como no a todos aquellos que asistieron.

¿Nos vemos en la Séptima?

6º Festival de La Luna de Mayo

Un año más, una edición más, se vuelve a llevar a cabo El Festival de La Luna de Mayo en Torre de Don Miguel. En el Albergue Sierra de Gata, a la salida de Torre de Don Miguel dirección Gata, una bella localidad de la Sierra, en la cual durante ese día convive en armonía la música y el entorno natural serrano. Un año más, más problemas que nunca y si el año pasado decidíamos tirar la toalla por la cantidad de problemas que conlleva la realización de este evento... todavía me sigo preguntando: ¿como es que estamos otra vez metidos en esto? un año de mayor dificultad debido a los problemas económicos que todos y en todos los ámbitos se padecen.

Bueno, tal vez por lo que supone tirar la toalla, algo contrapuesto a la manera de pensar de aquellos que trabajamos para hacer esto posible. Porque no se justifica que en años tan complicados donde los músicos no encuentran espacios para ofrecer su trabajo y encontrarse con su público, cuando menos no lo intentáramos. Porque no hay muchas posibilidades de buscar una excusa para olvidar los problemas y disfrutar un "poquito" de las cosas que realmente valen la pena, otro motivo más para seguir intentándolo. Porque nuestra comarca necesita empujones de todos los que vivimos en ella para sacarla adelante. Podría pasarme toda la entrada dando justificaciones de por qué hemos vuelto a "reinventarnos".

En esta edición contamos con dos grandes grupos, con estilos diferentes, desgraciadamente no podemos mantener el formato de ediciones anteriores de tres grupos, pero si mantenemos que uno de ellos sea de nuestra región. Es EnVerea al grupo que le toca representar y ofrecer una muestra de la música que se hace en Extremadura en el 2012. Un grupo que surge en Plasencia en el 2011 y que se está empezando a dar a conocer, que tenemos la suerte de ser uno de esos primeros espacios en los que pueden ofrecer su trabajo. Su música es un reflejo de la ciudad donde viven: Plasencia. Influencias Castellanas pero con raíz Extremeña, fusionando tradición con contemporaneidad, un grupo abierto a todo aquello que pueda dar valor y calidad a su música. Ellos definen su proyecto perfectamente: "Una música alegre, fresca y entusiasta que evoca las diversas culturas que han pasado por estas tierras y han dejado su legado musical".

Por otro lado Stolen Notes grupo Sevillano que surge en el 2006. Durante el 2010 consiguen un gran reconocimiento gracias a la obtención de galardones y premios tan prestigiosos como el Folkez Blai de Ermua, por citar alguno. Pero el más importante, sin lugar a duda es el que consiguen en el 2011  en el Festival de Ortigueira en el escenario Runas, en su día ya tuvimos a Sog, otra banda que consiguió el mismo reconocimiento. En la actualidad cuentan con disco en el mercado. Su sonido es muy compacto y cuidado, dónde se aprecia el trabajo en las sessions y sus influencias atlánticas, su repertorio se nutre de composiciones tanto de temas tradicionales de las naciones celtas, como de composiciones propias y que poco a poco les está sirviendo para consolidarse en el panorama folk nacional. Una música que aunque hecha en el Sur mira hacia el Norte con respeto y mucha, mucha calidad.

¿Que más podíamos pedir para un año como este?. Os esperamos!!!

Fascinating Rhythm

Fascinating Rhythm es una composición de George Gershwin, con letra de su hermano mayor Ira Gershwin, formaba parte del musical Lady be Good, que se estrenó en Broadway el 1 de diciembre de 1924, convirtiéndose en uno de los temas referencia de dicho musical, con libreto de Guy Bolton y Fred Thompson, dirigido por Eric Stern. Quedó registrada por primera vez por Cliff Edwards: "Ukelele Ike" para perfect/Pathé records en 1924 (New York). En 1926 fue grabada por el propio George Gershwin junto a Fred y Adele Astaire, artistas principales del musical.

Poco a poco va adquiriendo la condición de tema popular e instalándose en el "songbook" de standard del jazz, posiblemente por ese ritmo fascinante que consigue Gershwin con el uso de frases asincopadas, uno de los recursos fundamentales del jazz. Con el paso del tiempo y después de que el Swing diera paso al Bop muchos de los músicos que habían asimilado este lenguaje van transformando la composición, principalmente simplificándola, prescindiendo de los primeros 16 compases para ir a los siguientes 32 con una forma ABAB' y por lo tanto adaptándose mejor a las necesidades del género, e imprimiéndola un tiempo más rápido. 

En 1974 Deep Purple sacó al mercado el Lp Burn, dónde uno de los temas fundamentales era el propio Burn, que daba título al álbum, y con el que empezaban los conciertos de esa época. Es incuestionable que Ritchie Blackmore convierte la melodía de Fascinating Rhythm en uno de los riff más populares del Hard Rock y que es capaz de generar un tema nuevo de dicho riff. Con anterioridad ya había creado otro mucho más popular Smoke on the watter dónde no dudo en meter una cuarta aumentada y crear más tensión en dicho riff, su formación clásica y su gusto por otros géneros musicales sin duda le ayudaron a generar más riqueza en un estilo en que fue uno de los pioneros y referente de otros músicos.

Javier Gallego & Miguel Álvarez-Fernández

Si nos remontamos a principios de este Siglo, nos encontramos con un programa de Radio 3 que se llamaba Especia Melange, en el ya podíamos localizar a Javier Gallego, dando sus primeros pasos por este medio, realizando un programa (junto a Celia Montalban y Maika Aguilera) de radio-ficción donde se interrelacionaba la música y la literatura, introduciendo un elemento importante de  compromiso social. Desgraciadamente un programa que reunía todos los elementos necesarios para emitirse en una emisora pública como es R3 desapareció!!!, eran tiempos difíciles para el ente público RTVE (¿y cuándo no?) presidido en un primer momento por Javier González Ferrari y posteriormente Jose Antonio Sánchez Dominguez, dónde sus mayores preocupaciones eran conseguir la viabilidad económica, antes que promover los objetivos fundamentales del ente: garantizar la información objetiva, veraz y plural, fomentar el conocimiento, ofrecer acceso a distintos géneros de programación, etc. Su labor fue reconocida con diversas menciones y algún galardón en concursos tanto nacionales como internacionales. Pero lo dicho, un buen día Javier Gallego, tuvo que empezar a moverse por otras emisoras, dónde con toda seguridad los proyectos que podía tener en la cabeza, dificilmente tenían cabida (emisoras encorsetadas en un tipo de programación estandar, sin ganas de promocionar la creatividad o el  pensamiento crítico...). A partir de ese momento le podemos encontrar en los equipos de El ombligo de la luna de RNE,  Las malas lenguas o Gran vía de la Ser dónde trabajó con Toni Garrido, No somos nadie M-80, no quiero hacer mención a su paso por Televisión, pero si es necesario comentar su actividad musical, a nadie que le siga se le puede escapar que fue el batería  Dead Capo durante muchos años y formó parte también del grupo John Pinone junto a Carlos Pérez Cruz y Javier Adán, grupos a veces difíciles de clasificar, por las distintas influencias que reciben. Pero dónde esta cobrando una gran relevancia es a través de Carne Cruda de R3, que empezó su emisión el 1 de octubre del 2009, siendo el retorno de Javier Gallego, de nuevo a su espacio natural R3. Ya no es un programa de radio-ficción, sino como ellos lo definen:  una carnicería radiofónica en la que hacemos picadillo la realidad social, le sacamos los higadillos a la cultura y abrimos en canal a los personajes más "rarunos" para servírtelos frescos, sangrantes y con las tripas fuera.

Otro de los grandes directores y presentadores, que aportan sabia nueva a RNE, en este caso en Radio Clásica, es Miguel Álvarez-Fernández quién asumió la responsabilidad de continuar con el programa Ars Sonora que en su día pusiera en marcha José Iges (una de las referencias en el mundo de la música electro-acústica y arte sonoro de nuestro país). Miguel Álvarez-Fernández no solo muestra su implicación con el arte sonoro, a través de este programa, sino que además ha sido comisario de algún proyecto de arte sonoro, también forma parte del colectivo de artistas DissoNoiSex, con performance tan sugestivas como: Repressound o Bacchus. Otro de los exponentes que nos muestran su implicación con el arte sonoro se pueden contemplar a través de sus participaciones en conferencias, seminarios, talleres, así como en las diversas publicaciones en las que ha participado (revistas especializadas, criticas especializadas, catálogos de exposiciones, etc). Si anteriormente comentabamos la implicación de Javier Gallego en el desarrollo de la radio-ficción, en el caso de Miguel Álvarez-Fernández debemos de comentar su implicación en "radio arte" (arte llevado a cabo a través de la radio, y con los medios específicos de ésta), radio performance y como consecuencias de estas evoluciones, plasmarlas mediante el canal que constituye internet, así no es extraño encontrarle en proyectos como son radioartnet, red social de radio arte. Ars Sonora,  mantiene también una web que permite obtener información de la actividad del programa como escuchar en podcast sus emisiones. Ars Sonora se difine como "Un oído atento al arte sonoro español e internacional, con referencia especial al arte radiofónico y a la creación en medios electrónicos". Dicho programa es un referente nacional en los campos de la electroacústica y muestras del arte sonoro, así como uno de las pocas muestras radiofónicas de este género en la radio frecuencia española.

El Carnaval de los Animales

Puesto que todavía no quedan demasiado lejanos los carnavales, aprovecharemos para disfrutar de esta obra de Camille Saint-Saëns. Niño prodigio, que ya con 5 años compuso su primera pieza para piano, siendo un gran virtuoso de este instrumento, gran improvisador en el órgano, compositor, director de orquesta... tiene gran importancia su labor como regenerador de la música francesa, así como la faceta formativa y es que en 1861 obtuvo la cátedra de piano de la escuela Niedermeyer. También cabe señalar su papel como cofundador de la "Société Nationale de Musiqué" gracias a la cual se pudieron estrenar obras de Debussy, Fauré, Ravel, etc... Pero no nos estendamos más en la fascinante vida y obra de Saint-Saëns, para poder pasar a analizar una de sus grandes suite: El Carnaval de los Animales.

El Cisne (Interpretación Mischa Maisky)

El Carnaval de los Animales fue escrita en Austria a principios de 1886 se estrenó en el mismo año el 9 de Marzo en París, coincidiendo con el martes de Carnaval. Como no podía ser de otra forma, Camile Saint-Saëns salió disfrazado al escenario (con una nariz y barba postiza). Además no permitió en vida que esta fantasía fuera interpretada (salvo la excepción comentada), ni publicada su partitura; esto fue debido a que era consciente de las diferentes parodias y bromas que en el transcurso de la obra esbozaba, en algunos casos llegaba a ridiculizar algunos compositores, en la pieza "Tortugas" parodia una obra de Offenbach sacándola de contexto, también hace lo mismo con los intérpretes de la época, en concreto con la pieza "Pianista", que además sirve para situar en su animalario particular a los pianistas y por tanto al ser humano... haciendo muchas escalas ascendentes, descendentes, progresiones, el ser humano: técnica pura!!! y a su vez el duro castigo que supone la escucha. Por citar otro de los guiños que hace en esta obra, en la pieza "Fósiles" parodia el poema sinfónico La danza macabra, compuesta por el mismo Saint-Saëns, es el Xilófono el instrumento principal, buscando la semejanza entre dicho instrumento y el sonido de chocar  huesos, además en la parte B (su forma es A-B-A-C-A dónde A es la melodía extraída de La danza macabra), dirige sus críticas a los profesores de contrapunto, superponiendo un gran conjunto de canciones populares francesas. Estos son ejemplos de  una obra muy creativa e imaginativa, con mucho humor y sátira entre sus notas. Paradójicamente, esta obra es la que más fama ha podido reportar a su autor, que además se ha interpretado en multitud de lugares y ocasiones desde su muerte.

A su vez se ha convertido en una obra de referencia en la divulgación musical, reune muchos elementos que ayudan a esta actividad, sobre todo para los más pequeños: piezas cortas, la referencia a los animales que a su vez son perfectamente reconocibles en las melodías (el rugido del león, las gallinas, los pájaros, el cuco...), la diversidad tanto en el timbre (y es que el autor propone para cada pieza, diferentes combinaciones sobre los 12 instrumentos que eligió para su interpretación) como en el ritmo, nos podemos encontrar piezas en 3/4 (el cisne, el cuco, personajes de largas orejas...) o en 4/4 (marcha real del león, gallinas y polluelos, pianistas...). A continuación os dejo con la interpretación de toda la obra que nos regalan dos amigos universales Bugs y Lucas, así como esta guía didáctica de Belén Otxotorena.

Paul Motian o el arte de lo etéreo

Puestos a simplificar en el arte de tocar la batería, y dentro del mundo del jazz, podríamos reducir la infinidad de estilos y perfiles, en dos: el primero podría abarcar a los más contundentes y fogosos, con un sonido potente, posiblemente uno de los mejores representantes de estas cualidades pueda ser Art Blakey... en el segundo nos podemos encontrar a instrumentistas más abstractos y reflexivos, con un sonido más introspectivo, es en esta tendencia donde yo situaría a Paul Motian como uno de los máximos representantes. Personalmente, es esta tendencia la que más me seduce, y es por esto que echaré de menos el sonido etéreo y sutil de este batería. Ese color que conseguía en muchas ocasiones gracias a su gran técnica con las escobillas o las oleadas  de sonido que construía en algunas de sus interpretaciones con el magistral uso de los platos.

Es su paso por el trío de Bill Evans (junto a Scott LaFaro al contrabajo y el propio Moutian en la batería), el hecho de mayor trascendencia en su carrera, sencillamente por que abrieron una nueva senda para ese tipo de formación, la base rítmica se "emancipaba" de su función fundamental, dar soporte ritmico y apoyo armónico al instrumento principal: el piano, que empieza a compartir espacios e interactuar con dichos instrumentos, muchos lo han definido como un dialogo entre los tres instrumentos. Este hecho se pudo llevar a cabo gracias a la capacidad y las amplias miras de estos instrumentistas que constituyeron ese trio germinal. 

Sin embargo, merece ser recordado no solo por este motivo. Un músico que después de trabajar con Bill Evans, continúa su actividad con Paul Bley y dejando su aportación en la escena free; que posteriormente forma parte de otro trio singular, el del gran pianista Keith Jarrett (con Charlie Haden al contrabajo) y una vez concluida su asociación con el mismo, constituye un trio sublime, (como principal responsable) junto a Joe Lovano y Bill Frisell. Que, por si fuera poco, formó parte del proyecto Liberation Music Orchestra de Charlie Haden. Y que en su proyecto Electric Be-Bop Band (E.B.B.B.) tiene el honor de que han pasado músicos tan importantes en la escena actual como Joshua Redman, Kurt Rosenwinkel, Chris Potter, Ben Monder... Son muchas experiencias en su vida profesional, para reducir su actividad tan solo a la primera reseña indicada.

Para finalizar, tan solo recomendar a los que quieran tener más datos y seguir disfrutando de la música de Paul Motian, el programa homenaje, que llevó a cabo el espacio Sonideros de R-3, realizado por Javier de Cambra y Marta Echevarría el 27 - 11 - 2011. Así como el breve semblante y recuerdo que le brindó la web Drummerworld.

Sonidos duros... para tiempos difíciles!!!

Pequeño paréntesis antes de lanzar la entrada sobre Paul Motian.

Sobran las palabras... paso a la música y a los mensajes tan vigentes ayer como hoy!!!

La primera sobre los causantes:

Herencia letal (letra)
La segunda y tercera algunas de las consecuencias:

Sin empleo (letra)

Los chicos están mal (letra)
La cuarta, la respuesta:

Reacionar (letra)
P.D.: ¿Donde se habrá metido está mujer?!

                                                                                              A Sergio y compañía.

Montserrat Figueras

Canto de la Sibila

En la antigua Grecia, se entendía por Sibila a aquella mujer de sabiduría y vehículo de revelaciones divinas, una mujer que reunía muchos atributos encarnados antaño por las Diosas Madres. Monstserrat Figueras interpreta este canto consiguiendo crear cierto aire místico, cargado de sensibilidad, es sin lugar a duda un buen ejemplo de la calidad que atesoraba, y tal vez esta definición de Sibila tenga cierto paralelismo con su persona. Y es que al pensar en ella, no dejo de visualizarla como una notable y relevante investigadora, una sabia en el mundo de la música... las revelaciones divinas que auguró hablan de nuestro pasado, nos transmite con suma claridad, la belleza y emotividad de dicho tiempo, nos pone de relieve gustos, costumbres, valores de épocas pasadas, a las cuales nos traslada con su canto, y nos pone en contacto con lo que fuimos para ayudarnos a entender los que somos.
Montserrat Figueras, transmite con su voz, de timbre y color encantador, gran emoción y afortunadamente podremos disfrutar de parte de su trabajo gracias a los más de 60 Cd's grabados. Tampoco quiero pasar por alto, otro atributo relevante, ya que la considero también, en cierta forma, una aventurera, pues no optó por el camino más sencillo en el mundo de la música al decidirse por la música antigua, y apostar por enfocar dicho género de manera diferente al que se venía haciendo, e intuyo que tuvo que haber bastante de gesta y hazaña en la puesta en marcha de una formación como Hesperión XX (hoy Hesperión XXI), posteriormente de nuevo participó en la fundación de las formaciones Capella Reial de Catalunya o Le Concert des Nations.

Y es lógicamente en este contexto, donde no podemos dejar de tratar esa simbiosis que existió entre Jordi Savall y Montserrat Figueras, tan beneficiosa no solo para ellos, sino para la música en general, aunque si es cierto que la excepcional figura del primero, pudo ocultar parte de las excelencias de la segunda. Es posible que la relación entre estos dos grandes artistas comenzara durante el periodo en el que estuvieron ligados a la formación Ars Musicae, en torno a 1968. Otro de los momentos fundamentales de esta unión... la fundación de Hesperión XX (hoy Hesperión XXI) en 1974, nombre inspirado en una antigua palabra griega que definía a los antiguos habitantes de Hesperia, las dos penínsulas más occidentales de Europa: la Italiana y la Ibérica; dónde se fundamenta el repertorio de dicha formación: "Queríamos volver a las fuentes originales, manteniendo el máximo respeto por la música" (entrevista al New York Time en 2005, Jordi Savall). Han participado en esta formación grandes músicos, entre los que cabe reseñar (por citar tan solo algunos) Andrew Lawrence-Kign, Rolf Lislevand o Hopkinson Smith (uno de los miembros fundadores). Otro hito y último que reseñamos, la formación en 1987 de La Capella Reial de Catalunya (como indican en Alia-Vox) "Uno de los primeros grupos vocales dedicados a la interpretación de las músicas del Siglo de Oro, con criterios históricos y constituido exclusivamente por voces hispánicas y latinas".