RecorreSonidos

Sonidos duros... para tiempos difíciles!!!

2012-01-28T01:05:00.000+01:00

Pequeño paréntesis antes de lanzar la entrada sobre Paul Motian.

Sobran las palabras... paso a la música y a los mensajes tan vigentes ayer como hoy!!!

La primera sobre los causantes:

Herencia letal (letra)
La segunda y tercera algunas de las consecuencias:

Sin empleo (letra)

Los chicos están mal (letra)
La cuarta, la respuesta:

Reacionar (letra)
P.D.: ¿Donde se habrá metido está mujer?!

A Sergio y compañía.

Montserrat Figueras

2012-01-15T12:43:00.000+01:00

Canto de la Sibila

En la antigua Grecia, se entendía por Sibila a aquella mujer de sabiduría y vehículo de revelaciones divinas, una mujer que reunía muchos atributos encarnados antaño por las Diosas Madres. Monstserrat Figueras interpreta este canto consiguiendo crear cierto aire místico, cargado de sensibilidad, es sin lugar a duda un buen ejemplo de la calidad que atesoraba, y tal vez esta definición de Sibila tenga cierto paralelismo con su persona. Y es que al pensar en ella, no dejo de visualizarla como una notable y relevante investigadora, una sabia en el mundo de la música... las revelaciones divinas que auguró hablan de nuestro pasado, nos transmite con suma claridad, la belleza y emotividad de dicho tiempo, nos pone de relieve gustos, costumbres, valores de épocas pasadas, a las cuales nos traslada con su canto, y nos pone en contacto con lo que fuimos para ayudarnos a entender los que somos.
Montserrat Figueras, transmite con su voz, de timbre y color encantador, gran emoción y afortunadamente podremos disfrutar de parte de su trabajo gracias a los más de 60 Cd's grabados. Tampoco quiero pasar por alto, otro atributo relevante, ya que la considero también, en cierta forma, una aventurera, pues no optó por el camino más sencillo en el mundo de la música al decidirse por la música antigua, y apostar por enfocar dicho género de manera diferente al que se venía haciendo, e intuyo que tuvo que haber bastante de gesta y hazaña en la puesta en marcha de una formación como Hesperión XX (hoy Hesperión XXI), posteriormente de nuevo participó en la fundación de las formaciones Capella Reial de Catalunya o Le Concert des Nations.

Y es lógicamente en este contexto, donde no podemos dejar de tratar esa simbiosis que existió entre Jordi Savall y Montserrat Figueras, tan beneficiosa no solo para ellos, sino para la música en general, aunque si es cierto que la excepcional figura del primero, pudo ocultar parte de las excelencias de la segunda. Es posible que la relación entre estos dos grandes artistas comenzara durante el periodo en el que estuvieron ligados a la formación Ars Musicae, en torno a 1968. Otro de los momentos fundamentales de esta unión... la fundación de Hesperión XX (hoy Hesperión XXI) en 1974, nombre inspirado en una antigua palabra griega que definía a los antiguos habitantes de Hesperia, las dos penínsulas más occidentales de Europa: la Italiana y la Ibérica; dónde se fundamenta el repertorio de dicha formación: "Queríamos volver a las fuentes originales, manteniendo el máximo respeto por la música" (entrevista al New York Time en 2005, Jordi Savall). Han participado en esta formación grandes músicos, entre los que cabe reseñar (por citar tan solo algunos) Andrew Lawrence-Kign, Rolf Lislevand o Hopkinson Smith (uno de los miembros fundadores). Otro hito y último que reseñamos, la formación en 1987 de La Capella Reial de Catalunya (como indican en Alia-Vox) "Uno de los primeros grupos vocales dedicados a la interpretación de las músicas del Siglo de Oro, con criterios históricos y constituido exclusivamente por voces hispánicas y latinas".

Cesária Evora

2011-12-20T15:21:00.001+01:00

La Reina de la morna

En casi menos de un mes, nos han dejado tres grandes Artistas: Paul Motian (22 de noviembre), Montserrat Figueras (23 de noviembre) y Cesária Evora (17 de diciembre). Siendo la ausencia de esta última la que más trascendencia ha tenido en los diferentes medios de comunicación, merecida debido a su gran talento, pero por otro lado deja en evidencia la menor relevancia (dentro de estos mismos medios) que tuvieron las otras dos importantes pérdidas, sobre todo cabe señalar la de Montserrat Figueras al ser una artista nacional, y lo lógico hubiera sido un mayor reconocimiento procedente de su tierra. Y esto, tengo la impresión de que sucede, sencillamente porque atiende más a la notoriedad del artista que al reconocimiento de su obra. Y es ésta, su obra y el legado que afortunadamente podremos disfrutar, pese a su desaparición, lo que me anima a rendir sentido homenaje a estas tres grande figuras, por la genialidad de su obra, trascendencia y/o contribuciones en el mundo de la música... independientemente de géneros y popularidad, y aprovecho para dar comienzo con Cesária por estar todavía muy reciente su pérdida.

Encuentro en la carrera (y vida) de Cesária Evora muchos puntos de encuentro, o paralelismos con otros grandes artistas, principalmente con Billie Holiday y Compay Segundo. Con Billie, tal vez su "forma de cantar", de transmitir su música cargada de melancolía y sufrimiento; también comparten vidas complicadas, que con toda seguridad se manifiesta en su canto... a través de sus voces y sus canciones. Las similitudes con Compay Segundo pueden venir dadas por constituir ambos parte de ese género denominado músicas del mundo o world music... (¡esto da para escribir también alguna entrada!) ya que mediante este "nuevo estilo" de finales del siglo pasado, se dan a conocer grandes artistas procedentes de diferentes latitudes, con una dilatada carrera en sus países de origen y con cierta edad, que tal vez para los cánones comerciales no era la más adecuada, sin embargo, apostar por figuras consolidadas en sus países de origen, favorecía la implantación de este género (hoy en día la tendencia posiblemente sea la inversa, una vez consolidado) así llegamos a conocer a Compay Segundo y a Cesária Evora, tan solo por citar dos de los ejemplos que mayor popularidad han conseguido en nuestra tierra. Ambos consiguieron ser reconocidos con premios grammy en alguna de sus obras Voz d'amor (C. Evora) y Buena vista social club (R. Cooder, C. Segundo, I. Ferre, E. Ochoa y R. González); ambos se convirtieron en abanderados de la música de sus respectivas islas, con unas carreras que habían empezado de muy jóvenes tocando, ya fuera en las tabernas o en los clubs de su tierra natal.

Sodade es posiblemente uno de los temas más celebres de La diva de los pies descalzos y deja bien a las claras muchas de las cualidades y de las características de su obra. Otro de los temas por los que siento debilidad es el que compuso Pedro Guerra y Luis Pastor: Tiempo y Silencio, canción que aparecía en el disco del 98 de Luis Pastor, Por el mar de mi mano, que en la interpretación de Cesária adquiere, aún si cabe, mayor sentido.

Y para acabar con este pequeño homenaje a Cesária Evora, aprovecho esta Mar de canal que apareció en su disco Voz de a'mor, y en la que se siente la morna caboverdiana por todos los costados.

Always Look On The Bright Side Of Life

2011-12-05T13:26:00.000+01:00

Mira siempre el lado brillante de la vida

Hay cosas malas en la vida

que pueden volverte loco,

otras te hacen jurar y maldecir.

Cuando muerdas en hueso a la vida,

no te quejes, solo silba.

Eso ayudará a que las cosas mejoren.

Y... mira siempre el lado brillante de la vida...

... Mira siempre el lado luminoso de la vida...

Si te parece que la vida apesta,

hay algo que se te olvidó,

y eso es reir, sonreir,

bailar y cantar.

Cuando estés deprimido

no seas tonto,

junta los labios y silba.

Y... mira siempre el lado brillante de la vida...

... Mira siempre el lado luminoso de la vida...

Always Look... es un tema compuesto por Eric Idle, digamos que el músico de los Monty Python. Es el tema con el que acaba La vida de Bryan y según cuentan fue concebida como parodia del estilo de canciones de la factoría Disney.

Un día de Noviembre

2011-11-22T14:52:00.000+01:00

Fruto de la colaboración entre Leo Brouwer y Humberto Solás (director cinematográfico), surgió este tema como parte de la banda sonora de la película del mismo nombre. Esto sucedía en torno al 1972, aunque otras fuentes datan la composición del tema en 1968. La versión original es escrita e interpretada en el film por guitarra, bajo, flauta y percusión; posteriormente el mismo Brouwer realizó la transcripción para guitarra sola, dejándola registrada en su disco "De Bach a los Beatles".

Un día de noviembre es un tema facil de encontrar en el repertorio de muchos guitarristas, es un tema relativamente sencillo y sin embargo con mucho encanto, una melodía de gran belleza y con un carácter nostalgico, tal vez haciendo referencia al contexto de la película, o al Otoño (esa estación que tenemos la suerte de tener en esta parte del globo). Brouwer compone este tema en el periodo musical (personal) que el denomina "Nueva Simplicidad" en el que busca formas muy simples, fijándose en la música popular principalmente, y contrapone en algunos momentos la tensión tomada de la música académica o incluso de vanguardia, buscando el contraste. No es tan evidente en este tema, por su excesivo carácter melódico (que tratándose de Leo Brouwer...) y tal vez motivado por el contexto en el cual se encuadra su composición. Aún así, conviene tener en cuenta que uno de los principios que el mantiene ante una creación, es el siguiente: "la busqueda que debe de hacer un creador en la música ante lo banal y lo manipulado", es decir, la combinación de elementos de carácter más superficiales, con aquellos de carácter más profundo, buscando un cierto equilibrio (es mi interpretación, y en la escucha de su obra se manifiesta este planteamiento). El mismo Brouwer considera esta pieza, como una obra funcional, que califica como "con distintas valoraciones, un poco la música de salón, la música de los bis, o la música fácil para ocasiones" (dentro de las subdivisiones que realiza de sus composiciones). En esta misma entrevista, realizada por Wistuba-Alvarez en 1989 (Revista de Música Latinoamericana) comenta: " Es un tema cinematográfico, filmico, elemental, hasta comercial si se quiere... obviamente" y continúa diciendo: " ... la diferencia con el mundo comercial está en la repetición de clisés, justamente para vender, a través de la repetición, esa especia de "confort" seudocultural que hay siempre en estos mundo comerciales."

En "Un día de Noviembre" se reconocen dos partes bastante diferenciadas. La primera, en A menor y con un carácter más "melancólico" compuesta por dos frases: A y B que se repiten en un ciclo continuo hasta dar paso a la segunda parte. Ésta tiene un sonido más "esperanzador", toma por momentos la tonalidad de A mayor, también con una constitución similar a la primera: dos frases que se repiten continuamente para volver de nuevo a la primera parte, con menos repeticiones y con la que finaliza la pieza. Después de pensarlo mucho, creo que la interpretación que realiza el mismo compositor, es claramente la más idónea y a su vez refleja claramente el carácter que la quiso dar. Aunque personalmente me quedo con alguna interpretación algo más lenta de tiempo y un poco más rubato como la que realiza Miguel Trápaga en su disco dedicado a la obra de Leo Brouwer.

El Hang

2011-10-14T22:48:00.000+02:00

El Hang es un instrumento de percusión acústico, de reciente aparición (en el 2001 fue presentado en la feria musical de Frankfurt), deriva del Steel Pan, aunque como sus propios desarrolladores comentan, la creación del instrumento viene determinada por el propio sonido del acero "su lado caótico y armónico" y un estudio minuciosos de instrumentos como "las campanas, después el gong, gamelan, címbalos y tambores y que se terminó con el Hang, la unificación del ritmo y la melodía nos abrió una nueva dimensión musical".

Los artífices de este instrumento son los artesanos Felix Rohner y Sabina Schärer, fueron ellos los que empezaron a experimentar con dos piezas semiesféricas de acero, que poco a poco fueron evolucionando : el hang/2001-2005, low hang/2005, gudu hang/2004-2007, hangbauhaus/2006-2007... hasta convertirse en el instrumento más sofisticado desarrollado por estos artesanos: Hang integral/2008 en su taller PANGart Hangbau AG. Estas dos superficies, las dos caras del instrumento, reciben los nombres: Ding y Gu. El Ding es la parte superior, en ella se encuentra la nota fundamental (en el centro), en el registro más grave (Ding) y alrededor de ella, más curvaturas que corresponden a las notas que proporciona el instrumento, normalmente consta entre siete u ocho que mantienen una relación armónica con el ding, y podríamos decir que constituyen una escala menor, estos "hoyos" o notas forman el denominado circulo tonal; aunque sus posibilidades melódicas están limitadas, algunos instrumentistas optan por complementar su hang con otro, en otra afinación (con notas fundamentales, ding, diferentes) ampliando enormemente las posibilidades del instrumento.

La parte inferior se denomina Gu, que además da nombre al agujero que existe en esta cara, y cuya función es dar salida a las ondas acústicas que se generan al golpear el hang, es la boca de la caja de resonancia... metálica y que otorga al hang sus señas de identidad, una de las posibilidades que permite esta superficie es la de regular la apertura del gu, con las piernas, la mano... permitiendo jugar con la dinámica y con la afinación del sonido más grave que genera el instrumento (la octava más grave que se genera de la nota fundamental, el ding).

Su sonido es dulce y profundo, su peculiaridad de tener en un instrumento percusivo ritmo y melodía, unido a su portabilidad, hacen que las posibilidades del instrumento sean múltiples. Hoy por hoy la comunidad que existe en torno a este instrumento, indaga y trabaja principalmente en una dirección más mística del mismo, es fácil encontrarlo ligado a técnicas de musicoterapia, conciertos meditativos, y mucha composición dentro del estilo New Age. No obstante, existen músicos que experimentan introduciendo los sonidos del hang en otros estilos y formas musicales. No puedo pasar por alto el dúo Llama formado por Silvia Pérez Cruz y Ravid Goldschmid, catalana e israelí que en su producción musical dejan constancia de su sonido mediterráneo, con una combinación simple, pero efectiva y hermosa, la voz de Silvia Pérez y el hang de Ravid Goldschmid.

Cantus Arcticus

2011-09-11T12:11:00.000+02:00

Cantus Arcticus (concierto para pájaros y orquesta), obra compuesta por Einojuhani Rautavaara (Helsinki 1928) en 1972, por encargo de la Universidad de Oulu, una de las ciudades más importantes de Finlandia, ubicada en la mitad norte del país y perteneciente a la Laponia Finlandesa, que se sitúa relativamente próxima al círculo polar ártico, una de las circunstancias que aprovecha el autor para dar nombre a la composición. Es una obra singular, en la cual el compositor finlandés decide situar a la misma altura, la orquesta que interpreta la obra y el canto de diferentes tipos de aves, segundo elemento que interviene en el nombre la composición; éstos los había registrado con anterioridad en cintas magnetofónicas en las proximidades de esta localidad.

Esta obra es, desde mi perspectiva, una de las primeras experiencias de lo que hoy conocemos como Landscapes (paisajes sonoros, entendiendo este término como una descripción musical de un espacio, una imagen, una escena...) y si bien es cierto que en 1972 la música electro-acústica continuaba experimentando con todo tipo de sonidos y técnicas... es Rautavaara, quien en su eclecticismo, originalidad y en busca de seguir desarrollando su estilo, quien explora la posibilidad de armonizar una fuente sonora, como es una grabación magnetofónica con una orquesta. Realmente el registro magnetofónico tomado por Rautavaara constituye en si mismo un Soundscapes: lo que en música electro-acústica se entiende por paisaje sonoro: la grabación de un entorno sonoro concreto -p.e. en una ciudad, el sonido de los vehículos, conversaciones, pasos, ruidos producidos por algún trabajo, a fin de cuentas, todo ese conjunto de sonidos que nos define un escenario determinado-. Rautavaara consigue la interacción y un gran equilibrio entre ambas fuentes sonoras: orquesta y sonido de aves. De esta manera definía Rautavaara en una entrevista, algunos rasgos de su obra: "Con la orquesta, intenté reproducir la oscilante atmósfera del crepúsculo norteño - frío pero muy estimulante, en la misma frontera entre lo real y lo imaginario -, ante la que se despliega el misterioso contrapunto de los cantos de los pájaros entre los murmullos del bosque; hay grullas, cisnes y especies no identificables, cuyos cantos imitan los metales de la orquesta. Para conseguir que los intérpretes se situaran, les sugerí por escrito que pensaran en el Otoño y en Tchaikovsky..."

Cantus Arcticus es una obra que personalmente me evoca al impresionismo francés de compositores como Debussy o Ravel, pero también en ella encuentro otro tipo de rasgos, como son las características que definen el sonido nórdico (en cualquier estilo musical, la música nórdica refleja un universo sonoro característico, influenciado por su realidad cultural, su historia, su climatología y su entorno natural) o la propia personalidad del compositor, Rautavaara ha conseguido crear en sus obras unas señas de identidad propias; es un autor que ha pasado desde el neoclasicismo, al serialismo, que ha mostrado interés por el jazz o el folklore y de esta manera a desarrollado su propio sonido.

La obra está compuesta por tres movimientos: El Pantano (Suo), es este movimiento el que más me sugiere el impresionismo francés. Se inicia con dos flautas solistas, y dónde nos encontramos la grabación de las aves en primavera, el movimiento se cierra con una evocación a la melodía inicial de las flautas. Melancolía (Melankolia) da comienzo con el canto de la Alondra y con una melodía suave interpretada por las cuerdas, el movimiento acaba de nuevo con el canto de la Alondra y un in crescendo producido por los vientos que termina desvaneciéndose, para dar paso al tercer movimiento, Cisnes Migrando (Joutsenet Muuttavat), Rautavaara describe así este movimiento: "Me imaginé que (los cisnes) volaban en línea recta hacia el sol ardiente. Al igual que en el primer movimiento, lento, coral, como la melodía que emerge en las cuerdas. El volumen de los cantos de los cisnes aumenta en intensidad, y después de un climax con los platillos y algunos vientos, la música y el canto de los cisnes se desvanecen en la distancia, en medio de los suaves sonidos del arpa y la percusión."

Hoy en día es posible que esta obra no nos sorprenda tanto: en la era de lo digital, en la que se puede registrar cualquier fuente de sonido (ya que en móviles, cámaras u otros medios, tenemos incorporados dispositivos que nos permiten grabar con un mínimo de calidad) y que con un ordenador, algo de tiempo y algún programa de edición podemos llevar a cabo cualquier tipo de composición. En una época dónde las B.S.O. de documentales o películas suelen recurrir a la muestra de sonidos reales, junto a la música que sirven de soporte a las imágenes. En un tiempo, en el que la saturación de música en todo tipo de medios, han hecho perder mucho valor de ésta (sobre todo porque en esa saturación, mucha no tiene calidad y solo tiene un objetivo: no permitir el silencio...). Sin embargo, la belleza de esta obra, las diferentes técnicas de composición que expone el autor, la amalgama de sonidos, su descripción sonora en las distintas partes del concierto, hacen que sea una obra de gran valor artístico.

Carlos Faraco y Fernando Palacios

2011-08-01T23:16:00.001+02:00

Son tanto Carlos Faraco, como Fernando Palacios, dos de los grandes culpables que piense que la radio es (...desgraciadamente en contadas excepciones...) un medio bastante creativo, imaginativo y como no, divulgador. Ellos con los distintos programas y trabajos que realizaron o realizan, lo dejan bien a las claras. Escuchar sus propuestas, es como una invitación a sumergirse en otros mundos, profundizar de manera accesible en otras propuestas que ayudan a desarrollar la imaginación o comprender mejor la música o el sonido en sí. Lejos de las propuestas más cotidianas y anodinas que abundan en las emisoras de radio, gracias a la radio pública (R-3 y Radio Clásica, fundamentalmente) encontraron el medio por el cual llevar a cabo sus propuestas en diferentes etapas, y en programas tan emblemáticos como Tris, Tras, Tres/Sonido y Oído/Música Sobre la Marcha/La Salamandra/Chichirichachi/Las Cosas de Palacios... hace poco, tuve la suerte de reencontrarme con un nuevo espacio de Fernando Palacios en Radio Clásica que mantiene toda la esencia de sus propuestas anteriores: El Oído Atento, y que parece recuperarle después de su paso por la dirección de esta cadena, en la cual algunos oyentes de los que siguen la misma, y que podríamos definir de fundamentalistas de la música clásica, no pararon de criticar sus propuestas por abrir un poco más esta emisora ampliando el concepto de música clásica e intentando atraer nuevos oyentes. Desgraciadamente en el caso de Carlos Faraco, hace ya tiempo (¿2007?) que le "jubilaron" y perdimos su rastro. La radio debe ser un medio dónde la palabra y el sonido (principalmente la música) sean los medios realmente prioritarios, para hacerlo más atractivo Carlos Faraco añade imaginación principalmente, Fernando Palacios divulgación creativa.

En el caso de Carlos Faraco cabe resaltar, a parte de su labor radiofónica, que fue uno de los miembros fundadores de La Romántica Banda Local, y como se puede observar en la página de la Wikipedia, la información a cerca de él es poca, se mimetiza perfectamente en el paisaje e intenta pasar desapercibido, mientras observa su entorno para posteriormente relatarlo y transformarlo... a su manera. Fué (y me gustaría pensar, que sigue siendo) un locutor con un timbre y tono de voz diferente, no dudaba en realizar cambios de registro y de esta manera hacer sus textos más dinámicos y conseguir involucrar más a los oyentes; además alzaba como estandarte la imaginación. Era capaz de crear las historias más sofisticadas (Siritinga), o llevar un programa a cabo tan solo con una canción y sus distintas versiones, mientras empleaba cualquier historia para ir enlazando dichos temas, lo dicho un mago de la ficción sonora y uno de sus máximos exponentes. No solo cabe destacar su trabajo como guionista y locutor, sino el trabajo llevado en el estudio, puesto que la gran mayoría de sus programas llevaban una gran edición... no tan fácil como hoy nos lo permite la tecnología digital. Si alguno queréis recordar o escuchar alguno de los momentos de Tris, tras, tres, Chichirichachi (edición 30 aniversario R3) o la Salamandra tan solo debéis seguir los enlaces o visitar la página de Radiotres.org o la del blog El manantial de la noche, gracias a los cuales uno puede seguir escuchando archivos de los trabajos de Faraco.

Fernando Palacios, en su caso cabría resaltar su faceta como pedagogo, ya sea a través de sus conciertos didácticos, sus libros, sus cuentos, o como asesor en distintas instituciones. Pero no es la única, también es compositor de obras tan sugerentes como: Calla, trompetilla calla; Modelos para armar; La mota de polvo. Y su paso por los medios de comunicación, a parte de los programas que hemos reseñado de Radio Clásica, cabe citar el programa de televisión Caja de música. De su libro Escuchar, me gustaría extraer este pequeño párrafo, en el cual define una de sus líneas de trabajo:"El oído se suele criar holgazán, contagiado por la marea de las costumbres; sin embargo, no creo que haya oído bruto, en todo caso poco especializado. Escuchar es una actividad. Requiere de nosotros esfuerzo y participación para que, agitándonos interiormente, nos provoque una reacción emotiva. Escuchando podemos llegar a entender". Programas como Sonido y Oído, es tal vez uno de los programas más importantes en el campo didáctico musical (cuando acabó salió a la venta el programa en cintas de cassette y hace unos años se volvía a reponer parte del programa en Radio Clásica, factores que indican la importancia del mismo) si es cierto que con anterioridad se emitía En clave de Sol, también dedicado a estos menesteres, lo cierto es que la impronta y la creatividad unido a la capacidad de divulgación, amena y sin aburrir, hicieron de Sonido y Oído un clásico en aquellos momento de Radio 2 y un programa de culto en estos tiempos, afortunadamente Fernando Palacios ha seguido evolucionando y realizando nuevas propuestas radiofónicas que hemos podido seguir disfrutando, la última (ahora en descanso vacacional... esperemos!!!) El Oído Atento , con anterioridad Música sobre la marcha o Las cosas de Palacios, de nuevo siguiendo los enlaces podréis conocer mejor o recordar algunos de sus programas.

Jim Hall

2011-07-01T08:00:00.001+02:00

Hablar de Jim Hall, es hablar de uno de los guitarristas más grandes en la historia del jazz, pues ha conseguido convertir su sonido y concepto de su instrumento en una de las referencias imprescindibles para todos los amantes de la guitarra, tanto dentro como fuera del jazz. Nació un 4 de diciembre de 1930, son ya 80 años a sus espaldas y sigue siendo uno de los instrumentistas referentes en el jazz (no solo para guitarristas) y esto es debido a su continua evolución, a su enorme recorrido y experiencia, por saber rodearse de grandes músicos: jóvenes o veteranos, y saber canalizar esos encuentros y colaboraciones. Hall es claramente reconocido por su refinamiento y sofisticado lenguaje armónico que le convierten en un gran acompañante, mientras que su sutil lenguaje melódico y creatividad son las cualidades que mejor le definen en la parcela solista. Si además añadimos el timbre y sonido personal que ha desarrollado con su instrumento y su faceta como compositor, siendo autor de obras tan impresionantes como: Aruba, Echo, All Across The City, Waiting To Dance, etc, etc, sin tener en cuneta su aspecto como compositor de obras para concierto, es fácil llegar a las conclusiones citadas más arriba.

Es a partir de la década de los 50 cuándo empieza a dar sus primeros pasos dentro de la música a nivel profesional, siendo con Chico Hamilton uno de sus primeros trabajos, le seguiría después su actividad con Jimmy Giuffre, es posiblemente a partir de este momento, en el cual se le vincula con la avant-garde (movimiento de vanguardia) así no es extraño encontrarlo tocando con Sonny Rollins o grabando el disco Jazz Abstractions de John Lewis/Gunther Schuller en el cual aporta un tema y comparte grabación con músicos como Ornette Coleman, Bill Evans, Eric Dolphy, Scott LaFaro... Posteriormente nos podemos trasladar a sus grabaciones mano a mano durante los 60 con Bill Evans, donde destaca el primer encuentro: el disco Undercurrent. También durante esta década cabe resaltar su asociación con Paul Desmond, y sin lugar a dudas, desde mi perspectiva, son estas relaciones las que van modulando ese sonido tan característico suyo y que muchos definen como "poeta de la armonía" (....), lo que si es cierto que su gusto por la melodía (no carente de tensión en muchas ocasiones) y el magistral uso de las armonías en sus acompañamientos es lo que le lleva al gran reconocimiento de guitarristas tales como Pat Metheny, Bill Frisell o Mike Stern (por citar diversas corrientes dentro del mundo de la guitarra).

En los 70 registra en directo otra de sus grandes grabaciones, Alone Togheter, junto a Ron Carter, una asociación que se repetiría en otros momentos y que al igual que ya hiciera en sus dúos con Bill Evans (Piano-Guitarra, ahora Contrabajo-Guitarra) conseguiría empastar el sonido de la guitarra con instrumentos, a priori, complicados de "fusionar" con ésta (lógicamente hay que tener la misma perspectiva respecto a Bill Evans y Ron Carter). También en esta década se le puede encontrar dando clases en la Berklee School of Music y entre sus alumnos ilustres: John Scofield. Por citar alguna otra grabación representativa en esta década, otra obra maestra, también grabada en directo: Live! (1975), el disco comienza con una sublime versión de Angel Eyes, que desde luego es para cautivar a cualquiera. También data de estas fechas su disco Concierto en el cual participan viejos conocidos como: Ron Carter, Paul Desmond, además de podernos encontrar a: Chet Baker, Steve Gadd y Roland Hanna en la grabación, y entre sus temas... una versión que muchos consideran la obra cumbre de Hall: el Concierto de Aranjuez del maestro Joaquín Rodrigo, aproximándolo al mundo del jazz.

Por no eternizarme, iré abreviando... durante los 80 le podemos encontrar con Michel Petrucciani, dejando recogido parte de su trabajo (y junto a Wayne Shorter) en un disco titulado Power of Three, grabado en directo (como no!!!) en el Festival de Jazz de Montreux. Youkali lo grabaría en 1993 y aunque Chet Baker había fallecido ya (1988), le podemos encontrar en algunos de los temas de este album. En esta misma década no podemos dejar de citar sus obras Dialogues, con Bill Frisell o Mike Stern en las guitarras, Gil Goldstein, Joe Lovano y Scott Colley, por citar a los más ilustres. Y otra de sus obras magistrales para mi gusto, el impresionante disco Jim Hall & Pat Metheny, grabado parte en directo y parte en estudio.

Ya en este siglo XXI, en el que estamos inmersos reseñaré dos titulos imprescindibles: Jim Hall & Basses grabado con una colección de contrabajistas impresionante: Dave Holland, Charlie Haden, Scott Colley, George Mraz y Christian McBride. La última reseña es el disco Hemispheres con Bill Frisell grabado en el 2008 y que para mi gusto es tan excepcional como la grabación con Pat Metheny, en determinados momentos nos podemos encontrar algunos temas en cuarteto, constituyendo el resto de la formación el batería Joey Baron y su eterno compañero de viaje en los últimos tiempos Scott Colley al bajo.

Para ir acabando, reseñar que además a Hall hay que atribuirle su gran capacidad como educador y formador. Exploring Jazz Guitar, es un claro ejemplo, un método de guitarra dónde expone una serie de conceptos fundamentales, a través del estudio de 10 de sus composiciones. Sus fundamentos en la formación van desde aspectos tan variados como su manera de entender la improvisación, la preparación "física" del guitarrista, lo que denomina The Magic Meeting (el encuentro entre artista y audiencia, por ejemplo, para compartir la música) o la importancia del análisis musical. Terminando de recopilar información para esta entrada pude leer en un chat como un guitarrista se acercaba a Jim Hall después de un concierto, y en el Backstage le alagaba y preguntaba como conseguir su sonido, que llevaba años escuchándole... su respuesta fue sigue escuchando... (lógicamente entendiendo escuchar, como tener el oído atento). Otra de esas sentencias que he podido leer acerca de él es como en un determinado momento le preguntaba a Freddie Green (Count Basie) que le diera algún consejo (relacionado con el mundo de la guitarra) y este le contestaba, que revisara la noche anterior siempre su maleta y dejara en la parte de arriba el traje!!!

Los Sonidos de las Plazas

2011-06-02T22:54:00.017+02:00

Recuerdo con cierto agrado, aquellos momentos en los que me movía por Madrid con los oídos bien abiertos, y no porque quisiera escuchar algo en concreto, sino porque me encanta oír los ambientes... los diferentes sonidos que surgen inesperadamente, aquellos que se repiten como una secuencia perfectamente predecible, los caóticos e impredecibles... mientras sigues avanzando y se desvanecen para surgir en un in crescendo, un nuevo conjunto de sonidos. Me encanta escuchar, (aunque cuando hablo... a veces no tengo la misma paciencia e interrumpo precipitadamente para comentar o decir algo... paradojas de la vida!!!). Es por esto que me encantaría escuchar el sonido continuo de las plazas de nuestras ciudades y aunque en alguna he estado y he podido disfrutar de ese ambiente y de esos sonidos, la verdad es que me gustaría seguir toda la evolución, toda la secuencia, la progresión de sonidos. Las plazas son espacios públicos y que una de sus principales funciones debería de ser esa que se las esta dando ahora mismo: el poder dialogar, debatir, reunirse... sin embargo hasta eso parece estar mal visto en los tiempos que corren, donde las plazas se habían convertido en un punto de cita o encuentro para marchar posteriormente a otros sitios, un lugar donde sacar una foto o ver una fuente, dónde la soledad de la ciudad, a veces se hace más evidente, y dónde impiden estar por más tiempo del que consideran debido.

Hace poco leía la entrada del blog de Julio Castejón, y la verdad es que comparto bastante su opinión, son muchas las fuentes de información que uno puede encontrar a cerca de lo que está ocurriendo, por poner otro ejemplo os dejo otra entrada del blog asaltarloscielos, el cual me llegó gracias a un grupo de Alcalá y que además algunos de sus análisis pueden estar acertados, y como no, para terminar de forjar una opinión no puedo dejar de poner las páginas, que podríamos denominar oficiales del movimiento 15M: tomalaplaza y SpanishRevolution.

Aún así no puedo dejar de expresar una reflexión, y es que considero que lo que ha ocurrido, tiene muchos más aspectos positivos, más que negativos (no se puede negar que el gran auge de una de las derechas más conservadora y neoliberal de europa, se ha producido, entre otras causas, debido a la repercusión y "daños colaterales" de este movimiento, y no deberíamos de perder de vista que su administración del ¿estado? será más severo y violento de lo que hasta el momento hemos vivido). El principal aspecto positivo es que un grupo de personas de diferente condición sean capaces de reunirse y salir a la calle para reivindicar, para hacer patente su disconformidad con la situación actual y la que se apunta..., que los espacios públicos vuelvan a ser lo que nunca debían de haber dejado de ser: ágoras de encuentro para la vida social, la cultura, el debate y la reflexión. Tampoco se puede obviar el aspecto solidario, fundamentalmente el que se ha manifestado con las personas que han ido cediendo horas de trabajo, aportando comida, objetos que podían ser bastante útiles para la supervivencia en la plaza, etc. Y es que hacía bastante tiempo que estos valores no se dejaban ver de forma tan evidente y continua como ahora se han mostrado. Hay bastantes más aspectos positivos, pero esos os los dejo a los que leáis esto, al igual que no se puede perder de vista los negativos, para a fin de cuentas poder aportar lo necesario para que no se produzcan o sean atenuados.

Me gustaría volver a oír los sonidos de Madrid, de la Puerta del Sol... posiblemente, ahora me perdería más en el contenido del sonido que en "la estructura armónica" del ambiente.

Por último y como homenaje al gran Julio (por cierto, cuando reconoceremos públicamente la labor de nuestros ARTISTAS y dejaremos de buscar fuera referentes... y no tengo nada en contra de Leonard Cohen, ni Bob Dylan, por ejemplo - y lógicamente entiendo la importancia de su aportación en el mundo de la música - pero soy de los que piensan que antes de mirar afuera, hay que conocer bien lo que hay dentro, que es mucho, bueno y en muchos casos con poco reconocimiento) os dejo este tema, fue publicado en el disco Déjalo Así, de 1981 y que está cumpliendo los 30 años:

Nunca jamás estuvimos tan cerca

se perdió la mejor oportunidad

tal vez nunca se vuelva a presentar

luego después cada cual se esfumó

se oyó a voz de los de siempre

y acabó el sueño de una generación

Lo que nos dejo la V edición

2011-05-04T15:06:00.014+02:00

Esta edición del festival deja bastantes aspectos positivos y negativos en su haber. Pero como todos los años, queremos ser positivos y pensar que son más los buenos, los que realmente priman y por lo que vale la pena la ejecución del festival.

Después de un gran número de problemas que se fueron salvando sobre la marcha, antes de la ejecución del festival y que llevó a estar a punto de suspender el mismo, sobre todo cuando se vio que la previsión meteorológica era bastante adversa (cosa que no ocurrió)... no sabíamos que el problema más grave estaba por llegar y que se empezaría a fraguar unas horas antes del festival. Lógicamente la organización tuvimos nuestra buena parte de responsabilidad, pero también es cierto que hubo más partes implicadas en este problema y que se consumó con la decisión de Xícara de no tocar, fundamentalmente por causas técnicas. Afortunadamente, con bastante retraso se pudo comenzar el festival y empezó realmente la música y los músicos a ser protagonistas del evento y la poca gente que quedo comenzaron a disfrutar... y algunos consiguieron estirar hasta cerca de las siete si no más, la fiesta en la que se convierte el festival una vez que se lleva a cabo. Los principales causantes de esta fiesta Tinakx y la gente que vino con ellos y la gente de Muyayos de Raíz que durante su actuación se ganaron al público.

La gente de Tinakx y sus compañeros de las sesiones juegan ya con ventaja y somos muchos los que les tenemos gran cariño, además son parte del festival ya que son ellos los que alargan siempre el festival hasta que amanece y los que consiguen involucrar a la gente de otros grupos a participar de esas sesiones que se marcan dónde sea necesario y hacer disfrutar y bailar hasta limites insospechados a cualquiera que se acerque. Aparte su sonido es capaz de trasladarte a cualquier parte de la cultura celta al que quieran asomarse, su corazón se mueve a sones celtas y eso se deja sentir en la manera de tocar que tienen, el entendimiento que hay entre ellos, etc. Desgraciadamente debido a diversos problemas no pude disfrutar de Tinakx sobre el escenario, aunque lo poco que les pude ver, me sorprendieron y me agradaron bastante, aunque de nuevo jugamos con ventaja porque sabíamos de lo que pueden ser capaces de hacer. Optaron por aportar a su actuación bastante variedad de ritmos, con un sonido muy bien cuidado... espero poder verlos como duo en algún otro festival que se anime a contar con ellos, pues es una apuesta segura y de esta región extremeña.

De Muyayos comentar que es un grupo de directo y que son unos fieras, ellos son los primeros que quieren disfrutar sobre el escenario y eso desde el primer momento se traslada al público. Escuchar alguna grabación o ver algún vídeo de ellos no llega a mostrar realmente lo que durante su set pueden llegar a hacer. Atesoran una grandísima calidad y lo que ya contábamos en la anterior entrada, un gran desparpajo dentro y fuera del escenario. Sorprendieron mucho a la gente que disfrutó de un fin de fiesta con ellos, que como algunos nos han comentado tardarán en olvidar.

De nuevo agradecer a Luis, J. Antonio, Pedro, Antonio, Ximo, Mario, Josu e Iván; así como a Honorio y su gente, a Kai por el tremendo sonido que lograron... al gran Antonio de Radio Crónica Folk y su gran presentación del Festival y a la gente de Mundofonías por soportarnos y su apoyo, aunque no pudieron ver a Xícara desgraciadamente, esperamos que se lo pasaran igual de bien que los demás, y como no a todos aquellos que están cerca de mi ayudándome y comprometidos con hacer las cosas lo mejor que podemos y sabemos. Aún así es posible que se haya asistido a la última edición de este festival... tan solo un compromiso serio de las distintas administraciones podría hacer que se pudiera seguir realizando... y muy posiblemente sin el grupo de trabajo que hemos realizado el festival hasta ahora.

V Festival de La Luna de Mayo

2011-04-15T14:37:00.002+02:00

La edición de este año es la quinta, es decir, un lustro realizando este festival. Realmente cuando empezamos a realizarlo, parecía una utopía llevar a cabo un festival de este tipo en Torre de Don Miguel (Cáceres). Los motivos, tales como que este género de música era prácticamente ignorado (se aprecia más la cultura urbana, que la tradicional, ¡paradojas de la vida!); llevarlo a cabo en una comarca como es la Sierra de Gata, tampoco es nada fácil: algo desconocida, de claro carácter rural y con poca población, la falta de instituciones, agencias y a fin de cuentas, organismos que puedan contribuir a sufragar dicha actividad (no podemos olvidar que por ejemplo ADISGATA, agencia de desarrollo local, nunca nos ha apoyado) y respecto a las instituciones regionales o provinciales aunque afortunadamente apoyan (con limitaciones), no podemos olvidar que es evidente la apuesta por lugares con mayor reconocimiento o mayor población, dónde cualquier actividad puede tener más repercusión... podría seguir citando más motivos, pero creo que con estos son suficientes para hacerse una idea. Lo cierto es que pese a todas las inconveniencias, el festival se llegó a poner en marcha y este año cumple 5 años... y aunque corren malos tiempos y no dejo de tener la sensación de que posiblemente estamos en los últimos suspiros de dicho Festival... lo cierto es que el día 1 de Mayo se llevará a cabo la V edición.

En esta V edición el festival sigue siendo fiel a sus principios:

Tres grupos (en esta ocasión Tinakx, Xícara y Muyayos de Raíz) de gran calidad, comprometidos con el festival y colaboradores fundamentales en el éxito de la edición correspondiente.
Un representante de nuestra región, en este caso Tinakx.
Grupos que en la mayoría de los casos afrontan el repertorio tradicional o sus propias composiciones dentro de una corriente renovadora, ya sea por la instrumentación, por la fusión con otros estilos, etc, etc.
Festival celebrado al aire libre, siendo el mes de mayo otra de las condicionantes del festival.
Y esperamos que en este año se sigan dando las condiciones que han llevado a crear un gran clima entre grupos, público y organización que ha llevado en varios años a prolongar el festival hasta altas horas de la madrugada, gracias a las sesiones o jam que han seguido haciendo los músicos una vez acabado el festival.

La formación encargada de abrir el festival es Tinakx, nueva formación Cacereña constituida por el guitarrista Luis Bravo, que forma parte también del grupo Scath y por Jose Antonio Cerro en la actualidad violinista de Aulaga Folk. Afrontan la música tradicional desde la estética de la sencillez y la intimidad, sin renunciar a la complejidad armónica. Su repertorio recoge los sonidos de Irlanda, Escocia, Galicia, etc. desde los ritmos más rápidos y bailables como las Jigas o Reels a los más melancólicos y evocadores. Aprovechamos para ilustrar su propuesta un vídeo de nuestro festival, la formación Scath dónde podemos ver y escuchar a Luis Bravo.

Con Muyayos de Raíz ya contactamos para la edición anterior, sin embargo, por fechas no pudieron venir, afortunadamente este año si podemos contar con ellos. Este cuarteto afronta su propuesta musical con instrumentos acústicos fundamentalmente de cuerda (principalmente: guitarra, contrabajo y violín) aunque añadiendo más color a su timbre con vientos (oboe, flautas, etc.); trabajan la música folk y tradicional de casi todos los puntos del continente, eso sí con sus arreglos y su punto de vista que da a su música una corriente muy ingeniosa y alegre, además llevada a cabo por músicos de gran calidad. Se fundaron en Utrecht: una muestra de su cosmopolitismo; atesoran importantes premios y reconocimientos en el mundo de la música, tienen la gran cualidad de contactar con el público debido a su manera desinhibida y espontánea de plantarse encima del escenario.

Xícara proceden de Portugal, en concreto sino me equivoco de Guimaraes. Desde mi punto de vista es un proyecto con un sonido sorprendente. Consiguen conjugar desde el respeto a la música tradicional ideas tan importantes como su origen: subyace la música y cultura portuguesa en sus composiciones, por su instrumentación, por la manera de abordarlas, el uso de su idioma y como ellos reconocen el homenaje a la poesía de su país. Combinan también vanguardia, son una formación del Siglo XXI y en su sonido está latente, otra de las características de su sonido viene dada por la juventud de la formación y la gran calidad de sus músicos, como se puede apreciar en los diferentes temas que se pueden encontrar en la red.

Por último, como siempre agradece a toda esa gente que hace posible el Festival, este año sobre todo el ayuntamiento que se ha volcado completamente con el festival (¡Ay las elecciones!), aunque durante los cuatro años anteriores, siempre hemos encontrado su apoyo. A la gente del Albergue y a Gerovida que este año toman más responsabilidades y han ayudado a solucionar algún problema de logística que este año teníamos. A Honorio de Sonijalama, y Amaia que aunque no está... está!!!.

Melodias Racionales

2011-03-09T17:15:00.008+01:00

Cuando empecé a escribir esta entrada, más de un mes, no me di cuenta que en el trasfondo de la misma radica una cuestión y un debate no cerrado a cerca de la música contemporánea, entendiendo que bajo este género, con nombre tan ambiguo (contemporáneo... ¿respecto a qué?), se sitúa la cuestión que ha podido llevar a que estos compositores se hayan alejado del público general y tan solo una minoría sea la que realmente tiene cierto interés por esta corriente (independientemente de aquellos que por darse de más intelectuales, se acercan a la misma). Esta gran cuestión, es la que se refiere al papel del compositor. Los compositores de vanguardia (contemporáneos, entendiéndolos desde que Schönberg decide alejarse de la tonalidad) optan decididamente por el camino de la investigación, y se llegan a convertir en auténticos alquimistas del sonido, trabajando los timbres, el silencio, el minucioso estudio de la distancia acústica entre las notas, etc. La tecnología con la que contamos, facilita y amplía hasta dimensiones anteriormente insospechadas las posibilidades de experimentación, que son cada vez mayores... pero a su vez, este proceso los aleja de los gustos del público, pues en muchos casos la búsqueda en la que se encuentran, dista bastante de la capacidad de suscitar en los oyentes emociones o sensaciones a las que estamos acostumbrados a encontrarnos en la música. Un ejemplo claro, puede ser el caso de Melodías racionales.

La gran mayoría de los compositores, construyen sus obras conjugando los conocimientos musicales junto a la influencia de la inspiración, los sentimientos y sensaciones que la propia obra transmite; sin embargo, melodías racionales, se basa en la racionalidad, en la lógica, en la aplicación mecánica de una serie de estructuras conforme a unos principios. Su autor Tom Johnson, conjuga en esta obra experimentación (en su concepción), musicalidad, cierta sencillez y especificidad (cada melodía es distinta y autónoma). Según cuenta, cuando compuso esta obra en 1982, "realmente pensé que era simplemente escribir melodías"... en concreto 21, pequeñas piezas que oscilan entre uno y tres minutos, todas diferentes y que pueden ser tocadas por cualquier instrumento, siendo una obra que esta destinada para solistas (aunque también pueden ser interpretadas por ensambles, como es el caso del disco cuya portada ilustra esta entrada) y no es necesaria tocar todas...

Esta obra, como otras del mismo autor, se fundamenta en la atracción de las teorías de matemáticos como Euclides, Pascal o Fermat y la conexión con las notas musicales, y la posibilidad de que éstas pudieran llevar a la creación de obras de música pura. La obra invita en su escucha al analisis (a veces más sencillo, otras no tanto) de las estructuras lógicas sobre las que se asientan. Este enlace de un seminario en el que participó Tom Johnson, revela por el mismo autor, algunas de las claves de sus composiciones. La idea fundamental que desde mi punto de vista prevalece en la obra y que Tom Johnson buscaba en ella, era observar los resultados que determinadas teorías matemáticas, podían provocar en la composición de melodías. No es componer a través de las matemáticas... (¿o tal vez si...!?), ni perderse en la relación intrínseca de las matemáticas y la música, sino adaptar determinadas fórmulas matemáticas al lenguaje musical y escuchar sus resultados.

Adios Moorente

2011-02-07T18:20:00.008+01:00

Si Enrique Morente nos abandonó un poco antes de acabar el año 2010, ahora... prácticamente recién empezado el 2011, es Gary Moore el que nos deja. Dos tristes noticias en el panorama musical y dos figuras que mantienen algunos nexos de unión y elementos de comparación.

Es este, sin lugar a duda, un tributo a estos dos grandes artistas y músicos, que a última hora me han hecho cambiar de idea y dejar para más adelante la entrada que tenía preparada para este mes (y que probablemente publique antes de que finalice el mismo).

Entre los elementos que les unen, posiblemente la denominación de origen de su procedencia: Enrique Morente de Granada, del barrio del Albaicín. Gary Moore, de Belfast, en Irlanda del Norte; y si uno nos dejaba en Madrid, el otro lo ha hecho en Estepona, a fin de cuentas no excesivamente lejos de Granada. Lo inesperado de sus muertes, es otra triste similitud. Y si uno nos dejo con 68 años y en un gran momento de su carrera (Morente), Gary Moore lo hace con 10 años menos y tal vez no en su mejor momento.

... Posiblemente si no hubiera coincidido en el tiempo con Camarón, la trascendencia de Morente y el reconocimiento hubiese sido mayor, pero es posible, sobre todo para los que no somos expertos en el género, que la sombra de Camarón oscurece a muchos notables artistas contemporáneos a él. En el caso de Gary Moore, esa sombra pudo ser la repercusión que tenían más los grupos como Iron Maiden o Def Leppard, y guitarristas de la talla de Van Halen, a fin de cuentas no terminó nunca de conseguir el reconocimiento y popularidad en EEUU... Aún así en los dos casos, consiguieron desarrollar un sonido característico, una seña de identidad en la voz o en la guitarra: ese santo grial que cualquier músico que se precie busca incesantemente.

Otra de las similitudes que guardan sus carreras han sido sus relaciones con la crítica: a Morente los puristas siempre le han criticado cuando se ha salido del camino más ortodoxo, sin ir más lejos su disco "Omega" grabado junto a Lagartija Nick, fue bastante denostado por parte de la crítica. En el caso de Gary Moore su alejamiento paulatino del género que le dio la fama (las tendencias más duras del rock) y su aproximación a la música que de siempre le influyó, el blues (sobre todo el británico, de músicos como Peter Green o Jeff Beck), le llevó a estar en una tierra de nadie, los críticos de blues no terminaban de reconocer su obra, por su sonido demasiado rockero, el abuso de la escala menor (natural, eólica) y su constante incidencia en el blues más melódico, por otro lado en el rock no se le dejaba de ver como una especie de desertor...

Ambos han sufrido la pérdida de grandes compañeros, a causa de la droga: Enrique Morente a Camarón... Gary Moore a Phil Lynott. Gary Moore, no solo es la guitarra de sus canciones sino la voz, también caracteristica; Enrique Morente, siempre ha dado muchísima importancia a la guitarra en su trabajo, tan solo recordar que Manolo Sanlucar, el Tomate, Pepe y Juan Habichuela, entre otros grandes han sido acompañantes en su obra. Si echamos un vistazo a las colaboraciones que han llevado a cabo uno y otro daría para escribir bastantes páginas de la música, por reseñar algunas, digamos que del lado de Enrique Morente nos podemos encontrar a la Orquesta Andalusí de Tetuan, Las Voces Búlgaras, Los Planetas, Lagartija Nick, Sabicas, Vicente Amigo, Chano Dominguez (Imán) o Guadalquivir... por el lado de Gary Moore Jack Bruce y Ginger Baker (Cream),B.B. King, Albert Kings, Albert Collins, Greg Lake, Coloseum y Thin Lizzy...

II ¿Que hay en Colombia...? (Jazz)

2011-01-01T09:00:00.000+01:00

Para conocer más de cerca y profundizar en torno al jazz que se realiza en Colombia, opto por remitir a los siguientes enlaces: (JazzColombia), donde se pueden escuchar bastantes muestras de diversos grupos, calendario de actuaciones, novedades discográficas, etc. Si además a esta referencia, añadimos el programa de radio Jazz la hora (de la UN Radio - Universidad Nacional -) tendremos dos herramientas básicas para hacernos una idea bastante buena de lo que se realiza por estas latitudes.

Yo por mi parte dejaré constancia de aquellas referencias, que me han parecido más interesantes en las primeras escuchas. Por otro lado, en el tiempo que llevo aquí, he podido observar que algunos de los males que adolecemos en España, no son inherentes a nuestro país, y aquí también sucede: falta de difusión de este género, más espacios donde divulgarlo (salas, conciertos, programas especializados en diferentes medios de comunicación...), y lo más importante más "cultura jazzistica" (fundamentalmente basada en la educación musical de la gente), en líneas generales. Aún así, las referencias que tengo a nivel internacional (que se reducen a Portugal y Colombia) me hacen pensar que el panorama de nuestro país está en un gran momento, nombres como: Abe Rábade, Paco Charlin, Antonio Serrano, Israel Sandoval, Chema Saiz, Perico Sambeat, Chano Dominguez, Marc Miralta, Baldo Martínez, Jordi Rosi, etc, etc, etc... lo atestiguan con sus trabajos y en algunos casos, reconocimientos internacionales; sin ir más lejos, me ha resultado más dificil conseguir algún cd de jazz colombiano, que encontrar referencias nacionales (Baldo Martínez, Chano Dominguez, por ejemplo) en las tiendas de discos.

Bueno, pero empecemos con las propuestas que me parecen más sugerentes, que se dan en Colombia y que yo haya podido conocer:

Zoe --- Su sonido me trae a la mente a Ralph Towner y alguna de sus propuestas (y como no a Oregón). Zoe definen su propuesta como World Jazz acústico, dónde el sonido de la guitarra cobra gran importancia, en un principio la formación estaba constituida por el quinteto: Carlos Posada (guit.), Santiago Zuluaga (guit./perc.), Sergio Gómez (contrab.), Deborah Miranda (perc.) y Juan Manuel Vergara (perc.); en la actualidad son un sexteto y tanto Santiago Zuluaga como Sergio Gómez han dejado su sitio a: Kenji Ota (guit.), Aldo Jaimes (contrab.), Ignacio Ramos (flauta), Diego Rozo (saxo) fundamentalmente. Existe en Mexico otro grupo de igual nombre pero de propuesta musical completamente diferentes, no confundir.

Tico Arnedo --- Fundamentalmente flautista y saxofonista, su sonido es una mezcla de cool y latino, cálido y muy melódico, formó parte de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Colombia, y ha colaborado en varias ocasiones con la Orquesta Sinfónica de Colombia. Ejerce como profesor de flauta travesera y saxo tenor, en el 2001 viajó a Barcelona a recibir un homenaje como compositor e instrumentista y es posible que en ese momento contactara con algunos de los músico que más tarde colaborarían en la grabación de su disco Impulso puro (2005): Johannes Bockholt (batería), Javier Colina (contrab.) y Cristobal Montesdeoca (piano).

Ricardo Gallo --- Este pianista Bogotano, es para mi el músico mas deslumbrante de los que he escuchado, además de polifacetico: se le puede encontrar en trabajos que relacionan el folclore colombiano y la libre improvisación, tiene varios proyectos: su Cuarteto con músicos colombianos; el grupo Tierra de nadie, con músicos de la escena Neoyorkina; el proyecto Gallo/Florez, con Alejandro Florez que además de la guitarra acústica, contribuye con el tiple y la bandola; y por último cabe señalar su proyecto Taoum, con algunos de los componentes de Tierra de nadie (Dan Blake en los saxos y Satoshi Takeishi en percusiones).

Sebastián Cruz --- Este guitarrista formó parte de diferentes proyectos en Bogotá (Zut y Los del centro) antes de partir a Nueva York donde su sonido evolucionó en una dirección más jazzistica y acústica; es allí dónde también toma contacto con la Cumbiamba eNeYe y constituye su proyecto denominado Coba; en la actualidad trabaja con su grupo The Cheap Landscape trabajando sonoridades que a veces van desde el sonido más impresionista de Bill Frisell a sonoridades que evocan el folclore de su país. Cabe resaltar su graduación con summa cum laude en la universidad de Nueva York o el premio ASCAP (American Society Composer) obtenido en el 2002.

Otros interpretes y grupos colombianos de la escena jazzistica son Puerto Candelaria (a los que ya citamos en la anterior entrada, y deja constancia de su versatilidad), Pacho Dávila, Juan Manuel Toro, Jorge Sepúlveda, ALO (Asociación Libre Orquesta), Jaime Andres Castillo...

¿Que hay en Colombia...?

2010-12-05T21:27:00.002+01:00

Aprovechando una estancia en Colombia (en concreto en Bogotá) uno no puede por más que enterarse un poco de que movimientos musicales existen y que corrientes hay más interesantes que lo que nos exportan, de línea claramente comercial: Juanes, Shakira, Artistas de Vallenato, etc. Lo cierto es que lo más fácil de encontrar en emisoras de radio y TV, son los artistas de corte melódico, o los grupos y artistas que trabajan el Vallenato desde una perspectiva bailable y comercial (algo parecido a lo que pasa en España con el "pseudo-flamenco"), Salsa (música caribeña), algo de ¿Regeton?, etc.

Afortunadamente suceden cosas más interesantes, incluso para una persona, como es mi caso que tenía (y tengo) un gran desconocimiento sobre la música procedente de este país. Lo primero que va descubriendo uno es que la salsa y el vallenato son los géneros más difundidos en toda Colombia, sin embargo, musicalmente se pueden distinguir cuatro zonas, que están directamente unidas al espacio geográfico del cual proceden: La Costa del Atlántico (Cumbia, Porro, Mapalé...) la música más caribeña. La Costa del Pacifico (Currulao, Bambazú, ...) la percusión es uno de sus elementos más característicos. La Zona Andina (bambuco, pasillo, guabina, ...) bastante diferente de la que normalmente le viene a uno a la cabeza procedente de Perú o Bolivia. Los Llanos o llanera (Joropo, Guacharaca, ...) normalmente se interpreta con arpa, cuatro y maracas.

Por empezar por algún sitio, aconsejar una de las emisoras de radio que me parecen más interesantes: Universidad Nacional Radio no solo por el trato de la información tanto nacional (Colombia), como internacional... así como la oferta musical (además tengo la ventaja de que con el desastre de horario que llevo, puedo escuchar bastantes buenos programas en su hora, o en redifusión).

Sobre grupos empezaré por una de las propuestas que está obteniendo más reconocimiento: Chocquitown, proceden del Chocó, en el norte de Colombia y uno de los departamentos más pobres, aunque con bastantes recursos. Su nombre debe de proceder de su departamento: Chocó, su capital Quibdó y la revindicación del sonido urbano: Town. Es un grupo de fusión en el cual tienen cabida distintos géneros de corte urbano como el hip-hop, beat, algo de funk y algo de electrónica, entre otros, que mezclan con aires de su zona como son el bambazú, el currulao, etc. Tienen dos discos en el mercado (Somos Pacifico con dos ediciones y Oro) y un Ep (El Bombo). Con su segundo disco: Oro consiguieron en este 2010 el grammy latino a la mejor canción alternativa (en el 2009 ya consiguieron el correspondiente a mejor nuevo artista). En la actualidad están nominados en los grammy anglos como mejor album latino rock, alternativo o urbano.

Bareke es una agrupación de folklore de Bogotá, que trabajan sobre los ritmos y melodías Afro-Colombianas. Muy polifacéticos, que no dudan en combinar su trabajo musical, con otras artes como el teatro, la danza y difundir de esta forma la identidad cultural de su país a través de talleres, encuentros, clases magistrales o foros. Se caracterizan por su sonido con una percusión muy poderosa y el sonido del viento (clarinete) que otorga al grupo una seña de identidad propia y particular.

La Cumbiamba eNeYe es un grupo afincado en Nueva York y que en sus comienzos centraban su trabajo fundamentalmente en la cumbia (es bastante probable que esta combinación: la cumbia y N.Y. sean los elementos que definen el nombre de la formación). Poco a poco han ido evolucionando a sonidos que beben directamente de las fuentes más tradicionales de su tierra, y añadiendo además diferentes influencias procedentes de la gran manzana, y son las plazas y parques de ésta, el lugar donde empezaron a propagar su propuesta. Cuentan con dos discos: Marioneta del 2006 y La Palma de este 2010; en este último disco cuentan con bastantes colaboraciones, entre las cuales cabe destacar la del gran guitarrista Marc Ribot, que en varias ocasiones colabora y trabaja con esta agrupación.

La Mojarra Eléctrica La Mojarra surge en el 2001, en Bogotá, bajo la dirección de Jacobo Vélez y consigue un mixtura en todos sus aspectos: la procedencia geográfica de sus componentes (costa pacifica, atlántica e interior), de los géneros musicales (componentes procedentes del jazz, de la música tradicional o del rock, generalizando) y como no, su música que muestra toda esta variedad. Trabajan la música tradicional de su país desde la perspectiva más moderna y dejando sentir todas las influencias de los miembros del grupo y lo mismo sucede con los instrumentos tanto autóctonos (guasas, tambora, maracón, etc) como los más tradicionales en la música actual (guitarra eléctrica, batería, saxo, etc). Cuentan con tres discos: Poder para las personas, Calle 19 y Raza.

Otros Grupos Colombianos:

Puerto Candelaria (uno de los referentes de las nuevas generaciones de músicos colombianos).
Toto La Momposina (la artista más reconocia tanto internacional como nacional, y son los muchos los grupos que la tienen entre sus influencias).
Banda La República (otra de las interesantes agrupaciones que se definen como música de experimentación sonora).
El Siete (Una formación de rock alternativo).
Bomba Estereo (Combinación de electrónica, hip-hop, reggae... y que hace poco pasaron por España).
Toño Barrio (Grupo de música Latina y Salsa con buena fusión de otros estilos y mucho groove).
The Latin Brother (Formación con bastante reconocimiento e histórica de la salsa colombian).

Música Libre

2010-11-04T11:19:00.019+01:00

Que la industria del disco está en crisis, es una realidad conocida por todos. Los motivos... también!!!: precios abusivos, los nuevos formatos para almacenar y reproducirla, la posibilidad de intercambios de archivos de audio, la devaluación de la música debido a la promoción de música comercial y repetitiva a lo largo del tiempo (distintos intérpretes que se ajustan a la moda de la época para repetir los mismos patrones musicales que ya hicieron otros que a su vez repetían la misma formula, etc, etc,). Por otro lado, determinados colectivos o sociedades relacionados con la industria musical (sobre todo el caso de la SGAE) que no favorecen en nada un encuentro entre sociedad, aficionados... público en general y artistas, creadores... músicos en sí.

Todo esto parece conducir a una situación en la que algunos músicos se encuentran desamparados y desorientados a la hora difundir su obra y a la vez mantener su trabajo como profesión y medio de vida; por otra parte, el público no valora correctamente la creación y este arte, desvalorizando la música en sí... siempre generalizando. Pero afortunadamente, al igual que podemos afirmar que esta situación ha sido generada por las nuevas tecnologías, en ellas mismas se pueden encontrar las soluciones que posiblemente sean el embrión para un futuro diferente en la forma de contactar entre músicos y amantes de la música, es este motivo el que me lleva a hablar de estas alternativas:

Creative Commons (bienes comunes creativos), es una organización sin animo de lucro, que tiene como principal objetivo, promover licencias que tienden a sustituir el copyright y abordar la propiedad intelectual de tal manera que no favorezca a la industria y otorgue al autor la administración de su obra, y sea él quién ponga límites a la misma. Su concepto se basa en la filosofía del software libre, Creative Commons (CC) ofrece un modelo legal y una serie de aplicaciones informáticas que facilitan la distribución y el uso de los contenidos dentro del dominio público. Existen una serie de licencias CC con diferentes características como: derecho original del autor a dar libertad para citar su obra, reproducirla, crear obras derivadas, ofrecerla públicamente o con restricciones (como pueden ser citar la procedencia o no permitir el uso comercial). Os dejo el siguiente vídeo, y un ejemplo de un banco de imágenes y sonidos con licencia CC: ITE.

Reverbnation: Es uno de esos espacios ideales que permite interactuar tanto a los músicos, management, discográficas, aficionados, etc. Ayuda a difundir la obra de músicos de diferentes géneros, así como de distintos países; facilita descargas de dichos artistas, la difusión de su obra de forma directa o mediante la radio propia que facilita el conocimiento de los mismos, pone en contacto a los diferentes colectivos citados más arriba. Como aficionado, tan solo con registrarnos nos permite configurar nuestra radio, buscar conciertos de los artistas o de nuestro área geográfica, apoyar a músicos con la compra de canciones o con votos que ayudan a tener una idea del seguimiento o del grado de aceptación de la gente sobre los artistas. En el caso de los músicos, les permite subir canciones, vídeos, fotos, y todo tipo de información, así como vender su obra. Algunos ejemplos de lo que podemos descubrir: Mandrágora, Jazzy Jan Loe o Jose Luis Pardo.

Jamendo: Plataforma de características similares a Reverbnation, se reconoce así misma como el mayor catalogo de música bajo licencia Creative Commons. A los artistas les permite como anteriormente, publicar, promover y compartir a la vez que pueden ser remunerados por la publicidad en su espacio y através de distintos programas comerciales. Como usuario registrado puedes crear un espacio personal y administrar listas de reproducción, albumes, invitar a amigos y compartir música, así como dar tu opinión. Estas son algunas de las características. Ejemplos de artistas en Jamendo: ¡MUH?, Nicolás Muma o Special Quartet.

Y por último, un portal para músicos y aficionados ABC Músicos en el cual se pueden leer desde noticias a participar en foros, anunciarse en tablón de anuncios o acceder a tutoriales, cursos, software o enlaces a otras páginas y recursos de música en la red. Además de estos ejemplos y recursos, existen bastantes más, algunos de ellos bastante populares como MySpace o YouTube, distintas revistas como Variaciones, portales como guitarristas.info, etc, etc.

Haul

2010-10-03T16:30:00.002+02:00

El Haul (o Azawan) es para muchos considerado el blues del desierto, lógicamente esta definición la empleamos aquellos que hemos "configurado" nuestro oído dentro de los parámetros en los que se desenvuelve la música occidental (entendiendo ésta como la que se crea y se desarrolla en el occidente de Europa y posteriormente en Norte América).

Con esta simple definición: Blues del desierto, nos podemos hacer una clara idea de este género; en la primera parte de esta definición nos queda claro que es una música en la que se desgrana una serie de sentimientos como son la melancolía, tristeza, añoranza, frustración,... principalmente (aunque también hay espacio para sentimientos más optimistas), en la segunda parte se nos indica su lugar de procedencia: el desierto, más concretamente el del Sahara y aún más localizado en las zonas del desierto en las que se encuentra Mauritania, Mali, sur de Argelia y como no, el Sahara Occidental, ese espacio geográfico del cual gran parte usurpó y ocupa por la fuerza Marruecos. Es además la población de la RASD uno de los colectivos más importantes en el desarrollo de este género, así como en su difusión.

La complejidad de esta forma musical es mayor de lo que a simple vista puede parecer, en ella convergen diferentes muestras culturales como son la Bereber e Islámica del Norte de África, por otro lado la raigambre cultural más negra de parte del África Subsahariana; y como no, la concerniente a las cabilas y tribus de Tuareg y Saharauis nómadas que habitaron y algunas todavía habitan en el desierto, es posible que ellos sean los auténticos causantes de esta fusión. A todo ello habría que sumarle la propia evolución que actualmente está experimentando, procedente de las tendencias musicales más occidentales, la asimilación y adaptación de nuevos instrumentos y medios. Y tal vez uno de los elementos que más carácter ha podido dar a este genero que es el propio entorno social donde se desarrolla en la actualidad; un entorno social caracterizado por los conflictos territoriales y políticos, la sedentarización motivada por las últimas grandes sequías y por la presión y empuje de un estilo de vida bastante diferente con puntos de referencia diametralmente opuestos (cambiar de un mundo donde la tierra y sus leyes desaparecen para dar paso a otro, construido por el hombre y sus normas). Estos cambios han conllevado en la mayoría de los casos unas condiciones de vida desfavorables a un colectivo importante de la población que lo manifiesta a través de la música y convierte a ésta como uno de los componentes fundamentales para poder difundir sus revindicaciones y rasgos de su cultura, en muchas ocasiones, mal entendida en occidente.

El aparente carácter sencillo de esta música viene dado por su austeridad instrumental, la importancia de la escala pentatónica (de cinco sonidos), sus ritmos monótonos y repetitivos, su estructura "AB" (o de llamada y respuesta). Sin embargo, es un género perfectamente estructurado, dividido en distintas partes: gamas, (asimilable al modo en la música occidental, la relación de intervalos dentro de la escala) que a su vez se subdividen en mayores y menores. Con un conjunto de ritmos, muchos de ellos de amalgama, que nacen de la observación de la propia naturaleza y de la vida cotidiana: Agarrán, Bleida, Serbat, etc. Los instrumentos se afinan de forma diferente dependiendo de la gama... Como podemos ir observando es mucho más complejo de lo que puede parecer y que me hace tirar la toalla a la hora de descifrar la claves de este género, debido a mi ignorancia. Es más, no solo el Haul se fundamenta en la música, sino que tanto el baile como la lírica (poesía) son partes indisolubles del mismo.

Sobre los instrumentos: El Tidinit, es un laúd de herencia centroafricana, posee cuatro cuerdas (dos de ellas suenan por simpatía, las otras dos por pulsación) tocado solo por hombres. La guitarra eléctrica es el instrumento que ha desplazado al Tidinit, y a su vez representa la ruptura con el pasado tradicional y por tanto, la apertura a la modernidad y de la continuación de las tradición en los nuevos tiempos. El Tabal, es una especie de timbal de madera con parche de piel de cabra, y es tocado por las mujeres. Y por último el Ardin, que es una especie de Kora, que fundamentalmente se toca en Mauritania, también solo por las mujeres. En la actualidad, al igual que ha irrumpido la guitarra, la batería y en ocasiones los teclados se han ido haciendo en algunas formaciones un espacio.

A parte de la música aquí recogida, más muestras de Haul son, de Mauritania: Dimmi Mint Abba, Ensemble El-Moukhadrami, Hammadi Ould Nana... De la RASD: Mariem Hassan, Nayim Alal, Moudu Ould Mattalla... y por último de Mali (pueblo Tuareg): Tartit, Etran Finatawa, Baly Othmani...

Para acabar, una leyenda extraída del libro "En el desierto no hay atascos" de Moussa Ag Assarid.

El sahara siempre ha sido un importante lugar de paso. Esta historia nació en una época e la que todos los pueblos eran nómadas en busca de tierra de asilo. Al atravesar el desierto, se presentaban ante él y decían:

- Queremos vivir en el Sahara.

- Soy muy caliente.

- No importa.

- Soy frío, muy frío.

- Tampoco importa.

- No tengo suficiente agua.

Entonces, los pueblos se retiraban en silencio. Llegaban otros pueblos, y siempre tenía lugar idéntico diálogo. Cuando el desierto evocaba el viento, el silencio o la luz, los pueblos huían.

Un día, llegó un pueblo y dirigieron sus preguntas al desierto. Este les recordó todos los temores que presenta esta tierra tan hostil para la vida humana.

- Aquí hay demasiada luz.

- Tenemos nuestros turbantes.

- Hace frío.

- Tenemos nuestras gandouras.

- Casi no llueve.

- Contamos con los pozos y los odres.

- Soy un enorme silencio.

- Nos queda sitio en el corazón.

- ¿Que esperáis de mí?.

- Queremos paz.

- La tendréis.

- Y libertad.

- La tendréis.

- Y fuerza contra nuestros enemigos.

- La tendréis.

Y así se selló un pacto que aún perdura.

Con mucho cariño para Mohamed Salem Jalihena.

Chitlins con carne

2010-09-08T12:18:00.013+02:00

Chitlins con carne, es uno de los temas magistrales que incluyó Kenny Burrell en su disco Midnight Blue, producido por Alfred Lion y grabado por Rudy Van Gelder para el sello Blue Note. Dentro de la gran calidad de este disco con temas tan impresionantes como Soul Lament, Midnight Blue o Gee Baby Ain´t I Good To You... por citar algunos ejemplos significativos, Chitlins con carne es el tema encargado de abrir la cara A del disco original (hoy en día el primer tema que nos encontramos en el cd) y por tanto presentar esta grabación que se realizó el 7 de enero del 63, tal y como suena, en un día y como el que no quiere la cosa dejaron grabado uno de los discos más significativos de Kenny Burrell y que para muchos guitarristas es un referente, tanto por sus composiciones, como por sus solos. En la grabación intervinieron además del propio Kenny Burrell a la guitarra, Stanley Turrentine al saxo tenor, Major Holley Jr al contrabajo, Bill English en la batería y Ray Barreto en las congas.

"Es el primer titulo de la grabación, y es algo más que una insinuación de lo que viene. Ray Barreto es un maestro de la conga y le da un aire latino al tema, también da una insinuación bossa nova, pero básicamente es un blues. Y Stanley Turrentine lanza unos maravillosos lamentos y nos demuestra todo su saber. Es un llanto definitivo" (Leonard Feather). Estas líneas son las que figuran en los créditos del disco. Realmente define perfectamente el aire del tema y su estructura, y Kenny Burrell está inmenso tanto en los solos de los diferentes coros como en el acompañamiento que suena en muchos casos de una manera subliminal. Como en algún lugar he llegado a leer, Kenny Burrell se contiene... cierto no hay nada de más, pero tampoco falta nada. Y por otro lado no hace ningún tipo de alarde extraordinario, sencillamente se expresa de una manera directa y sencilla que junto con su gran capacidad técnica crea un tema, con unas improvisaciones impresionantes.

Años más tarde (The Sky is Crying, 1979) no dudaría en versionear este tema el gran genio del blues Steve Ray Vaughan, el cual a modo de tributo interpreta el solo del primer coro de Kenny Burrell antes de arrancarse. Otra de las versiones memorables y que sitúan a este tema más cercano al blues clásico (que a un sonido más jazzy) es la versión de Junior Wells en su disco Hoodoo Man Blues de 1965.

Chitlins con carne, es un blues que se inicia con un riff del contrabajo en Do menor que es la tonalidad escogida por Kenny Burrell, con cierto carácter menor y dónde los acordes fundamentales son Cm7 como I grado, F7(9) como IV grado, y Gm7 como V grado. La frase que constituye la melodía del tema está construida sobre la escala pentatónica de Cm (Do menor). Son estos los elementos fundamentales con los que Kenny Burrell y compañía consiguen dar origen a uno de los grandes temas tanto del Blues como del Jazz.

Entrevista con Antonio Martínez (RCFM)

2010-07-23T21:39:00.014+02:00

Os traslado una entrevista que considero bastante interesante, con Antonio Martínez realizador y presentador de Radio Crónica Folk Musical, al cual aprovechamos para mandarle un fuerte saludo y agradecerle una vez más su labor en la difusión del Festival de la Luna de Mayo.

1. ¿Cuándo y cual fue tu primer acercamiento a la música folk (en líneas generales) y como te enganchaste a este género?

- Me enganché a este mundillo folk, a inicios de los años 90 escuchando programas de Radio, tales como Diálogos 3 y Tercer Milenio con Ramón Trecet, junto al Trébede de Iñaki Peña en Radio 3. Además por aquella época yo vivía en la ciudad de Cáceres y fue en aquellos tiempos que comenzó a celebrarse el Womad allí, y venían grupos Folk y de World Music de todo el planeta. Uno de los primeros conciertos de Folk que vi en directo fue de los escoceses Shooglenifty. Me impresionaron bastante y a partir de ahí, a parte de los programas de Radio, comencé a interesarme más por este tipo de música, comenzando ahí mi "enfermedad" por estas músicas.

2. ¿Como suerge la idea de crear los programas que tienes: Tradición Sonora y Celtismos?. Explica brevemente cuales fueron los pasos para conseguir la situación actual.

- Llevaba mucho tiempo enamorado de estas músicas y tras comenzar hace un año a colaborar con un programa de Folk en Portugal, decidí crear mis propios espacios y difundirlos a través de Internet, prácticamente al mismo tiempo que con estas colaboraciones. Personalmente hacer Tradición Sonora y Celtismos, es un auténtico placer personal y si con ello puedo ayudar y echar una mano a los grupos de este estilo musical y al Folk en general, bienvenido sea.

3. El tratamiento que haces a la música de Portugal, es debido a la proximidad, por buscar un punto de diferencia con respecto a otros programas, sencillamente por su calidad,...???

- Un poco de todo. Mi amor por la música tradicional de todo Portugal viene de hace muchos años atrás. Todo esto se acrecentó aún más tras conocer a Jo âo Sá, presentador del programa Folklandia de Radio Vizela y donde entro a colaborar con ellos desde el Festival Intercéltico de Sendim el año pasado, ayudándoles a realizar el reportaje especial que hicieron de ese evento. Desde mi punto de vista particular, creo que el Folk portugués es el gran desconocido en España y puedo afirmar que hay muchos y muy buenos músicos en Portugal.

4. ¿Cual crees que es la situación actual de la música folk en la península y danos algunas claves sobre la portuguesa en particular, para ayudarnos a conocerla algo mejor?

- Sinceramente, en estos momentos veo un buen momento en el mundillo folk, en relación al número de grupos que tenemos, la calidad de éstos y que no paran de salir nuevos proyectos ilusionantes que ya son una realidad en nuestro país. Teniendo en cuenta la situación de crisis económica en la que nos encontramos actualmente, repercute y mucho en músicas "minoritarias", como es la música tradicional. Se nota a la hora de encontrar patrocinadores para festivales, apoyos para grabar discos por parte de nuevas bandas y todo este tipo de ayudas que son muy necesarias para seguir adelante tanto para eventos, como para el devenir de los grupos en general.

En el caso de Portugal, sucede exactamente lo mismo e incluso si me apuras la situación allí es aú

n más acuciante que aquí. Durante el transcurso de los últimos años se ha dejado notar todo esto de lo que hablamos, sobretodo a la hora de organizar festivales. Un ejemplo muy significativo podría ser el Festival Intercéltico de Oporto, siendo el más antiguo de nuestro país vecino dentro de esta temática musical y que sea uno de los primeros en desaparecer. Da mucho que pensar de la situación en la que se encuentra ahora mismo el apoyo por parte de instituciones públicas y privadas con el Folk en Portugal. Este es tan solo un ejemplo, te podría hablar de otros, pero creo que con este es más que suficiente para hacernos una idea.

5. Danos algunos nombres de bandas portuguesas a seguir...

y algunos grupos nacionales???

- Me pones en un compromiso con esta pregunta, soy una persona a la que le gusta escucharlo todo y tengo gustos muy variados de todo tipo de música. De Portugal te podría decir muchísimas bandas muy buenas y aconsejables para escuchar, pero para no dejarme ninguna, ni dar preferencias a nadie, por respeto a todos los grupos, no te voy a decir ninguna en particular. Lo que sí aconsejaría a todos los amantes del Folk en general, es que se interesasen e investigasen un poco más sobre la música de raíz de nuestro país vecino. Personalmente me he encontrado y me sigo encontrando muchas sorpresas gratas y descubrimientos de grupos con altísima calidad musical, tanto veteranos, como nuevas propuestas que saben muy bien de que va esto y cuales son sus objetivos principales.

Otro hecho que destacaría del Folk portugués, es que tienen muy definido lo que es Folk para escucharlo en si, y la música tradicional orientada para ser bailada. Sobre esto quería hacer mayor énfasis, por que hay una gran corriente en Portugal de festivales y actividades destinadas específicamente a aprender a bailar y disfrutar del Folk, no solo de Portugal, sino de toda Europa en general. Es algo que me llama especialmente la atención y que cada vez muestro más interés en ello, dándole divulgación a través de nuestros programas para que la gente que lo desconozca tenga información y enseñarles lo que yo voy aprendiendo a medida que lo voy conociendo.

En relación a los grupos nacionales, estamos en la misma situación. Tenemos la suerte aquí en la Península Ibérica de tener una enorme variedad y una gran riqueza cultural, siendo la música uno de los medios posibles para poderlo mostrar a todo el mundo. De norte a sur y de este a oeste, contamos con muchísimas formaciones muy interesantes. Desde cada región, nos muestran sus costumbres y tradiciones a través de la música de manera diferente y similar al mismo tiempo. En algunas ocasiones con más similitudes entre unas y otras, pero siempre con ese punto de estilo propio a la hora de mostrarnos sus raíces.

6. ¿Que discos nos aconsejarías escuchar (de todas las épocas) que consideres que por unos motivos u otros son esenciales?. ¿Y la banda que en estos instantes te tiene más enganchado?

- Esta es otra pregunta del millón. Desde que tengo "uso de razón folki", he escuchado cientos de discos y de muy diferentes zonas del mundo. Algunas pueden gustar más o menos, para gustos los colores. Tengo que confesar que me enamoré del Folk a través de los grupos de los denominados "territorios celtas", pero empezando por ahí, fui investigando y conociendo todo el FOLK con mayúsculas, como me gusta llamarlo en mi programa Tradición Sonora y me he ido enamorando de toda la Música Tradicional y Músicas del Mundo en general. Voy a mojarme un poco y te comento 3 discos que creo que son fundamentales para cualquier folki que se precie:

Nacionales:"El diablo Cojuelo" -- La Musgaña (Castilla-León)

"Canto de Gamusinos" -- Acetre (Extremadura)
"Deria" -- Mara Aranda & Solatge (Valencia)

Internacional: "Edén" -- Kroke (Polonia)

"Three Flew Over the Cuckoo´s Nest" -- Bela Fleck & Fleckstones (EEUU)

Cualquiera de los primeros de los Chieftains (Irlanda)

Tienen todo mi respeto y admiración los grupos veteranos por su larga trayectoria y labor en lo tradicional, así como los nuevos, por su iniciativa y su valentía a la hora de apostar por esta música tan bonita, tan importante y llena de contenido al mismo tiempo.

En los últimos tiempos estoy investigando más a fondo los grupos de Música Klezmer. Estoy descubriendo verdaderas maravillas y últimamente estoy bastante fascinado con este género musical. También adoro la música de infuencia Balcánica, Gitana y toda la música que se realiza en los Cárpatos.

7. ¿Cual es tu sensación de la situación del Folk Extremeño dentro del panorama nacional y cuales crees que pueden ser las circustancias o las acciones que se debieran emprender para fortalecerlo... si crees que es necesario?

- Veo un muy buen momento dentro del panorama Folk Extremeño y Nacional. Aquí en Extremadura, grupos con más de 30 años de vida, tipo Llares Folk, Manantial Folk o Acetre, son bajo mi punto de vista unos importantísimos pilares donde poderse apoyar nuevas formaciones. Citar proyectos tan importantes como Quejío Folk, Cerandeo Folk, Planeta Suroeste, Zarandango, Aulaga Folk, Anhinojo Folk, Mansaborá e incluso grupos del llamado Folk Fusión como los Niños de los Ojos Rojos, creo que dan una enorme vida y esperanza para que el Folk pueda vivir por muchos años en nuestra región.

Muchos de estos grupos ya han salido bastante de Extremadura e incluso a varios puntos de Europa y han llevado por bandera la tradición del pueblo extremeño, donde creo y afirmo rotundamente, que nuestro legado dentro del repertorio de música tradicional es muy rico y no tenemos nada que envidiarle a ninguna otra comunidad autónoma nacional. Recientemente la Federación Extremeña de Folklore celebró sus 25 años en un bonito acto celebrado en el Teatro Romano de Mérida y todo aquel que lo haya visto, creo que debería estar orgulloso/a de lo que tenemos.

Acciones para fortalecerlo, creo que muchas, pero lo fundamental es la difusión, divulgación y que se sigan realizando actividades en torno a todo esto. Creo que una Asociación donde se pudiera aunar esfuerzos de diferentes sectores (músicos, instituciones, medios de comunicación y aficionados en general), donde poder trabajar todos juntos, sería una buena forma de conservar y crear nuevas ideas de cara al futuro, por el bien del Folk Extremeño.

8. Con respecto a Radio Crónica, ¿que estás maquinando en la actualidad, después de la emisión continua y el chat, con que nos vas a sorprender?

- Con Radio Crónica Folk Musical (RCFM), quiero intentar crear un nexo de unión de todo el Folk que se realiza en la península y cuando digo esto, quiero dejar bien claro que es la música tradicional tanto española como portuguesa. Sin olvidarnos, por supuesto, de todo el Folk europeo y de las denominadas Músicas del Mundo (aunque no vea muy clara la diferenciación entre unas y otras...).

En este proyecto de Radio vamos creciendo poco a poco cada día. Nuestro objetivo es convertirnos en la primera radio On line 24 horas dedicadas a estas músicas y ser una emisora de internet donde se pueda escuchar todo tipo de Folk. Otra cosa que también tenemos marcado como objetivo, es que sea la Radio Folk de todos los que amamos esta música. Desde músicos a aficionados en general, pasando por organizaciones, asociaciones, organizadores de festivales, medios de comunicación y todos aquellos/as simpatizantes de la Música de Raíz.

Estamos aun en trámites de formalizar todo este proyecto y esperamos en próximas fechas ampliar programación con espacios relacionados con esta temática, pero de diferentes zonas de España, Portugal e incluso de algún país más Europeo. De hecho ya tenemos fichados 4 programas de difusión Folk que están dispuestos a formar parte de nuestra idea de Radio Folk On line 24 horas. De momento no adelanto más, ya que seguimos trabajando en esa dirección y consiguiendo a pasos agigantados en poder convertir en realidad este pequeño sueño que tengo con Radio Crónica Folk Musical.

9. (risas) Danos un par de motívos para escuchar Tradición Sonra y Celtismos???

Te podría dar más de 2 motívos por programa (risas). Creo que el motívo fundamental para escuchar Tradición Sonora es, sobre todo, para poder saber más sobre todas las bandas de Folk nacional e internacionales. También para ser un lugar de encuentro con todos los oyentes y gente que sienta esta música desde lo más profundo de su alma como lo hacemos nosotros, para poder compartirlo con más gente afín a este sentimiento. Como te decía antes, nuestro objetivo es hacer que la gente se sienta identificada con Radio Crónica Folk Musical y formen parte de ella participando, colaborando y dando opiniones de lo que se puede mejorar, que programación incluir y todas las sugerencias que vean oportunas para que esta Radio sea la Radio de todos los folkis en general. Con esa idea creamos precisamente nuestro canal de Chat. Tras una primera "kedada folki", donde emitimos 4 horas en directo de Radio atendiendo peticiones de los oyentes, sin duda repetiremos la experiencia más veces para poder disfrutar con toda la gente folk.

En el programa Celtismos, nos ocupamos solo y exclusivamente del Folk Celta, de las llamadas Naciones Celtas y de otros lugares donde practican este tipo de música. En sus inicios este espacio, era el equivalente al actual Tradición Sonora, es decir, un lugar donde el oyente pueda escuchar la música que le gusta y al mismo tiempo poder aprender aún más sobre ella. Con el tiempo vimos que el nombre para este programa no era el más adecuado y para evitar aquello de las etiquetas que tanto gusta poner en este país, decidimos crear Tradición Sonora, pero manteniendo Celtismos para divulgar el Folk Celta que tantos seguidores tiene en nuestro país.

Personalmente, pienso que es fundamental colaborar y apoyar a este tipo de personas que trabajan con unos objetivos claros y nobles, que nos brindan una gran oportunidad de disfrutar del arte de la música y ampliar nuestros conocimientos, en este caso del folk (Angel).

10. Por último: aconséjanos alguno de los festivales que crees que también son esenciales, si conoces la programación, ya sea por la calidad de los grupos, o por el ambiente, por la experiencia, su historia... Además danos algún consejo de dónde movernos este verano para escuchar buena música y pasar un buen rato.

- Afortunadamente la oferta de festivales es amplísima y de todos los colores. En este aspecto por tipologías musicales se podría subdividir en varias:

Folk --- Festival Tradicionarius (Barcelona), Poborina Folk, Escenario Abierto y Folk Zamora,

Villalar de los Comuneros, Los Conciertos de la Estufa (Arrabal de Portillo, Valladolid), Los Viernes de la Tradición (San Sebastián de los Reyes, Madrid), Ortiguira, Folk Plasencia, Cantabria Infinita (San Vicente de la Barquera, Cantabria), Xixón 5º40´, Intercéltico de Avilés, Llanes al Cubo.

Concursos para nuevos grupos --- Escenario Prau (Cantabria), Cuartu los Valles (Nvelgas, Asturias), Eurofolk (Málaga-Córdoba), Proyecto INJUVE (nacional), Escenario Runas (Ortigueira, A Coruña) y algunos otros certámenes locales. Aquí en Extremadura tenemos uno en el folk Plasencia y otro en el Festival Internacional de la Sierra (Fregenal, Badajoz).

Folclore --- Encuentro de Rondas en Mora de Rubielos (Teruel) y Festival de Pueblos del Mundo (Extremadura)

Festivales recomendables en Portugal --- Intercéltico de Sendim (región Trás-os-Montes), Granitos Folk (Oporto), Festival Musicas do Mundo de Sines, Festival de Vinhais, Festival de World Music de Loulé (Algarve), Festival Celta de Barca, Festival Sete Sóis - Sete Luas (Oeiras y otras ciudades) y el Festival L burro i L gaiteiro de Miranda do Douro.

Festivales de danzas tradicionales de Portugal --- Festival Andanças (Sâo Pedro do Sul), Fest-i-ball (Lisboa), Entrudanças (Castro Verde), Festival Passagem de Ano (Evora y Coimbra) y el Trad-Aveiro.

La cuerda más tensa

2010-07-02T14:52:00.000+02:00

Si en la sociedad en la que vivimos, las mujeres cuentan con desventajas, si además optan por la opción de dedicarse a la música... a un género como es el jazz, y por si fuera poco, optan por tocar la guitarra: Es como ir tensando poco a poco la cuerda, hasta llegar casi al limite.

Sheryl Bailey guitarrista estadounidense, nacida en Pensilvanya, en una zona rural: Pittsburgh, en Mayo del 66. De muy pequeña ya tocaba el piano y posteriormente lo simultaneó con la trompeta hasta que a la edad de 13 años se decantó y comenzó a tocar la guitarra, sobre todo fascinada por la música rock, heavy y el blues más eléctrico; tanto su bisabuela como su abuela fueron profesoras de música, incluso su madre tocaba el piano o el órgano en la iglesia y en otro tipo de reuniones. Después de su etapa rockera, es a través de su hermano como empieza a escuchar algo de fusión, y acto seguido comienza a recibir clases de guitarra de jazz. Es de esta forma como conoce nombres que la marcaron: Wes Montgomery, Herb Ellis o Kenny Burrell por citar algunos. Asistió a Berkeley en Boston, estudiando en la misma época que Branford Marsallis (aunque reconoce que en esa etapa de su vida, ella no era muy sociable), se pasaba gran parte del día tocando y transcribiendo solos, también asistiendo a conciertos y coincidiendo con su etapa final en Berkeley, es cuando realiza sus primeros conciertos. Posteriormente, una vez acabado sus estudios, se trasladó a Baltimore donde imparte clases en la universidad de Towson (sobre el 92), a su vez, se junta con distintos instrumentistas con los que organiza algunos grupos y su sonido empieza a caracterizarse por emplear un lenguaje bop, desde una perspectiva y un sonido más próximo al rock, empleando distorsiones y diferentes efectos como dealys o wah-wah. En este momento sus influencias principales son Mike Stern, John Scoffield o John Abercrombie.

En 1996 se traslada a New York, aunque sin abandonar del todo Baltimore, hasta que consiguió establecerse definitivamente allí. Según cuenta, en New York se siente como una mota de polvo y que sus conocimientos se reducen a la mínima expresión, esto la obliga a abrir la mente y seguir aprendiendo. Entre los distintos discos que tiene Sheryl, cabe reseñar su sexto disco "A New Promise" un homenaje a Emily Remler, gran guitarrista que facilitó el camino a las que venían por atrás, como ella. Su discografía se completa con: "Little Missunderstood" (1995)/ "Reunion of Soul" (2001)/ "The Power of 3!" (2002)/ "Bull's Eye" (2004)/ "Live a the Fat Cat" (2006)/ "A New Promise" (2010).

Emily Remler, nació el 18 de septiembre de 1957 en New York y falleció el 4 de mayo de 1990 en Sidney (Australia), por insuficiencia cardiaca (comentan que era adicta a la heroina), contaba con 32 años y había conseguido hacerse un sitio en la escena jazzística norteamericana, llegando a grabar siete discos y algunas colaboraciones con nombres tan ilustres como Larry Coryell (el disco "Together") o convirtiéndose en la guitarrista de Astrud Gilberto durante algún tiempo. Son muchos los puntos en común de Sheryl y Emily; también Emily Remler se sintió atraída por el Hard Rock y en su formación pasó por la Berkeley, además se sintió claramente atraída por los grandes clásicos, sobre todo Wes Montgomery, o Miles Davis, Bill Evans, etc. Fue en 1981 cuando grabó su primer disco "Firefly" y empezó a liderar su propio grupo; entre sus máximos defensores se encontraba Herb Ellis, y en 1985 consiguió el premio otorgado por la revista "Downbeat Jazz Magazine's" como mejor guitarrista de ese año.

Cuando grabó "Firefly" contaba con 24 años de edad. En los créditos del disco se puede leer "Remler es un prodigio y un fenómeno... ¡demasiado!" (W. Royal Stokes). Además de "Firefly" (1981), grabó los siguientes discos: "Take Two" (1982)/ "Transition" (1983)/ "Catwalk" (1984)/ "Together" (con Larry Caryell 1985)/ "East to West" (1988)/ "This is me" (1990). Después de su fallecimiento se publicaron dos grabaciones más, tituladas "Restrospective", una de standars y otra con composiciones propias.

Emily Remler, fue una pionera, con una gran calidad, que desgraciadamente parece haber sido devorada por el olvido. En su momento, dijo acerca de como quería ser recordada: "Por buenas composiciones, como buena guitarrista y por mis aportaciones como mujer a la música... ".

Homenaje a Saramago

2010-06-18T21:58:00.007+02:00

Malos tiempos éstos que corren... que se hacen más patentes cuando somos capaces de apreciar las pérdidas que sufrimos. En este caso hablamos de una pérdida humana, de una persona comprometida y con gran capacidad creativa: José Saramago.

Nació en Portugal, en Azinhaga un 16 de noviembre de 1922 y nos abandona en Tías, Lanzarote un triste 18 de Junio de 2010. Sus orígenes son muy humildes, de padres campesinos y posiblemente la semilla de su compromiso político y social, que se vería fortalecida por situaciones que se dieron en su vida, como el tener que abandonar el colegio por falta de recursos económicos de la familia y tener que ponerse a trabajar de muy joven, sus años como trabajador en el sector de la metalurgia o el ser censurado y perseguido durante la dictadura de Salazar en Portugal.

Miembro del Partido Comunista Portugués, aunque el aspecto más importante: su compromiso ético y crítico, independientemente de matices ideológicos. Saramago era uno de esos ciudadanos insurrectos, buscador incansable de la honestidad y que en su busqueda no escatimava esfuerzos. Es por eso, y sumado a su gran creatividad, autenticidad y estilo narrativo por lo que me cautivo y atrajo mi admiración; independientemente del reconocimiento a su obra, que obtuvo en 1998 con el premio nobel de literatura, su genialidad queda reflejada en obras como "Ensayo sobre la ceguera" (primera obra que leí de él: de repente las personas empiezan a ir perdiendo la visión... la administración tomando medidas para atajar el problema... y poco a poco nos va relatando la lucha individual por la supervivencia), "La balsa de piedra" (obra con una primera parte deslumbrante: Una grieta en los pirineos empieza a desprender a la Península Ibérica de Europa..., una reflexión sobre la identidad de éste espacio geográfico) o "Las intermitencias de la muerte" (la muerte deja de trabajar: después de la euforia, la desesperación y su visión sobre la muerte y el tiempo vivido de una manera eterna...). Se le considera un autor tardío, porque aunque su primera obra la publicase en 1947 ("Tierra de pecado"), no volvería a publicar nada hasta 1966 ("Poemas posibles") y fue a principios de los 80 con sus obras "Memorial del convento" y "El año de la muerte de Ricardo Reiss" (relato que se sumerge en la obra y vida de Fernando Pessoa) cuando consigue que su obra empiece a salir de Portugal y ser conocida a nivel internacional. No quiero aburrir más con datos, que posiblemente en estos días se tratarán por gente más capacitada que yo... y esperemos que así sea, que la obsesión y vorágine del futbol no deje en un segundo plano el reconocimiento a esta gran persona.

"Somos la memoria que tenemos y la responsabilidad que asumimos, sin memoria no existimos y sin responsabilidad quizá no merezcamos existir".

"La vida se ríe de las previsiones y pone palabras dónde imaginamos silencios".

"Que se privatice la cordillera de los Andes, que se privatice todo, que se privatice el mar y el cielo, que se privatice el agua y el aire, que se privatice la justicia y la ley, que se privatice la nube que pasa, que se privatice el sueño sobre todo si es diurno y con los ojos abiertos. Y, finalmente, para florón y remate de tanto privatizar, privatícense los Estados, entréguese de una vez por todas, la explotación a empresas privadas mediante concurso internacional. Ahí se encuentra la salvación del mundo... Y, metidos en esto, que se privatice también la puta que los parió a todos".

(Jose de Sousa Saramago)

Adios, Dio!!!

2010-06-10T20:34:00.000+02:00

El pasado 16 de Mayo fallecía Ronnie James Dio, debido a un cáncer de estómago que le habían diagnosticado a finales del año pasado. Contaba con 67 años y su último proyecto, en el cual estaba trabajando cuándo se suspendió la gira por esta enfermedad, se llamaba Heaven and Hell, con antiguos compañeros de Black Sabbath.

La tendencia más dura del rock (Hard rock, Heavy Metal) sufre una gran pérdida, ya que Dio es... fue, una de las más grandes voces de este género, junto a otros nombres míticos como Rob Halford (Judas Priest), Ian Gillan (Deep Purple), David Coverdale (Whitesnake, Deep Purple) o Robert Plant (Led Zeppelin) fueron responsables de gran parte de la imagen de sus grupos y tal vez de algo más... .

En el caso de Dio, primero junto a Ritchie Blackmore hizo que Rainbow se convirtiera en una de las bandas referentes, Blackmore y Dio dejaron para la historia del rock grabaciones tan trascendentales como Ritchie Blackmore´s Rainbow, Rising o Long Live rock´n´roll y su mejor grabación On Stage, en directo (algo parecido al Made in Japan de la época de los Purple) tras divergencias con Blackmore (en busca de otro sonido) paso a formar parte de otra banda mítica: Black Sabbath, después de que ésta "despidiera" a Ozzy Osbourne. Gracias a Dio, Black Sabbath sufrió un gran cambio que sirvió de revulsivo al grupo, de nuevo participa en grabaciones míticas como Heaven and Hell o Mob Rules y también como en su etapa con Rainbow su paso acaba con un directo en este caso titulado Live Evil y que fue el elemento de discordia entre los miembros del grupo...

... y que conllevo la salida de Dio para formar su propio grupo. De nuevo, sin perder su identidad y rodeandose de buenos músicos con los que ya había colaborado antes (Jimmy Bain en Rainbow, o Vinny Appice en Black Sabbath) o algún joven guitarrista, que con el tiempo pasaría por otras grandes bandas (Vivian Campbell) graba cuando menos dos grandes discos Holy Driver y The Last in Line; a partir de este momento mi rumbo musical que desde hacía algunos años se sentía atraido ya por otros sonidos abandonó estos y poco más puedo decir, lo que si es cierto que mucho de estos discos que aquí cito los sigo escuchando cuando me apetece escuchar buen rock y que he pasado muy buenos ratos con amigos escuchando esta música y que me entristece ciertamente la pérdida de este ilustre cantante y por otro lado me hace mirar al pasado... causandome ciertos escalofrios ver como el tiempo pasa tan fugazmente.

Esta entrada fue escrita el 22 de Mayo, pero no fue publicada para no interferir en las entradas relacionadas con el Festival de La Luna de Mayo.

Breve crónica

2010-06-02T17:35:00.017+02:00

El pasado sábado 29 de Mayo se llevó a cabo el Festival de La Luna de Mayo. La IV edición, como veníamos anunciando, y que os pasamos a relatar brevemente.

En primer lugar lamentar el triste y aciago incidente que le aconteció a un joven de otra localidad, al cual unos cafres y desalmados de ésta le agredieron brutalmente, según nos han informado. Sentimos mucho el incidente y nos entristece, pues el festival se lleva a cabo resaltando otros valores, totalmente opuestos a la violencia e intolerancia, e intentamos que sea la convivencia y el respeto (en todos sus aspectos), a parte del amor por la música (entendida como arte) los valores a resaltar. Desde aquí queremos pedir públicamente a la familia nuestras disculpas, y a la gente que asiste al festival el apoyo para que en caso de volverse a dar una circunstancia similar respondamos de manera apropiada entre todos, contra este grupo de energúmenos.

El festival empezó a las 22:30h, con una hora de retraso respecto a lo anunciado en el cartel, debido a la falta de asistencia de público; todo hacía vaticinar que como en otras ediciones, seríamos un pequeño grupo de personas, amantes de la música los que asistiríamos al concierto. Afortunadamente a partir de que SCATH salió al escenario empezó a afluir la gente, llegando a tener el festival una participación mayor que en cualquier otra edición y constituyendo este elemento la primera satisfacción de la noche.

Sobre los grupos, comentaros que estuvieron inmensos los tres, cada uno en su género y que fueron los responsables del gran ambiente que se vivió durante la noche, segunda gran satisfacción. Como empieza a ser costumbre, después del concierto es fácil acceder a ellos y compartir opiniones o una cerveza, además de seguir disfrutando con su música: pero ya en una especie de Jam, dónde se van intercambiando los distintos miembros de las formaciones y es el momento en el que aquellos que necesitan dormir, se les hace tarea complicada.

Este año además hemos tenido el gran honor y satisfacción (tercera) de compartir el festival con la gente de RCFM que vinieron a realizar el seguimiento del mismo, el poder conocerlos y compartir con ellos ese día ya fue otra de las grandes alegrías. Así como poder conocer a la gente de World Apasionarte de Badajoz, la verdad es que uno aprende mucho de música tanto con Toni como con Alberto y lo dicho, fue todo un honor compartir con ellos ese día.

Poco más os puedo contar, agradecer por enésima vez, y ya última a los grupos (SCATH, NaHeBa y ZOOBAZAR), al excelente público (salvo la excepción ya expuesta), a Radio Crónica Folk Musical (los cuales nos han comunicado que el programa Tradición Sonora del jueves 3 de Junio que se emite a las 22:00, tratará sobre el festival... será el programa número 14, para aquellos que lleguéis tarde...), World Apasionarte (artífices de que Zoobazar pudiera estar con nosotros), al Ayuntamiento por su esfuerzo tanto económico como de recursos humanos, a la Consejería de Cultura y Turismo, y a todos los colaboradores tanto de la Asociación Cultural Fuente Maese, como de aquellas empresas de la comarca que también han contribuido económicamente para poder ayudar en esta edición y a Diego por cedernos el Albergue y colaborar con nosotros. También a aquellos que nos lo han puesto difícil, pues como hace tiempo me enseñaron: el que tropieza y no cae adelanta camino!!!.

Y ahora sí, ya para acabar mandar un cariñosisisisisimo saludo, felicitación, abrazo, etc. a la gente de Sonijalama y en especial a ese loco maravilloso llamado Honorio, responsable (junto con Kay) del maravilloso sonido que llevamos unos años disfrutando y por sus consejos, siempre sabios.

Cuenta atrás...

2010-05-23T11:50:00.009+02:00

Dentro de nada estaremos celebrando la IV edición del Festival de La Luna de Mayo. Haciendo un poco de historia, de la corta historia de este Festival, nos agrada recordar que por el mismo ya han pasado grupos como DIVERTIMENTO FOLK, AULAGA FOLK y TRIQUEL en la primera edición del 2007, al año siguiente fueron SCATH, con los que volvemos a contar, pues como ha pasado con otros grupos que han intervenido en el Festival, se han convertido en amigos y colaboradores que nos ayudan a sacar el Festival adelante; también contamos en la segunda edición con PLANETA SUROESTE y BALBARDA. En el 2009, según muchos socios de la Asociación y amigos, una de las ediciones que más grato recuerdo guardan, tal vez la lluvia y que los conciertos se celebraran en el interior del Albergue, conllevo un contacto mucho más directo entre los grupos y el público que aguantó pese a las condiciones adversas; en esa edición contamos con QUEJIO FOLK, el viernes y SOG que dentro del mesón el Alamo dio un concierto que los convirtió en el grupo más querido de la gente; además el sábado volvieron a tocar de nuevo, pero ya en el escenario... posteriormente la lluvia y FIND EMMA y MU que pasaron al interior del albergue y nos dejaron a todos "embobados".

Para este año seguro que de nuevo vuelve a surgir la magia, con SCATH, precursores del concierto después del concierto, que posteriormente han continuado los grupos de la siguiente edición (o sea, una vez que han acabado el resto de los compañeros buscarse un buen sitio, en el albergue, para disfrutar de unas cervezas, el buen tiempo - si toca- y los amigos y tocar hasta que las fuerzas los abandonen). NAHEBA puede que se convierta en el grupo revelación de esta edición, pues lo que hemos escuchado de ellos tiene una gran fuerza y su manera de entender la música es una propuesta nueva para el Festival, que hasta ahora había disfrutado de sonidos más castellanos o mediterráneos.

Por últlimo ZOOBAZAR, de nuevo nos encontraremos con un grupo más eléctrico, que desde la época de PLANETA SUROESTE, no habíamos vuelto a disfrutar; además combinando sonidos meditarráneos con loops y diferentes efectos que dan una entidad propia al grupo, desgraciadamente dos de los miembros oficiales del grupo no pueden venir, pero la propuesta musical que traen, con los sustitutos correspondientes puede que resalte la parte de la banda más encontrada con la costa africana del mediterráneo ya que se producirá el encuentro de dos de los miembros que pasaron por RADIO TARIFA. Pues poco más invitaros a todos aquellos que queráis venir a pasar un buen rato escuchando buena música.

Para los que vengan de lejos en el Albergue se habilitan las camas libres por 10€ la noche (Tlf: 927 21 44 33 Diego)

IV Festival de La Luna de Mayo

2010-05-08T00:34:00.002+02:00

Por cuarto año consecutivo se podrá celebrar este festival que se lleva a cabo en una de las zonas más atractivas de la Sierra de Gata, en la localidad de Torre de Don Miguel. Un pequeño milagro que gracias al trabajo, la determinación y confianza de un pequeño grupo de personas se consigue llevar a cabo. Entre este grupo de personas cabe reseñar la importancia de dos de ellas a la hora de poder consumar esta actividad. Digamos que por orden de importancia a la primera que hay que señalar es Amaia, cuyo trabajo, de ese que no se ve, es imprescindible para que este festival se lleve a cabo. La segunda, el alcalde de la localidad, Ernesto Iglesias, que desde la primera edición fue capaz de evaluar esta actividad y darla la importancia que el resto miembros de las administraciones públicas o semipúblicas de la comarca no han sido capaces de ver, ya que identifican la palabra cultura como un gasto, en vez de una inversión en las personas que conforman esta comarca y se merecen actividades culturales de calidad, además de acontecimientos que puedan convertirse en reclamo y aliciente de nuestra comarca, con lo que ello conlleva.

Este año el festival se celebrará el 29 de mayo, en sábado, como en las ediciones anteriores, y buscando ese sábado que más se acerque a la luna llena de dicho mes. El lugar: el albergue Sierra de Gata, en su explanada y aprovechando las infrastructuras de que dispone el mismo, también como en años anteriores. Hora de comienzo, las 21:30h.

Lo más importante, los grupos, de nuevo en este festival, grupos con mucha calidad y que no les duelen prendas a la hora de confiar en una modesta organización y en un festival que todavía se encuentra lejos de conseguir un hueco y un reconocimiento dentro del circuito en el que se encuentra.

Scath, un gran grupo extremeño que surge en el año 2008, formado por cuatro componentes que se conocieron gracias a las Irish Session que se llevan a cabo en Cáceres. Esta formación trabaja la música tradicional irlandesa, su repertorio abarca tanto melodías tradicionales como composiciones propias influenciadas por los distintos ritmos que forman este extenso folklore, y dejando que aflore su personalidad en los arreglos que aportan, así como la intensidad y fuerza que emana del grupo. Este año tendremos la suerte de contar con ellos, después de que hayan pasado por el Womad o el Gran Teatro de Cáceres, por citar algunos ejemplos significativos.

Mi primer encuentro con la música Cántabra fue a través del grupo Mayadama, que tuve la suerte de oír hace muchos años, en uno de los primeros viajes que hice por aquellas tierras, esa grata impresión que me lleve (rebusque por todas las tiendas hasta que me hice con una cassette de ellos...) la he vuelto a tener al escuchar a:

Naheba, lógicamente también Cántabros, que remontan sus orígenes al 2003, y que trabajan el folklore contemporáneo de su tierra, con unos rasgos reconocibles y con denominación de origen, sin dejar de mirar en otras direcciones que sirvan para enriquecer y personalizar su propuesta (referentes como Llan de Cubel o The Tannahill Weavers, deja claro su gusto por la buena música). En el 2008 editaron su primer trabajo discográfico Vau Cureñas, y participaron en la III edicción del Festival Cantabria Infinita, que contaba con una gran programación. El poder disfrutar de este grupo en Extremadura, es una gran satisfacción; esperemos que otros festivales de por aquí se animen y los podamos ver en alguna ocasión más.

La última propuesta de esta edición:

Zoobazar Es un cuarteto de World Music afincado en Madrid, cuyos componentes han formado o forman parte de grupos tan importantes como La Musgaña, Eliseo Parra, Radio Tarifa o Javier Paxariño. Su sonido, basado en la música tradicional, principalmente Mediterránea, amalgama sonidos provenientes del norte de Africa, del flamenco, bálcanicos, turcos... que además combinan con géneros como el funk, jazz o rock, empleando loops y samplers que enriquecen aún más su sonido, y dándole un carácter bastante personal. Son bastantes los comentarios que me han realizado elogiando tanto su propuesta musical, como su directo y no cabe duda que será el contra punto al sonido del norte que proponen Scath y Naheba.

Capitulo 7

2010-04-16T22:25:00.005+02:00

Toco tu boca, con un dedo toco el borde de tu boca, voy dibujándola como si saliera de mi mano, como si por primera vez tu boca se entreabriera, y me basta cerrar los ojos para deshacerlo todo y recomenzar, hago nacer cada vez la boca que deseo, la boca que mi mano elige y te dibuja en la cara, una boca elegida entre todas, con soberana libertad elegida por mí para dibujarla con mi mano por tu cara, y que por un azar que no busco comprender coincide exactamente con tu boca que sonríe por debajo de la que mi mano te dibuja.

Me miras, de cerca me miras, cada vez más de cerca y entonces jugamos al cíclope, nos miramos cada vez más de cerca y nuestros ojos se agrandan, se acercan entre sí, se superponen y los cíclopes se miran, respirando confundidos, las bocas se encuentran y luchan tibiamente, mordiéndose con los labios, apoyando apenas la lengua en los dientes, jugando en sus recintos donde un aire pesado va y viene con un perfume viejo y un silencio. Entonces mis manos buscan hundirse en tu pelo, acariciar lentamente la profundidad de tu pelo mientras nos besamos como si tuviéramos la boca llena de flores o de peces, de movimientos vivos, de fragancia oscura. Y si nos mordemos el dolor es dulce, y si nos ahogamos en un breve y terrible absorber simultáneo del aliento, esa instantánea muerte es bella. Y hay una sola saliva y un solo sabor a fruta madura, y yo te siento temblar contra mí como una luna en el agua.

Me miras, de cerca me miras, cada vez más cerca y entonces jugamos al cíclope, nos miramos cada vez más cerca y nuestros ojos se agrandan, se acercan entre sí, se superponen y los cíclopes se miran, respirando confundidos, las bocas se encuentran y luchan tibiamente, mordiéndose con los labios, apoyando apenas la lengua en los dientes, jugando en sus recintos donde un aire pesado va y viene con un perfume viejo y un silencio. Entonces mis manos buscan hundirse en tu pelo, acariciar lentamente la profundidad de tu pelo mientras nos besamos como si tuviéramos la boca llena de flores o de peces, de movimientos vivos, de fragancia oscura. Y si nos mordemos el dolor es dulce, y si nos ahogamos en un breve y terrible absorber simultáneo del aliento, esa instantánea muerte es bella. Y hay una sola saliva y un solo sabor a fruta madura, y yo te siento temblar contra mí como una luna en el agua.

Chet Baker: Alone Together / Julio Cortazar: Capitulo 7 de Rayuela

En Do

2010-03-31T18:39:00.008+02:00

In C, Terry Riley.

In C, es considerada por muchos la primera obra del género minimalista, o de música repetitiva y en 1964, cuando apareció, supuso una innovación convirtiéndose pronto en un clásico. Su autor... Terry Riley, que junto a La Monte Young fueron los desencadenantes de esta corriente musical a comienzos de los 60. Pronto siguieron sus pasos Steve Reich y Philip Glass, influenciados por éstos; es así como se crea un frente de vanguardia constituido por estos cuatro compositores, que han sido capaces de asentar este movimiento artístico dentro del mundo de la música.

Esta obra consta de una sucesión de 53 patrones melódicos, que pueden ser interpretados por cualquier tipo de instrumento e instrumentistas, aunque la sugerencia de Riley, es de 35 (vaya... otra vez el 5 y el 3 en diferente orden...), éstos patrones pueden repetirse entre 45" y 1´30", (o por más tiempo, si se desea) la duración de la obra según estas indicaciones debe situarse entre 45´o 1h y 30´. En Europa surgió un movimiento denominado minimalistas de intención, compositores que conocen el estilo y les interesa, pero que su obra en conjunto no puede ser considerada minimalista, dicho movimiento está constituido por Michael Nyman, Arvo Pärt o Wim Mertens entre los más ilustres.

Los interpretes tienen gran libertad durante la ejecución de la obra, el ritmo por ejemplo no está establecido, aunque de nuevo Terry Rilely aconseja que no sea ni demasiado lento, ni a una velocidad que por excesiva no permita tocarla cómodamente. El pulso, a corcheas, puede estar marcado por el Do alto del piano, o por un instrumento de mazo. Es importante no apresurarse y permanecer en un patrón mientras se reproducen 2 0 3 patrones por otros músicos; fundamental no quedarse muy atrás, o correr demasiado. Terrence Mitchell Riley, nació en 1935 en California, y fue también allí, en la Universidad de Berkeley dónde conoció a La Monte Young, dando lugar a una larga asociación, con propuestas muy creativas. Posteriormente colaboró con gente como Chet Baker o algo más tarde con Don Cherry aproximándose de esta forma al mundo del jazz. Durante 1970 se convirtió en discípulo del maestro de ragas y vocalista del norte de la India Pandit Pran Nath y durante 26 años actúo junto a él como intérprete de tambura, tabla o vocalista.

Cada patrón puede ser tocado al unísono o en canon con cualquier otro patrón vecino, o con el mismo. La diferente interacción entre los interpretes consigue crear diferentes polirítmias y contrapuntos, que igual que surgen se desvanecen, según evoluciona la obra; también considera Terry Riley que uno de los objetivos del grupo debe ser coincidir en un patrón, al menos en una o dos ocasiones. In C concluye cuando los interpretes van llegando al patrón 53, esperando a que el resto vaya llegando también. Una vez todos en él realizan un gran crescendo y diminuendo en un par de ocasiones y cada interprete "se va marchando conforme a sus deseos". Terry Riley también mantiene una gran asociación con David Harrington, fundador del Kronos Quartet, realizando bastantes obras para dicha formación; son una infinidad de músicos con los que ha colaborado, al igual que sus composiciones entre las que se pueden resaltar: Rainbow in curved air, The last camel in Paris, Les yeux fermes and lifespan, The music for the gift...

P.D. Se ofrece guitarrista para interpretar In C, interesados ponerse en contacto... aquí mismo!!!

Juan Vásquez

2010-03-06T11:55:00.010+01:00

Contemporáneo de Cristóbal de Morales, Francisco Guerrero, Luys de Milán o Antonio de Cabezón por citar algunos de los más célebres nombres, que acreditan el gran momento que vivió la música en España durante el renacimiento. Es a comienzos del S XVI cuándo surge la figura de Juan Vásquez, compositor pacense, vinculado a la escuela de compositores andaluza; es además en Andalucía a la que se trasladó en 1551, dónde vivió su momento de mayor esplendor y dónde falleció. Poco se sabe de su nacimiento y primeros años de vida, al igual que de su muerte. Es sencillo, especular y pensar que, tal vez, debido a una procedencia humilde motivaran su ingreso en 1511 como cantor de la catedral de Plasencia y de esta manera pudiese adquirir formación no solo de carácter musical sino integral que le condujeron no solo a ser un gran autor de su época, sino a consagrarse sacerdote.

Todo apunta a que fue un célebre autor en vida, así su obra profana compuesta fundamentealmente por madrigales o villancicos, compuestos para "las horas desocupadas" de sus mecenas, nobles de la época, eran interpretadas por los vihuelistas más ilustres, Valderrábano, Pisador o Fuenllana e incluso algunos de sus villancicos aparecieron antes publicados en libros de música tan distinguidos como "Orphénica Lyra" de Fuenllana, dónde adaptaba para voz y acompañamiento 12 de sus villancicos. Sobre su obra sacra, tan solo ha llegado hasta nosotros su "Agenda Defunctorum", oficio de difuntos realizado a la memoria de Juan Bravo de Morata y que sirve de contrapunto a su obra profana.

El tiempo parece haberle conducido a un segundo plano, ciertamente injusto, sin embargo, afortunadamente nos encontramos con músicos implicados en difundir su obra. Al igual que nos pasa con su biografía, en su obra existen muchos vacíos, que impiden hacerse una idea más acertada de todo su trabajo. Mientras salen a la luz nuevos datos que arrojen más información de este ilustre extremeño.

Ciclogenesis Explosiva!!!

2010-02-28T12:10:00.008+01:00

Esto si que es una Ciclogenesis Explosiva!!!, lo demás cuentos... y es que me han dejado con las ganas, pensaba que por fin iba a protagonizar un film catastrofista, de estos que abundan en la gran oferta televisiva. Sin tener que ir al cine, y sin tener que ponerme artefactos que me proyecten a un fantástico mundo tridimensional. Actuando de local, como si de un encuentro de fútbol se tratara. Sin necesidad de desplazarme, viviendo de primera mano el principio del fin... y esperar el turno del reparto, a ver que papel me caía: superheroe al rescate de víctimas atrapadas y angustiadas, o al contrario, víctima del cambio... pero nada de nada, me quedé asustado en mi casa, ese fue al final mi papel, el de pardillo ingenuo manipulado por los mass media... una vez más!!!.

Una y otra vez me viene a la mente la canción de Asfalto "La paz es verde", en aquellos tiempos denunciaba y profetizaba una catástrofe medioambiental si no se era capaz de cambiar estructuras, planteamientos y actitudes. A fecha de hoy, algunos ya estamos cansados de ver como después de un par de décadas se sigue hablando de cumbres medioambientales en las cuales nuestros gestores, políticos y economistas nos cuentan como van a solucionar un problema al que nos han conducido y al cual nosotros nos hemos dejado arrastrar...

Es muy agradable ver como Asfalto siguen al pie del cañón, después de tantos años. Que Julio Castejón sea capaz de reinventar formaciones para mantener viva esta historia que empezó hace muchos años y que en mi caso, me ha ido sirviendo de banda sonora de las distintas etapas de mi vida. El saber que por fin han grabado un disco en directo dónde repasan toda su historia, la antigua y la presente, que siguen girando y que afortunadamente para el rock de nuestro país, siguen trabajando para evitar que este genero termine de fagotizarse, es una muy buena noticia. El disco lo grabaron en el 2009 y se titula Al fin vivos.

Para ir acabando, y como siempre llegando un poquito tarde a todos los lados, pues comentaros que hace 100 años y poco más de un mes, se empezó a engendrar una de las mayores ciclogenesis que han sacudido el mundo de la música, en concreto el mundo de la guitarra: el 23 de enero, en Bélgica se originaba esta tormenta perfecta... se la denominó Django Reinhardt. Poco más hay que añadir, tan solo disfrutar con su música.

Afromeños!!!

2010-01-30T13:40:00.014+01:00

Hace cierto tiempo que apareció en el panorama nacional, un grupo que procedía de tierras extremeñas, se llamaban "Perroflauta". A su estilo de fusión, fundamentalmente entre músicas del mundo, soul, groove... lo denominaron "Afromeño". Esto sucedía a mediados de los noventa, cuando se juntaron Gecko Turner, Markos Bayón y Cesar González. Un poco más tarde se incorporaron al grupo: Alvaro Carazo "Dr. Robelto" y Diego Antúnez, entre otros. Entre los grandes temas que nos dejaron, para aquellos que no sepáis de que hablo, os dejo este enlace con el tema Chimurenga del Guadiana donde os podéis hacer os una idea, y se puede escuchar junto a Perroflauta, a Luis Pastor o Kepa Junkera. Desgraciadamente el grupo se separó durante el primer lustro del 2000. Pero como no es de historia de lo que quiero escribir, sino del presente, os comentaré brevemente que andan haciendo estos grandes músicos pertenecientes a la escena extremeña.
Y como por algún lado hay que empezar, será por lo que ha dado lugar a este articulo. Hace poquito, hablando con un buen amigo (Honorio) de música y aprovechando sus contactos y conocimientos sobre la música extremeña, le hice algún comentario sobre la Alambiqueña del Oeste y fue así como me hizo saber del último trabajo de Markos Bayón, el cual según lo he ido escuchando me ha dejado enganchado. Bajo el seudónimo el Autognomo, ha sacado un trabajo que ha llamado "En algún lugar y en algún momento" y que deja de manifiesto la importancia de este músico en el panorama extremeño.

Tal vez uno de los músicos con más reconocimiento fuera de las fronteras extremeñas, sea Gecko Turner, es posiblemente el que mejor ha sabido recoger los créditos del grupo Perroflauta y su sonido deja muy a las claras la gran importancia que tuvo en esta formación. Su disco "Chandalismo Ilustrado" obtuvo grandes críticas por gente tan relevante como Diego Manrique o Santiago Alcanda. Fue el segundo disco en solitario de Gecko Turner que data ya del 2006, aunque reconocía durante el 2009 que estaba trabajando en lo que será su nuevo disco.

El proyecto de Diego Antúnez es La Alambiqueña del Oeste, un grupo que fusiona fundamentalmente el flamenco y el jazz. Tuve ocasión de verlos y conocer su música, gracias al Womad de 2009, posiblemente uno de los mejores recuerdos de los grupos que pude ver el día que baje a Cáceres, mucho talento en la formación que se refleja en su gran sonido. En su repertorio se pueden oír referencias de Paco de Lucía, D´jaban, Miles Davis o Sonny Rollins, por citar algunas...

Alvaro Fernandez Carazo, Dr. Robelto, es sin lugar a duda el más polifacético de todos... igual puede trabajar con cualquiera de ellos, que con Planeta Suroeste (folk), Conjunto San Antonio (Tex-Mex), The Groove Experience Band (Groove, Funk...), etc. Sin lugar a duda, es el bajista extremeño por excelencia, y su versatilidad le permite afrontar cualquier proyecto, aunque su sonido encaje más en determinadas propuestas. Aprovechamos su trabajo con la buena gente de Planeta Suroeste y disfrutar un rato con su música!!!

En principio estas son unas muestras de lo que están realizando algunos de los miembros de aquella gran formación, que en su momento nos sorprendió con su música... esperemos que sigan disfrutando con su trabajo y nos hagan disfrutar a los que les seguimos.

Homenaje a Tárrega

2010-01-10T08:58:00.011+01:00

1852 fue el año en que nació Tárrega, en el mes de noviembre más en concreto, en Villareal de los Infantes, en la Plana Castellonense. El es uno de los máximos responsables de conseguir situar a la guitarra como instrumento de concierto y situarla en ese ámbito, ampliando de esta manera el abanico de posibilidades de este instrumento.

Fué a través de un accidente que le daño la vista, lo que le acercó al mundo de la música; este accidente llevó a sus padres a tomar la decisión de trasladarse a Castellón en 1860, siendo allí dónde empezo a recibir clases de música. Y es así que a la edad de 8 años se acercó a la guitarra y sería mediante Manuel Gonzalez, el "Cego" de la Marina quién le iniciaría en este instrumento; (el padre de Tárrega tocaba algo la guitarra y posiblemente fue el quién le puesiera en contacto con la guitarra por primera vez). Con 11 años se fugó a Barcelona para dar clases con Julián Arcas, y además aprendió a valerse sólo, junto a su guitarra; esta aventura se terminó cuando su padre lo encontró y lo hizo regresar con él a Castellón.

A los 19 años inició el servicio militar; tres años después gracias al mecenazgo de un potentado valenciano llamado Antonio Canesa se instaló en Madrid, así entró en el conservatorio, estudiando composición con los profesores: Miguel Galiana, Rafael Hernando y José Gainza, siendo el director Emilio Arrieta. Por aquellos tiempos la guitarra no era instrumento estudiado en los conservatorios, así que mientras estudiaba piano y armonía en el conservatorio, seguía estudiando por cuenta propia la guitarra. La guitarra en aquellos tiempos no era considerada un instrumento de concierto. Una de las anecdotas que se cuentan con respecto a Francisco Tárrega relata que durante una velada musical en el Teatro Alhambra, en la que también participaron Albeniz y Chueca, se encontraban entre el público el director del conservatorio madrileño, Emilio Arrieta; este tras escucharle, subió al escenario y le abrazó emocionado, comentándole que había disfrutado mucho con su interpretación y acabó diciendole: "la guitarra necesita de ti, y tú naciste para ella". Por aquel tiempo contaba con una guitarra del constructor Antonio Torres comprada en Sevilla; y hasta que se produjo este acontecimiento, en torno al 1878, cuentan que eran muchos los que le animaban para que se hiciera pianista. A partir de ese momento se dio a conocer públicamente, y se le comienza a conocer como "el Sarasate de la guitarra". Es por estas fechas cuando se produce un reencuentro con el Maestro Arcas durante unos conciertos en la zona de Alicante, el Maestro le pidió que tocara para comprobar si era verdad lo que se hablaba de él, después de la interpretación le abrazo emocionado y le dijo que podía morir tranquilo, pues quedaba con la guitarra quien hacía lo que él nunca había podido soñar. En 1881 aparece en "el diccionario monumental de músicos españoles" de Baltasar Saldoni, dónde se señala "uno de los guitarristas más acreditados de España a principios de 1879".

En 1881 marchó a París, uno de los principales centros culturales europeos. Una crónica de la época cuenta acerca de uno de sus conciertos acaba después de elogiarle de la siguiente manera: "Tárrega, con su guitarra, hace olvidar a Sarasate, borra de la imaginación el recuerdo de Rubinstein y disipa las armonías del arpa de Esmeralda Cervantes." Poco más tarde partiría hacia Londres, y estando en allí recibió una invitación para actuar en Nueva York. Es también en este año cuando Francisco tárrega se casa con María Rizo Ribelles (aficionada guitarrista de Novelda) con la cual tuvo cuatro hijos: María, la primera murió sin haber nacido aún sus hermanos, posteriormente nacerían sus hijos Francisco, María Rosalía (Marieta) y en el 1887 Concepción. Durante 1888 se traslado a Valencia comenzando una época bastante fructifera tanto del punto de vista compositivo (Capricho arabe por ejemplo), como de interprete (conciertos en el Ateneo, Círculo de Bellas Artes, Teatro de La Princesa, etc), pero también coincide con el final de esta época, cuando se había instalado en Barcelona, cuando muere su hija Conchita, mientras realizaba unos conciertos en Palma de Mallorca.

Posteriormente realizó una gira internacional (Francia e Inglaterra) dónde de nuevo recogió grandes elogios tanto de los críticos, como del público y el mundo artístico. A finales de 1899 durante una gira por Andalucía, visita junto con su amiga Concha Gómez, la ciudad de Granada, pero lo que más les cautivó fué el Palacio Moro de La Alhambra, dando lugar a su célebre composición "Recuerdos de la Alhambra". Durante el primer lustro del 1900 sigue componiendo y tocando con gran éxito, llegando a tocar hasta en Argel. Sin embargo el segundo lustro tiene peores consecuencias, en 1907 sufrió una embolia mientras tocaba en su hogar, como consecuencia sufrió una hemiplejia que le paralizó el lado derecho de su cuerpo. Además coincide esta época con una situación precaria económica. Es en 1909 cuando se publica la celebre caricatura dibujada por Folchi y su reaparición (aunque ya había dado algún concierto, no con muy buenos resultados con anterioridad) a primeros de mayo en el Circulo Mercantil de Castellón, dónde volvió a recibir criticas muy favorables de la prensa. El 13 de diciembre después de haber estado residiendo en Valencia, vuelve a Barcelona sintiendose algo indispuesto, poco a poco fue empeorando y el día 14 fue atendido de urgencias y después de un penoso periodo de agonía, el día 15 de diciembre de 1909 fallecía de madrugada.

Tarrega es el creador de una nueva escuela de guitarra que abrió nuevos caminos al instrumento, intensificó y exploró sobre determinados recursos de la guitarra, así como sobre sonoridades y efectos.

Sobre celebraciones (F. Tárrega I)

2009-12-14T22:30:00.013+01:00

Se cumple en estas fechas (15 - 12 - 09) el primer centenario del fallecimiento del gran compositor y guitarrista Francisco Tárrega. En líneas generales pasa sin pena ni gloria. Da envidia leer noticias como la siguiente: Viena, 30 mar (EFE).- Con un amplio y rico abanico de más de 1.500 conciertos, exposiciones y otros actos, Austria abre mañana el jubileo por el segundo centenario de la muerte del compositor Franz Joseph Haydn (1732-1809), "padre de la Sinfonía" y de la "Escuela Clásica de Viena". Alguno puede pensar que la importancia de Haydn en la música es mayor que la de Tárrega y por eso se justifica que incluso en nuestro país haya tenido más repercusión este centenario (ejemplo: día 16 en el teatro real se programa "El humor de Haydn")que el que ahora trato. De todas formas si recapitulamos un poco, durante este 2009 se ha celebrado:

El 80 aniversario de la creación del personaje de Hergé: Tintín.
Bicentenario del nacimiento de Charles Darwin.
Bicentenario del nacimiento de Larra.
Centenario de la muerte de R. Chapí.
250 aniversario de la muerte de G. F. Haendel.
Centenario de la muerte de I. Albéniz.
25 aniversario de la muerte de J. Cortazar... 20 aniversario de la muerte de Dalí... 70 aniversario de la muerte de A. Machado, centenario nacimiento de Onetti, bicentenario nacimiento E. A. Poe, etc, etc, etc.

Lógicamente para cada persona, cada una de estas fechas puede tener una relevancia diferente; lo que si es cierto es que aprovechando estas fechas (independientemente de la trascendencia comercial que se esconde detrás de cada una de ellas), para más de uno nos sirve para tener una escusa y profundizar más en la vida y obra de algunos de estos genios.

Dependiendo también del trato que reciba la cultura y la transcendencia que las instituciones (fundamentalmente las públicas) otorgan a estas conmemoraciones se puede llegar a difundir mejor la obra y vida de estos ilustres personajes, e intentar romper la triste dinámica en la cual los discos más vendidos (refiriéndonos a la música) o los interpretes más apreciados sean los Alejandro Sanz, David Bisbal o triunfitos similares fabricados por la industria discográfica, mientras se va a la quiebra por exceso de miopía y no saber como afrontar los nuevos tiempos que corren. Desgraciadamente, vivimos en un país y una época en la que la importancia de la cultura se mide por euros y no por lo que puede aportar a las personas, si a esto le añadimos que al poderoso caballero, si que le ha pillado la gripe A y no se recupera ni con las vacunas que la han inyectado; llegamos a la conclusión de que no es un buen año para celebraciones... pero a Francisco Tárrega, aunque sea de una manera bastante humilde en este blog le haremos un hueco, pues su aportación al mundo de la guitarra y a la música, fundamentalmente de nuestro país, es bastante importante. Afortunadamente hay más gente que no quiere dejar la ocasión de reivindicar a este grande entre los grandes: VALENCIA, 5 Dic. (EUROPA PRESS) -Castelló Cultural conmemorará el centenario del fallecimiento del guitarrista y compositor Francisco Tárrega con seis conciertos que tendrán lugar en el Auditori i Palau de Congressos de Castelló entre el 11 y el 17 de diciembre. Asimismo, el Auditori acogerá la exposición 'Tárrega y su legado' con partituras originales, documentos y objetos personales del compositor vila-realense.

Bueno, perdonar, en breve publico la entrada prometida, pues esta... se me ha calentado la cabeza con algo que me provoca bastante mal estar.

Kenny Garrett

2009-11-22T20:21:00.007+01:00

... Hace aproximadamente cinco años, asistí en el Emociona Jazz de Madrid a un concierto a cargo de Roy Haynes, en el cual se contaba con la presencia como side man de Kenny Garrett. Antes de entrar, en la puerta se confirmaba la ausencia de éste, recuerdo (como era costumbre, iba con Andrés a los conciertos) que para mí fue una gran decepción, pues me movía más las ganas de ver a Kenny Garrett que a Roy Haynes, sin embargo, el bueno de Andrés, como buen batería, y con la experiencia de haber visto con anterioridad a este monstruo, seguía convencido que la experiencia iba ser grande, como así lo fue... pero desde entonces llevaba la espina clavada de no haber conseguido ver a este coloso moderno en directo.

Por fin en este mes, también noviembre, en el Teatro López de Ayala de Badajoz... y de nuevo acompañado de un gran amigo, en este caso Isra, conseguía resarcirme y por fin disfrutar no solo de un gran concierto de Jazz, sino de ver a Kenny Garrett en directo con una gran formación, sino estoy equivocado: Johnny Mercier (Hamond y piano), Justin Brown (Batería) y Kona Khasu (Bajo). El repertorio se fundamento en su última grabacion en directo "Sketches of MD", junto con alguna perla como la versión que realizó de "Kojo No Tsuki" que nos evocó el sonido que trabajó en el disco "Beyond the wall" del cual también dejo caer algo, mucho "Groove" en el resto y ese sonido característico de él, que bajo mi modesto punto de vista se dirige en algunas ocasiones al sonido que avanzó en su momento Coltrane.

Happy People, fue el tema con el que cerró su actuación, ya con las luces del teatro encendidas... como gran parte de los que estábamos allí, y después de un concierto intenso que desde el primer momento transmitió sensaciones muy buenas. Os dejo con este vídeo en el cual se le puede ver con la formación con la que está girando en la actualidad y con algunos momentos del concierto, aunque en este caso de su actuación en Israel.

Autumn Leaves

2009-10-06T17:31:00.006+02:00

"Les Feuilles Mortes", es una canción que se escribió como parte de la banda sonora de la película francesa "Les Portes de la Nuit" de 1946 dirigida por Marcel Carné, una trágica historia de amor, que transcurre tras la liberación de la ocupación nazi, en París. El guión está escrito por Jacques Prévert, que a su vez es el autor de la letra de "Les Feuilles Mortes", mientras que la música fue escrita por Joseph Kosma. Y el protagonista principal: Yves Montand, fue el primero en interpretarla.

La película no obtuvo el reconocimiento esperado, y en el aspecto comercial fue un fracaso. De esta forma "Les Feuilles Mortes" paso sin pena ni gloria, hasta que en 1949 Johnny Mercér se fijara en ella y adaptara la letra al inglés, entre otras de sus aportaciones al tema fue el sustituir el nombre original por el de "Autumn Leaves", es decir de las hojas muertas a hojas de otoño, entre otros motivos porque consideraba este último titulo más apto para convertirse en un standard de la música popular norteamericana.

Es en 1955 cuando Roger Williams lleva al número uno de las listas esta canción y consigue un millón de ventas. A partir de este momento diferentes artistas empiezan a versionear el tema (Steve Allen, Ray Charles o Victor Young, por ejemplo). Un año más tarde Columbia Pictures produjo la película "Autumn Leaves", que a su vez incluía durante los créditos una versión del mismo tema realizada por Nat King Cole, que supuso el espaldarazo definitivo al tema.

Autumn Leaves, no es solo una gran canción, sino que además es una canción fundamental para todos aquellos que estamos inmersos en el aprendizaje del Jazz: Encontramos modulaciones, su progresión armónica se fundamenta en el circulo de quintas descendentes, las dominantes nos permiten diferentes extensiones o sustituciones, los movimientos II - V son constantes, estos recursos son imprescindibles en este estilo. Respecto a su forma melódica está constituida por AA'BC (es decir una primera frase, de nuevo la misma frase con una pequeña variación, a continuación el puente con otra frase distinta y por último con una frase que sirve de resolución final).

Por último, comentar que las versiones que están aquí colgadas son de Yves Montand, Bill Evans y Tal Farlow, aunque podría haber otras de gran calidad. Para acabar os dejo con dos versiones que demuestran la universalización de este standard. Disfrutar del Otoño y sus Hojas Muertas!!!

La guitarra dentro de la electroacústica.

2009-09-20T20:15:00.009+02:00

"No hay que intentar entender... solo hay que prestar atención a la actividad de los sonidos" (John Cage)

La aportación de la guitarra dentro de la electroacústica es bastante amplia, es por eso que quiero centrarme en esta entrada en el sonido proveniente de los músico europeos y cuya corriente se denomina EFI (European Free Improvisation). La aportación de los músicos ingleses en esta corriente es bastante importante y muchos de ellos empezaron en el mundo del Jazz y poco a poco fueron eliminando las formas y estructuras para dar mayor importancia a la improvisación, dando a conocer sus aportaciones musicales en lo que se empezó a denominar improvisación libre o música libre, a su vez en Norteamérica se desarrollaba dentro del Jazz una corriente que pasó a denominarse Free Jazz, todo esto estaba sucediendo a finales de los 60 y de sus evoluciones, encuentros y desencuentros se empezó a nutrir las "músicas de vanguardia".

Dos nombres propios dentro de este apartado y con evoluciones e influencias paralelas, aunque ciertamente distanciados en sus sonidos son: Derek Bailey (muchos le consideran como uno de los precursores de esta corriente) y Keith Rowe, el guitarrista con el que hemos comenzado esta entrada. Ambos tuvieron como referentes a guitarristas procedentes del Jazz. Otro rasgo en común, son los puntos de encuentro que mantienen con la obra de John Cage o Anton Webern.; Sin embargo sus sonidos son completamente diferentes.

Mientras que Keith Rowe considera la guitarra como una fuente de sonidos con la cual experimentar, el concepto de Derek Bailey es mucho más ortodoxo dentro de lo que este genero permite. La evolución de Keith Rowe, surge fundamentalmente a través de unas palabras que le comentó su profesor de pintura (arte que también procesa) y en las cuales le manifestaba que cada uno tiene que buscar su propia identidad; la primera estrategia que trazó para conseguir esa identidad fue situar la guitarra en otro plano al normal, perpendicular al instrumentista, a partir de ahí y la necesidad que tuvo de alejarse de sus influencias guitarristicas (Charlie Christian, Berney Kessel, Wes Montgomery, etc) para adentrarse por su propio camino, fueron generando su sonido tan particular. Derek Bailey, como ya hemos dicho es más ortodoxo, (entre sus primeras influencias estaban Django Reinhardt o Charlie Christian) suele emplear la afinación más común en la guitarra, su técnica es estándar, por decirlo de alguna manera; sin embargo la discontinuidad de su sonido, sus armónicos, incluso los sonidos y ataques a veces ásperos otras quebradizos pueden ser elementos que definan su sonido. Desgraciadamente nos abandonó el 25 de diciembre del 2005.

Fred Frith es otro de los nombres propios, el más joven y a diferencia de Keith Rowe o Derek Bailey, proviene de la escena del rock, y es Frank Zappa o Jimmy Hendrix algunas de sus influencias, sin embargo, comparte con ellos la admiración hacia Cage. A su vez es un eslabón que une las dos tendencias que reflejan Rowe y Bailey, considera su instrumento como una fuente de sonidos y experimenta sobre la guitarra con diferentes artilugios (lo que se conoce como guitarra preparada), sin embargo mantiene cierta fidelidad al instrumento, como Bailey. Otros guitarristas muy a tener en cuenta, (aunque estos del otro lado del charco) son Ellioth Sharp o Nels Cline (aunque aborda bastantes géneros, muy polifacético) por citar algunos nombres interesantes que consiguen integrar en la música electroacústica el sonido de la guitarra.

Concertino para Guitarra y Orquesta en La Menor Op. 72

2009-09-01T23:15:00.009+02:00

Tengo la ligera impresión, que si se hiciera una encuesta sobre cual es el concierto para guitarra más célebre y que más agrada a la gente, éste sería el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo. Sin embargo, yo me inclino por el Concertino para Guitarra y Orquesta en La menor, de Salvador Bacarisse.

Músico de la Generación del 27 que compartió entre otros con los hermanos Halffter o Mompou, por citar algunos ilustres. Nació en Madrid en 1898 y murió en el exilio, en París en 1963. Es con toda seguridad, junto con otros músicos de su generación, uno de los más tristemente olvidados y menos reconocido. Una de las razones: formar parte del bando perdedor en la contienda que asolo nuestro país de 1936 a 1939, otra también importante, que gran parte de su obra se perdiera en un incendio en su casa durante la guerra civil. Bacarisse luchó contra el conservadurismo musical y ayudo a difundir y a promocionar la música contemporánea, en un primer momento desde la prensa madrileña, posteriormente desde Unión Radio (los orígenes de la Cadena SER) como director artístico y por último (en España) como delegado del gobierno en asuntos musicales durante los últimos suspiros de la II República. Desgraciadamente su creación musical durante la guerra civil y gran parte de su exilio en París se resintió bastante.

Salvador Bacarisse se reconocía como discípulo de Debussy, pero sin embargo la obra a la que hago referencia se sitúa en el movimiento neoromántico, la compuso en 1957. Esta obra se la dedicó a Narciso Yepes, quién la estrenaría en París, junto a Ataulfo Argenta. Yepes y Bacarisse se conocieron en París, y en uno de sus encuentros, éste último no tuvo ningún reparo en reconocer que no sentía ningún tipo de interés por la guitarra, a lo que Yepes le contestó "eso es porque no me ha visto usted tocar", más tarde acudió a uno de sus conciertos... ya conocéis el desenlace. El concertino tiene cuatro movimientos, de los cuales destaca notablemente el segundo movimiento Romanza, con una melodía impecable.

Son bastantes los conciertos para guitarra y orquesta, y de grandes compositores como García Abril, Leo Brouwer o Villa-Lobos, por citar algunos ejemplos. Aún teniéndolos en cuenta, para acabar como hemos comenzado, os propongo una contraposición entre los dos movimientos más importantes de las obras: Concierto de Aranjuez y el Concertino en La menor, y si os animáis comentarme cual preferís. Ambas interpretaciones están realizadas por dos grandes instrumentistas: Jose María Gallardo y Julian Bream.

Descubriendo lo Ignorado I

2009-08-12T23:18:00.032+02:00

A través de esta entrada quiero dar a conocer a cuatro artistas que hasta cierto tiempo (en algunos casos mayor, en otros menor) desconocía y que gracias a actuaciones o a información de amigos, he descubierto. Intentaré ir dando continuidad a esta entrada e ir incrementando el número de nombres que vayan apareciendo poco a poco.

Para comenzar he escogido a tres guitarristas (es posible que sea una constante en este tipo de entradas...) y un "ngonista" (instrumento de cuerda Africano que tiene cierto parentesco con la guitarra) que encara su instrumento con actitud de bluesman. Estos nombres son: Paul Weller, Bassekou Kouyaté, Ben Monder y Carlo Marchione.

Paul We ller. Durante el último año que estuve viviendo en Alcalá, fue cuando realmente tuve constancia de la calidad de Paul Weller, y el culpable de esto fue Jose, un amigo con el cual estaba colaborando y metiendo alguna guitarra en una grabación que estaba llevando a cabo. Es a través de su disco "Live Wood" el que me introdujo en su obra, y su disco "Days of Speed" es posiblemente el disco que más ha sonado en el coche desde que estoy en Cáceres. El desarrollo de su obra desde los Jam hasta sus últimos trabajos, pasando por Style Council, es de una evolución y un movimiento constante. Algo más que me hace sentir admiración por Paul Weller es su compromiso y militancia social. http://www.paulweller.com/

Bassekou Kouyate. Tuve la suerte de verle en directo en las Noches de Santa María, en Plasencia en Mayo del 2008, concierto que no me dejo indiferente. El concierto de Bassekou Kouyate & Ngoni Ba demostraba creatividad y naturalidad desde el vestuario y puesta en directo hasta la composición del grupo (todos los instrumentos de cuerda eran Ngoni con distintas dimensiones para conseguir diferentes timbres acompañados con instrumentos de percusión africana) o la calidad de su música y el sentir de Blues Africano era para cuestionarse mucha de la parafernalia que emplean algunos grupos occidentales carentes de calidad que a través de espectaculo y "fuegos artificiales" intentan paliar su falta de creatividad.
Si quereis haceros una idea de su sonido, seguir este enlace y escuchar a través del programa RAÍZES de Antena 2 (Radio pública Portuguesa); selecionar la pestaña arquivo (la otra es todos os audios do programa) y seleccionar el archivo con fecha 2009 - 08 - 05 del Festival de Sfinks en Bélgica: Bassekou Kouyaté & Ngoni Ba.

Ben Monder En las últimas navidades tuve la fortuna de que Chema me actualizara mi "software" de Jazz, algo desfasado desde que me vine para Sierra de Gata. Entre la cantidad de nuevos nombres, hay varios impresionantes, pero he escogido a Ben Monder porque la manera abstracta y algo impresionista de abordar su obra al igual que su sonoridad le sitúan en una "estética" por la que me siento muy atraido, desde mi punto de vista, su obra tira puentes con otros grandes guitarristas como Bill Frisell, Ralph Towner o Pat Metheny, sin que por esto deje de mantener señas de identidad propias, esto hace que desde mi punto de vista su obra sea bastante creativa e interesante y a su vez le convierte en el músico que últimamente estoy intentando siguir más de cerca.

Carlo Marchione Con Carlo Marchione acabo esta entrada; es el último descubrimiento, y bastante reciente. Ha sido durante el Festival Internacional de Guitarra Ciudad de Coria, por el cual he conocido a este gran interprete (¡Gracias Julian! si no hubiese sido por tí...) y la experiencia fue bastante grata: los conciertos se celebran en la Catedral, por lo tanto el "auditorio" era impresionante (muy buena acústica, al menos en la parte delantera) y la calidad y el repertorio de Carlo Marchione impresionante; tocó unas piezas del compositor Stefano Casarini, del cual no tenía ni la más remota idea de su existencia y sin embargo desde ese día estoy rastreando la red en busca de información y obras suyas. Este concierto creo que tardaré bastante tiempo en olvidarlo, no solo por la calidad de las obras, sino también por la grandisima calidad de este guitarrista que llegó incluso a salir dos veces por petición popular... a seguir "deleitandonos" con sus interpretaciones (estamos hablando de un concierto de Guitarra Clásica, ajustado a programación...).

He decidido colgar este video, aunque no es la red el sitio más indicado para poder apreciar la sonoridad de un interprete como éste. Lógicamente, pasa lo mismo con otros muchos que he ido colgando... sin ir más lejos, el resto de esta misma entrada, pero la creatividad (por ejemplo) de Ben Monder o el nivel de comunicación directo de Paul Weller si se pueden apreciar, en el caso de Bassekou Kouyaté me remito a la grabación en directo por lo mismo, es la manera más clara de apreciar su calidad. Aún así creo que la composición de Astor Piazzolla merece la pena y es una pequeña muestra del trabajo de Carlo Marchione.

Algo sobre J. S. Bach

2009-07-03T22:57:00.031+02:00

"Mi música es la expresión espiritual de lo que soy, mi fe, mi conocimiento, mi ser" (J. Coltrane). Esta frase de John Coltrane, perfectamente puede adaptarse a J. S. Bach, muy respetado en vida, pero que pasó al olvido una vez muerto, hasta que Mendelssohn le recuperó definitivamente.

Después de un parón obligado, quiero retomar El Recorresondios con este genio de la música occidental. Además es un buen momento: ¡¡¡no es año Bach!!!, y encima estoy devanándome el cerebro con algunas obras suyas; y por la importancia que ha tenido en la música es obligatorio escribir acerca de él.

Siendo un adolescente compre por correo (Discoplay, como no...!!!) el L.P. "Lute Music By J. S. Bach" de Gergely Sárközy, siendo este mi primer contacto con la música de Bach; desde entonces levantó mi curiosidad y a fecha de hoy sigo escuchando su música y considerándolo un GENIO, y a nada que a uno le guste mínimamente la música, es imposible no encontrar en su obra trabajos que a uno le atraigan... ¿Quien no ha escuchado en algún momento uno de sus Conciertos de Brandenburgo, aunque haya sido como cuña, cortinilla, o sección de algún programa?.

Nació en 1685, el mismo año que Handel (año de gracia para la música), a los 18 años ya es músico de corte en la ciudad de Weimar, otro dato que nos puede dar una idea de su precocidad, es que con esta edad fue el encargado de probar y tocar por primera vez con el organo construido para la iglesia nueva de Arnstadt, estos encargos solo se hacían a músicos muy expertos. En 1706 tras ausentanrse más de lo debido para escuchar a Buxtehude en Lübeck, se le amolestó, no solo por la ausencia: "Reprendémoslo porque hasta ahora ha hecho en las corales muchas variaciones extrañas, habiendo mezclado muchos tonos ajenos, tanto que la comunidad ha quedado confundida por ello. En lo sucesivo debe -si quiere introducir un tonum peregrinum (una modulación)- permanecer en el mismo y no caer inmediatamente en otra cosa, ni, como hasta ahora ha acostumbrado, tocar hasta un tonum contrarium (cambio brusco de tonalidad). Es además extraño que hasta ahora no haya sido ejecutada ninguna música de conjunto, cosa que ocurre por su culpa pues no se lleva bien con los alumnos; por esto debe aclarar si quiere tocar con los alumnos tanto figuraliter (música polifónica con todos los recursos instrumentales y vocales, como por ejemplo en motetes y cantatas) como coraliter (los corales, o sea, cánticos simples de estructura homófona). Si no lo quisiera debe decirlo categóricamente, para que se pueda hacer otro arreglo, contratando a alguien capaz de realizarlo". En vida estaba considerado como un gran reconstructor e inspector de organos así como interprete virtuoso; muy codiciado por la nobleza de su tiempo, tal que en una ocasión fué arrestado por el duque de Weimar, para evitar su dimisión y marcha a Köthen, llamado por el joven principe de Anhalt-Köthen.

Como compositor...(empezó tarde, habiendo realizado un trabajo de estudio sobre otros compositiores, tales como Vivaldi o Monteverdi), es la faceta que más se valora en nuestro tiempo... lógicamente lo que nos ha llegado. Cuando uno escucha su obra se puede maravillar, pero cuando uno estudia algunas cosas de ella (y eso que mi nivel es escasito) no puede dejar de alucinar viendo como realizaba determinadas progresiones o cadencias, sus modulaciones, la introducción de cromatismos..., técnicas que son el pan nuestro de cada día en la música de calidad de nuestro tiempo. Este es uno de los motívos que hace que su obra sigua siendo actual, contemporánea y que grandes músicos de nuestro tiempo sigan buscando en este portento, inspiración.

Su obra es muy amplia aunque una parte de ella se perdió, debido a que muy pocas fueron publicadas en vida, es por este motivo que en 1850 se crea la sociedad Bach-Gesellchaft que rescata la obra de Bach y facilita el estudio de la misma, su edición es considerada como el estándar de la obra de Bach (aunque hay críticos que ponen en duda la fidelidad y exactitud en las transcripciones de los originales). En 1936 fué Pau Casals el que rescató del olvido una suite, en 1985 se halló un manuscrito que contenía unos corales inéditos hasta ese momento, en el 2008 se descubrió una obra suya para órgano, por citar algunos ejemplos. Es Bach (y su obra el clave bien temperado) uno de los elementos claves en la consolidación del sistema temperado que empleamos en la música occidental y sus trabajos de contrapuntos en fugas y preludios (entre otras el arte de la fuga y las variaciones Goldberg) exploraron hasta limites extremos las posibilidades de ésta técnica.

Por último, os dejo con una grabación casera de la Sarabanda de la Suite en G menor BWV 995. Un fuerte saludo y hasta la próxima entrada!!!.

III Edición Festival de la Luna de Mayo

2009-04-06T15:59:00.044+02:00

Por tercer año consecutivo se celebra este festival que surgió como una idea, que además de atrevida parecía utópica. No soy objetivo a la hora de realizar este comentario, pues junto con algunos compañeros como Amaia y Honorio, estoy detrás de esta actividad, y somos nosotros los que con la colaboración o patrocinio de distintas instituciones, particulares y sobre todo la Asociación Cultural Fuente Maese, a la cual pertenecemos, somos quienes damos forma a este evento. Hasta el momento, cuando ha llegado la fecha del concierto, toda la gente que pertenece a la Asociación se vuelca en esta actividad y gracias a su trabajo, hemos conseguido que se convierta en una fiesta más para nuestra localidad. Numerar a todos los que contribuyen a esto sería largo y siempre correría el peligro de olvidarme de nombres, así que de nuevo agradecer a toda la gente de la Asociación su colaboración y en especial a Honorio, Amaia, y Mª Angeles.

Pero lo más importante del Festival es la música, y para este año volvemos a contar con un cartel que, consideramos nos hace seguir creciendo. Para este año contamos con representación internacional y dirigimos nuestro enfoque a la música folk que se está haciendo en Portugal, más concretamente en Oporto, para ello contamos con la representación de los grupos Mandrágora y Mu; como representantes nacionales Sog y Quejio Folk, este último además es la representación de nuestra comunidad

Quejio Folk Es el grupo encargado de abrir esta edición, lo harán el viernes 22 de Mayo a las 22:30h en la Plaza Mayor de nuestra localidad (Torre de Don Miguel). Quejio son de Talayuela (Cáceres) y unen al sonido tradicional de su música, toques contemporáneos. Combinan de una manera muy agradable en su repertorio temas tradicionales de nuestra provincia con composiciones propias o arreglos que dan a su sonido una entidad propia. Quejio se constituyo bajo este nombre en torno al 1996, pero fue en 1983 cuando surgió el embrión de este grupo, por lo tanto estamos hablando de un grupo con un gran bagaje y que se merecen el reconocimiento de todos los aficionados por su gran labor.

Sog Sin estar todavía concebido el orden de aparición en el escenario, nos referimos en primer lugar a ellos, sobre todo para agradecerles el gran esfuerzo que hacen al venir al Festival. Actuaran el sábado 23 de Mayo en la explanada del Albergue Sierra de Gata, lógicamente también en Torre de Don Miguel. Sog, son un grupo de León que fusionan la música tradicional con distintos ritmos provenientes de otras latitudes, dando lugar al "estilo sogano". Surgen en 1997, y les avalan dos discos, Trisca (2005) y 0505 (2007), se han recorrido gran parte de la geografía nacional, Castilla León, Asturias, Madrid, Cantabria, Galicia... y por si fuera poco en el pasado Festival de Ortigueira fueron el grupo más votado por el público del escenario Runas; esto les da derecho a volver a Ortigueira al escenario Estrella Galicia. Sog, es el grupo idóneo para acompañar la descarga de los grupos Portuenses y darles el contrapunto desde el otro lado de la frontera.

Mandrágora El proyecto se remonta a 1999, aunque el nombre de Mandrágora aparece en el 2000. En el año 2002 son elegidos para representar a Portugal en el "II Encuentro Europeo de Jóvenes Músicos Tradicionales" (Eurofolk 2002, Parthenay, Francia); en el 2005 editan su primer disco "Mandrágora", que obtuvo el premio Carlos Paredes (mejor disco portugués de música instrumental). Prosigue la trayectoria del grupo con distintas giras tanto nacionales como internacionales y en el 2008 editan su segundo disco "Escarpa", disco con el que vuelven a obtener nuevos reconocimientos por parte de la crítica (mejor álbum de música tradicional producido en Portugal). Su música bebe de fuentes tradicionales, y se empapa con sonidos renovadores, sobre todo se hace clara su atracción por el jazz, consiguiendo una simbiosis maravillosa.

Mu Un grupo con un directo demoledor, con música hecha para bailar y hacernos viajar por un mudo onírico. El grupo surge en Oporto, en torno al 2003 y el proyecto va creciendo, consiguen editar su primer disco en el 2005 "Mundanças", ganan el concurso de música folk "Arribas Folk" de Miranda do Douro. Han actuado en todos los grandes festivales de su país. En el 2008 graban su disco "Casa Nostra". Su música derriba las fronteras de Europa y fusionan sus ritmos, principalmente los sonidos más mediterráneos. Como ellos cuentan su música es alegre y esa alegría la saben contagiar encima del escenario.

Quiero agradecer muy sinceramente a todos los grupos (de todas las ediciones), por confiar en nosotros y hacer posible este Festival.

A tener en cuenta: En este año el Albergue ofrecerá alojamiento, no serán muchas plazas, para los interesados el teléfono de contacto es: 927 21 44 33 Diego. Y en el peor de los casos, poneros en contacto a través de este blog.

¡Entre las cuerdas!

2009-03-28T22:23:00.009+01:00

Después del gran articulo de Andrés, creo que es un buen momento para exponer y ver a algunos vídeos de algunos de los guitarristas que en los últimos años más me han sorprendido. Son distintos géneros y estilos muy diferentes, técnicas variadas, en definitiva una pequeña muestra de algunas de las muchas posibilidades de este instrumento que me tiene: ¡atrapado entre sus cuerdas!.

Michael Hedges, fue un guitarrista acústico de California, que desgraciadamente nos abandonó en 1997 cuando contaba 43 años. Sus dos primeros discos "Breakfast in the Field" y "Aerial Bounderies" son fundamentales en el desarrollo de la guitarra acústica: sus afinaciones alternativas, la manera de hacer sonar los armónicos, sus golpeos percusivos... el sonido que sacaba a la guitarra era tremendo. Creo que desafortunadamente, se le encasillo en el estilo "new age". A cualquiera que escuche su obra no se le puede escapar que su sonido es mucho más amplio.

John Buttler nacido en California (otra vez...) aunque con once años se fue a Australia, y me da la sensación que se siente más Australiano que Norteamericano, aunque reconoce sus influencias musicales en EUA. Es con toda seguridad, junto con su grupo una de las esperanzas de la música rock, de los pocos con las ideas claras y renovadoras. Es fácil encontrar el groove y el swing en su música... es indudable que tiene algo que le hace especial. Su disco "Live at St. Gallen" no tiene desperdicio, es en directo donde mejor se desenvuelve para mi gusto, donde su sonido se hace más grande.

Andres Segovia empezó a tocar la guitarra a los cuatro años; nació en Linares en 1893 y nos abandonó en 1987 en Madrid. Es considerado el padre de la guitarra clásica moderna, ayudó a mejorar el instrumento y fue maestro de guitarristas tan reputados como John Williams, Alirio Diaz o Julian Bream, por ejemplo. Desgraciadamente durante su vida tuvo que sufrir una guerra civil y su posición política en la vida social española, ha hecho que en muchas ocasiones, no se valore correctamente lo que realmente dio sentido a su vida: la guitarra, situar este instrumento en las salas de concierto y auditorios, dotándole de un repertorio amplio y de calidad. Aprovecho que se celebra en este año el centenario de la muerte de Albeniz, para recordar a estos dos excepcionales músicos.

Jose Miguel Moreno es uno de los más brillantes instrumentistas, domina la Vihuela, Guitarra renacentista y barroca, Guitarra clásico-romántica, la Tiorba o los Laudes renacentista y barroco; sus colaboraciones con Hisperion XX o los trabajos realizados con el grupo Orphénica Lyra que el mismo fundó muestran sus grandes aptitudes, sus discos "La Guitarra Española I" y "La Guitarra Española II" con un repertorio que hace un amplio recorrido a grandes composiciones para este instrumento, y que va desde el 1536 hasta el 1918, son un buen ejemplo de su calidad. Otro dato de interés, Jose Miguel Moreno es totalmente autodidacta, no habiendo estudiado en ningún conservatorio.

Chema Saiz uno de los grandes en el panorama del jazz nacional, como a buen músico de este país, se les resiste el reconocimiento de su trabajo; tan solo os remito a que escuchéis las joyitas que nos dejan The Postre donde Chema pone la guitarra: ¡¡¡impresionante!!!. Guitarrista Alcalaíno, con discos tan imponentes como "Trio Album" o "De Fuera a Dentro", el sonido en directo no solo es recomendable sino necesario para cualquier amante de este instrumento, es su espacio natural, como buen músico de jazz; pero no se debe obviar que es un guitarrista completo, que su dominio se extiende también a la guitarra clásica. ¡Ojo a este vídeo junto a Israel Sandoval...!

Y para acabar esta primera entrega (presiento que seguiré ampliando en otros momentos esta lista), Jim Hall nacido en Buffalo en 1930, su sonido es particularisimo y ha sido referencia para guitarristas tan prestigiosos como Pat Metheny, John Abercrombie o Bill Frisell. Sus grabaciones con Bill Evans, Paul Desmond, Sonny Rollins, Ron Carter, Pat Metheny o más recientemente con Bill Frisell dejan constancia tanto de su calidad como de su carisma y dejan a las claras su bagaje musical, dificilmente comparable. Discos como "Undercurrent" junto a Bill Evans, nos pone de manifiesto su sonido sutil y gran creatividad, otro de sus grandes discos para mi gusto "Live".

Baterías... en la Red

2009-02-17T11:54:00.021+01:00

De todos los años que he pasado estudiando música, que han sido unos cuantos, los mejores años fueron aquellos en los que junto con Angel montamos nuestro pequeño trio, en ocasiones cuarteto, para tocar y aprender el lenguaje del jazz. Siempre recordaré aquellas tardes frias de invierno, encerrados durantes horas en el local de ensayo, discutiendo que hacer y que no hacer cuando nos enfrentabamos desde cero a aquellas borrosas partituras del "Real Book" con títulos como Mr Pc. o Autumn Leaves. Como digo, esos años fueron los más fructiferos, más que los 10 años que me pasé estudiando en escuelas y conservatorios, en los cuales jamás oí hablar de Jazz y en los que la dinámica era pasar exámenes y cursos.

Roto este cŕculo vicioso de academicismo, al iniciarme en el mundo de la percusión jazzistica conocí a gente que me abrió un nuevo lenguaje que me apasionó desde el principio. Sobretodo en dos personas, mi gran amigo Angel Cabañas y mi antiguo profesor de batería, y excelente interprete con una cultura jazzistica monumental Carlos Sir Charles Gonzalez

En aquellos días ya disfruté de material didáctico suficiente para avanzar rápido y recuerdo que devoraba discos y libros para recuperar el tiempo perdido. Por supuesto, no me perdía ninguna actuación de algún que otro celebre batería que se dejaba caer por Madrid, y leía continuamente las biografías de los más grandes en un intento por capturar su arte.

Así me pase unos años, disfrutando de la música al cien por cien. Sin embargo durante aquellos años de aprendizaje siempre me quedó la espina, bien porque ya eran ancianos o bien porque ya habían muerto, de ver a algunos baterías de los más grandes en el ajo. Y ete que apareció youtube, e indagando decubrí buenas y curiosas grabaciones de estos maestros, que me gustaría compartir con vosotros, y que no son solo curiosidades sino que desde el punto de vista didactico tiene un gran valor. ¡¡Ya me hubiera gustado a mi verlas en su tiempo!!

El primer batería del que tuve noticia desde el punto de vista jazzistico fue Art Blakey, todavía recuerdo como practicaba con una grabación de moanin que hizo con sus The Jazz Messengers. Sus solos me parecían espectaculares y densos, llenos de fuerza y de vigor, eran como una explosión, aun así eran poco estructurados y eso les daba una gran frescura. Fijaos en esta grabación, la intesidad y el caracter que tiene.

Y un batería me llevo a otro. Cuando escuché el solo de Max Roach en el tema Conversation, no pude más que quedarme helado al comprobar que la batería no es un instrumento en que cuatro extremidades machacan unos tambores y producen solo ruido, sino que con ellos la música suena, y eso es lo que Max Roach descubrió, la posibilidad de hacer melodias con cuatro tambores y tres platos. Es el más intelectual, el más cerebral, y el más musical de todos. Sus solos en los discos de Clifford Brown se pueden aprender y tararear como si de melodias de saxo se trataran. En este solo podreis comprobar su viruosismo y su increible musicalidad.

Aún recuerdo cuando Angel me pasó una cinta con una grabación de un disco llamado "Question and Answer" de un tal Pat Metheny, con un tal Dave Holland al bajo y un tal Roy Haynes a la batería. Recuerdo que entonces buscabamos, ilusos de nosotros por la dificultad que conllevaba, tocar un jazz más atmosférico y libre, y este disco tenia todo aquello. Roy Haynes me encantó desde el principio. Con el tiempo su figura se me hizo aun más grande, un tipo que ha pasado por todas las epocas de jazz desde los años 40 con Charlie Parker

hasta como digo Pat Metheny y que ha evolucionado con el Jazz mismo, aportando en cada momento nuevos elementos. Para mi su punto álgido está en su disco con Chick Corea "Now he sings, now he sobs". Es un maestro de la delicadeza, de la sutileza. A veces casi etero, con un toque nervioso que le da su caja afinada en tonos muy agudos. Fijaos en esta grabación comentada por otro grande Jack Dejonette, las baquetas parecen tan ligeras que da la sensación de que las maneja el viento.

Una buena tarde un amiguete saxofonista amante del flamenco me pasó un disco bastante peculiar de John Coltrane, era un directo en el Village Vanguard con temas que entonces nos parecian exóticos. Al escuchar el primer tema Indian me quede traspuesto intentando seguir a la batería. Era denso, recargado, lleno de matices, era Elvin Jones. Elvin Jones era pura energía, felicidad máxima, con un swing llevado al extremo, tenia tanta fuerza que a veces en las grabaciones los micros parecen saturarse. No puedo dejar de mencionar los increibles discos que grabó con el gran Coltrane, como "Crescent" o "A love supreme", o con McCoy Tyner "Real McCoy", donde hace gala de una ambigüedad rítmica inigualable.

Aqui teneis la muestra de lo que digo.

Recuerdo una mañana en clase en la facultad hablando con otro amiguete que también le daba a esto de los tambores, que en un momento me pregunto "¿Tu conoces al niño?" y yo le dije "¿que niño?", dice "si uno con 17 años (no se acordaba del nombre) que tocaba como Dios", y hay se quedo todo, quedándose la mosca detrás de la oreja. Pasados los meses otra tarde en la Fnac de Madrid me quede pegado (literalmente pegado) a un libro cuyo título era "Biografía de Miles Davis", en un momento dado Miles Davis refiere la historia de como dio con Tony Williams y lo de los 17 años. Ansioso volví a la Fnac y me compré dos discos "ESP" y "Miles Smiles". Al escucharlos quede conmocionado, destruido, noqueado, como un chaval de 17 años podia tocar de esa manera, comprendiendo en ese momento que la bateria jazz moderna nace con este tipo, y con las grabaciones del segundo gran quinteto de Miles Davis. Es bajo mi humilde punto de vista el más grande entre los grandes. Imaginación, virtuosismo, sutileza, genio, todo mezclado en la batería y aparece Tony Williams. Las grabaciones referidas con Miles Davis "ESP" "Miles Smiles" o con Eric Dolphy "Out of Lunch" o con Herbie Hancock "Maiden Voyage" son absolutamente mágicas e impresionantes. Y para muestra un botón.

Estos son los baterías que más disfruté escuchando y los que más me influyeron en aquellos años de estudio. Pero son solo la punta del iceberg, el mundo se encuentra lleno de talento musical escondido por algunos rincones, y youtube abre la posibilidad de ver a algunos de ellos en acción. Tan solo un consejo, no dejeis de curiosear.

Fdo.

Andrés Rojas Guerrero.

Autumn Leaves y Canción del Emperador...

2009-02-13T09:22:00.017+01:00

Buscando nuevas formas de participación, he decidido poner un reproductor dónde poder colgar archivos de audio, y es que en una página que se habla de música, que ésta no se pueda escuchar es algo incongruente. Cualquiera que tengáis alguna grabación y queráis colgarla en el blog no lo dudéis y poneros en contacto conmigo; por ejemplo, sería muy grato contar con la aportación de Israel y Planeta Suroeste de su composición "Luna de Mayo". De todas formas, creo que soy yo el que tengo que empezar dando ejemplo y por eso he grabado dos canciones: "Autumn Leaves" estándar de jazz que nace de una canción francesa, la grabación es una rearmonización que toma como base un arreglo de Tal Farlow, alguna idea de Bernie Kessell y el reconocimiento a mi gran maestro Chema Sáez. El otro tema "La Canción del Emperador", transcripción de Luis de Narváez, sobre la obra "Mille Regretz" de Josquin Despez, canción que era una de las favoritas de Carlos V, de ahí su titulo. Bueno, perdonar la calidad tanto del audio como de ejecución, tan solo intenta ser una pequeña aportación a este blog no tiene ninguna otra pretensión y espero que esto sirva para que os animéis y podamos crear una original y particular lista de reproducción, en el peor de los casos ya iré subiendo cosas poco a poco.

En otro orden de cosas, quiero aportar un breve comentario a la actuación de "Lux Bella" en Eljas. No soy crítico, ni quiero serlo, por lo tanto lo único que expongo son mis sensaciones después de disfrutar de su música. Lo primero, darles las gracias porque no son muchas las oportunidades que tenemos en esta comarca de disfrutar de actuaciones como la que ellos nos brindaron, combinando el trabajo de campo con horas de estudio, ofreciéndonos la posibilidad de escuchar esta música con instrumentos de época e introduciendo elementos didácticos durante el concierto. Elogio su propuesta, su búsqueda del puente - que algunos quieren ignorar - entre la música popular (entiéndase la que cantaba y canta el pueblo llano, no confundir con la música comercial) y la música docta o académica (no me gusta el término "música culta" por el hecho diferenciador que conlleva). Disfrute mucho con "Echar la bandera", ese acercamiento entre la música de gaita y tamboril con la música antigua (... me vino a la memoria el impresionante trabajo en ese sentido del gran Quique Almendros...), "Quien te hizo Juan Pastor" o el bello tema "Soledad tengo de ti"; gracias Pilar y Manuel por brindarnos una cálida y agradable tarde con vuestra "Lux Bella" en un frío y duro invierno.

Por último emplazaros a la próxima entrada que publicaré en breve y que es una aportación de Andres (... no de música electrónica..., sino de una de sus grandes pasiones: la batería). Un saludo a todos!!!

Evocando Nuestro Pasado

2009-01-27T17:33:00.008+01:00

Quiero aprovechar este espacio para invitaros a todos los que podáis, a acudir a los conciertos que el grupo "Lux Bella 1492", ofrecerán en nuestra comarca: en Eljas el 6 de Febrero a las 19:00h en la iglesia parroquial , o en San Martín de Trevejo el día siguiente a las 19:30h en la iglesia parroquial. Os dejo directamente con un extracto de la información que nos ha proporcionado Pilar Barrios y Manuel Pascual.

El nombre de Lux Bella 1492 se ha elegido en homenaje al teórico musical renacentista Domingo Marcos Durán, natural de Alconétar-Garrovillas (provincia de Cáceres-Extremadura) y autor del primer tratado de música impreso en castellano, titulado Lux Bella y publicado en Sevilla en 1492.

Con el aval científico de la Universidad de Extremadura y el Festival de Música Antigua de Cáceres, la Asociación Cultural “Lux Bella 1492” ha nacido con el objetivo prioritario de crear un grupo de música para investigar, recuperar e interpretar la música antigua extremeña y de ésta en su relación e intercambio con otros pueblos y culturas. Estas investigaciones nos han abierto puertas para la comprensión de la continuidad de la música antigua “culta” o de autor y de la danza, en la música tradicional de nuestra tierra, de nuestra gente, en nuestras canciones, en nuestros bailes, en nuestras danzas rituales, conservados de generación en generación.

Por ello pretendemos investigar e interpretar la música culta y popular de nuestros antepasados, la investigada por los teóricos musicales extremeños, la realizada en las capillas musicales religiosas y profanas, que nos han legado la tradición y la historia, con el conocimiento de lo que ha supuesto el intercambio y sincretismo entre ellas, como una parte imprescindible de nuestro patrimonio cultural.

El concierto que se presenta es un inicio de la puesta en práctica de todo lo relacionado anteriormente por ello hemos seleccionado varias obras de autores renacentistas, dos de ellos extremeños, que toman melodías y textos populares para elaborar sus canciones. Las melodías populares que hemos elegido pertenecen a la Sierra de Gata y el Norte de la Comunidad Extremeña.

Manuel Pascual Gómez. Dirección, voz, cornetas, flauta y espineta. Dedicado a la música desde su niñez, ejerce en la actualidad como profesor de Música del IES de Hoyos, “Valles del Jalama”. Se especializó en la dirección e interpretación de la música antigua en la “Schola Cantorum Basiliensis”. Ha grabado 8 discos dentro y fuera de España con diferentes agrupaciones, asi como bandas sonoras para películas (La Conjura en 2008. Juana la loca en 2003) y obras de teatro. (Viaje del parnaso, de Cervantes para la Compañía Nacional d Teatro).

Pilar Barrios Manzano. Espineta. Ha compaginado los estudios de Hª del Arte con los superiores de música en la Universidad de Extremadura y en los conservatorios extremeños, escribiendo varios libros sobre patrimonio musical extremeño y en su relación e intercambio con el de otras culturas. Ejerce en la actualidad como Catedrática E.U. de Didáctica de la Expresión Musical en la Facultad de Formación del Profesorado de la Universidad de Extremadura.

Se nos fue otro de los grandes: Freddie Hubbard!!!

2009-01-05T21:59:00.008+01:00

:::Miles Davis (26-V-1926 a 28-IX-1991), Chet Baker (23-XII-1929 a 13-V-1988), Clifford Brown (30-X-1930 a 26-V-1956), Lee Morgan (10 -VII-1938 a 19-II-1972) y ahora... Freddie Hubbard (7-IV-1938 a 29-XII-2008), sin remontarnos más atrás (Dizzy, Navarro, Dorham, etc, etc). Y es que aunque en la actualidad hay grandes trompetistas: por citar alguno Randy Brecker , Wynton Marsalis o Terell Stafford; el halo de grandeza que envolvió a esa generación en la que Miles Davis aparece como estandarte (tal vez por el gran reconocimiento que tuvo su música fuera del Jazz, y entre otros músicos ajenos a este género) es algo que sitúa a estos músicos en una posicion de privilegio.

Todos ellos tienen además su propia historia o mejor dicho... leyenda, en el caso de Freddie Hubbard a finales de los 50 y comienzos de los 60 empieza a ser considerado uno de los grandes y así lo confirma su paso por los Jazz Messengers, su participación en las grabaciones de discos tan importantes como "The blues and the abstract truth" de Oliver Nelson, "Out to Lunch" de Eric Dolphy (con el cual compartió trabajo, amistad y apartamento en New York), "Maiden Voyage" de Herbie Hancock o por citar otro de los grandes discos de esa época "Speak no evil" de Wayne Shorter, grabó también con Ornette Coleman o John Coltrane... . Es en 1970, cuando para mi gusto llega el momento más grande de Hubbard con la grabación de "Red Clay", "Staright Life" o "Keep Your Soul Together" acompañado del mejor George Benson (antes de convertirse en un guitarrista de masas y comercial), Ron Carter, Bill Cobham o Jack DeJohnette, Herbie Hancock, Joe Henderson... entre otros, o su reencuentro con Wayne Shorter en la formación V.S.O.P. (Shorter, Hancock, Williams, Carter y Hubbard, sin comentarios...). Pero es también en esta época cuando parte del mundo del jazz empieza a renegar por su tendencia a la comercialidad ("tenía que elegir entre morirme de hambre tocando jazz o ganar dinero, y elegí" -Cuadernos de Jazz-). Cuándo a traves de V.S.O.P. parece reencontrarse otra vez y vuelve a ocupar un lugar de privilegio, una enfermedad en sus labios le lleva al dique seco y cuando reaparece ya no mantiene el mismo sonido, y en esta última década está completamente defenestrado: luces y sombras de los grandes músicos... y de los aficionados y críticos que tienden a valorar fundamentalmente el momento y no toda una trayectoria o la genialidad en los momentos que esta aparece y Freddie Hubbard dejó bastantes de esos momentos.

Por último, contaros como me acerque a la música de Freddie Hubbard, si ya lo conocía gracias a las grabaciones "Out to Lunch" o "Speak no Evil", fue (hace ya cierto tiempo) cuando se presentó en casa un día Andresillo con una grabación de Red Clay en directo, eran los V.S.O.P. y me comentó que teníamos que montar ese tema (entonces tocabamos en Jazz'ta Bien, grupo que montamos para disfrutar más aún si cabía del Jazz) y la verdad que desde la primera escucha de este tema empecé a centrar más mi atención sobre él, además hay temas con los que te lo pasas mejor cuando uno toca y éste es uno de ellos para mí. Otra de las razones por las que Hubbard me atrae más que otros trompetistas sea por su habilidad para estar con grandes guitarristas, empezó tocando con los hermanos Montgomery con el gran Wes a la cabeza, grabó junto a Jim Hall y Bill Evans, tal vez otro de los grandes discos del Jazz "InterPlay", e integró en una de sus formaciones a George Benson con toda seguridad en su mejor momento.

Música Electrónica, Electroacústica y Concreta.

2008-12-13T23:56:00.012+01:00

Hace ya bastantes años que compré este disco (sí en Lp), iba buscando grabaciones de Pat Metheny y de repente me encuentre esta grabación, además con el Kronos Quartet. Cuando lo escuché en casa me quedé desorientado... ¿y esto que es...?. Fue mi primer encuentro con Steve Reich, pasadas unas semanas y digerida la escucha apunté este nombre en mi "memoria interna"; desde entonces me atrae la música concreta y la electroacústica (algunas cosas más que otras, mucha culpa tiene también el programa Ars Sonora de José Iges en Radio Clásica) y por eso he pedido a un gran amigo que se anime a escribir algo sobre esto, mientras se decide he querido hacer esta entrada en forma de ligera introducción. ¡Vamos Andres, anímate!.

Durante el Siglo XIX se empiezan a consolidar firmemente los conocimientos sobre la naturaleza de la electricidad y sus leyes fundamentales y es cuando se comienzan a dar los primeros pasos en la comunicación a distancia, concretándose de esta manera los orígenes de la electrónica. A finales de dicho siglo y comienzos del XX es cuando surgen los primeros instrumentos musicales en los que se aplica ésta tecnología: el theremin, el hellertión, el generador de ondas Martenot, o el sintetizador (su versión más antigua: thelharmonium), aunque este se popularizo a partir de la década de los 60; por tanto tenemos el primer auge de la música electrónica durante el primer tercio del siglo, aunque pronto se pierde el interés por ella y hay que esperar hasta mediados de siglo (finales de los 40 y sobre todo durante la década siguiente) para que Karlheinz Stockhausen en colaboración con el Estudio de Música Electrónica de Radio Oeste de Colonia volvieran a dar un nuevo impulso a la Música Electrónica y emergieran otros géneros que bebían de estas fuentes.

En 1948 en el Club d'Essai de la Radio Televisión Francesa de París, Pierre Schaeffer produce y graba la primera pieza de música concreta "Étude aux chemins de fer”, en ella ensamblo sonidos grabados de ferrocarriles, silbatos, máquinas de vapor y otros. Es este mismo compositor quien acuña el termino música concreta, para definir una música hecha directamente con los sonidos. Esta grabación de sonidos concretos, objetos sonoros (no necesariamente musicales), organizados y con la posibilidad de ser tratados (variando velocidades de reproducción y de esta manera alterando el tono y el timbre, añadiendo reverb o eco, variando los volúmenes o sea la dinámica, etc) da lugar a este género.

La música Electroacústica, surge debido a la unión de la música electrónica que se venía haciendo en Colonia empleando sonidos generados electrónicamente, la música concreta y por último la tape music en la que trabajaba Vladimir Ussachevsky, Milton Babbit y Otto Luening (que fundaron el estudio de la música de Columbia), gracias al magnetofón se empezaron a realizar los primeros efectos secuenciales (loop y ecos conseguidos por repetición y bucles echos en las cintas).

Grabaciones fascinantes son: "Symphonie pour un homme seul " (por Schaeffer y su alumno Pierre Henry grabación sobre sonidos de la voz), la ya mencionada "Êtude aux chemins de fer" (por Schaeffer, basada en ruidos de trenes), "Telemusik" (de Karlheinz Stockhausen, donde intermodula material de música tradicional de casi todas las partes del mundo), por último algo más contemporáneo "Electric Couterpoint" (Steve Reich, donde se van superponiendo distintas líneas de guitarra).

2008-11-16T19:02:00.013+01:00

Y aquí va la segunda... tá ta te tá te tá ta te tí te

"Morenas he visto yo

pero como tú ninguna

de tu boca sale el sol

de tus manos mil y una... travesura"

Esta copla pertenece a una charrada que nos enseñó Vanesa Muela (aunque la he estropeado un poquino... para definir el arte que lleva dentro, tanto como cantante como percusionista).

Durante el fin de semana del 15 al 16 de noviembre, he tenido la suerte de asistir y participar en el curso de "percusión con instrumentos de cocina" que nos ha impartido Vanesa en Torre de Don Miguel; he podido conocer a esta bellísima persona que ha querido compartir parte de sus conocimientos con un pequeño grupo de serranos, que antes de conocerla utilizábamos las cucharas y la sartén para preparar o comer migas... pobre de aquellos que nos inviten ahora y pongan en nuestras manos estos nobles instrumentos. También ha sido un autentico placer compartir estas horas de aprendizaje con Pepa, Loli y Mariola, con Olga y Honorio, con Manuel y Anselmo, con Tina y Mirella... y como no con Mª Angeles.

Hablar con ella de música es muy enriquecedor y me gustaría compartir con vosotros algunas cosas sobre ella: Datos básicos... Vallisoletana de Laguna de Duero, pero ahora vencina de un pequeño pueblo de Palencia. Su labor y sus estudios de campo (entre otras cosas) la han llevado a conocer muy bien la cultura castellana, oirla hablar de sus informantes es cautivador y me parece que debe de conocer muy bien las luces y sombras, las riquezas y penurias del pueblo castellano... gente como Vanesa o como Eusebio Mayalde (entre otros) me hacen descubrir las raices culturales de ese espacio geográfico donde he nacido... y eso es una deuda pendiente que siempre tendré con ellos. Pero es acerca de Vanesa de lo que estaba hablando, así que sigamos por ese camino... desde la infancia lleva cantando en escenarios y según cuenta al principio no era consciente si le gustaba o no, se lo pasaba bien. Es de adolescente cuando toma consciencia de que encima le gusta y seguro que cuando tomó la decisión de embarcarse en esta aventura; enumerar sus colaboraciones, conciertos, premios, etc os lo dejo para vosotros, tan solo tenéis que hacer una visita a su web http://www.vanesamuela.com/index.php (la dejo junto a otros enlaces arriba), la verdad que al enterarme de que había tenido un programa de radio dedicado a la música folk, por un lado me dio pena de no haber podido escuchar ninguno (sobre todo una cuña que nos comentó que tenía, bastante particular).

Cuando la preguntas su opinión sobre la fusión en la música tradicional, lo tiene clarísimo: es enriquecedor si se hace con conocimiento de la música de raíz (se refiere claro está a conocer perfectamente los estilos, los ritmos, las melodías, las interpretaciones, etc y a partir de esa base crear...). Y Vaya!!!... el disco que tiene junto a Hexacorde: DESBARATES lo deja claro (extraordinario disco aconsejable a todas luces). No pude evitar por preguntar que pasa con Valladolid que da cantidad de grupos de música folk y con una calidad muy alta (Eliseo Parra, Germán Díaz, Divertimento Folk, Paco Díez, Triquel, Celtas Cortos, Tradere, Vanesa, etc) nos cuenta que Valladolid aglutina a grupos de zonas próximas y además en su momento había locales para tocar (y por lo tanto supongo que habría un circuito, además si tienen programas de radio, festivales como el de su pueblo "son de aquí", etc empieza a ser fácil deducir los motívos). Y si quieres conocerla un poco mejor a través de los grupos que más la atraen, resumo algunos: Eliseo Parra, Maria Salgado, Cantollano, Son del Cordel, Habas Verdes, Mayalde, Paco Díez... y por variar un poco Alturas (Perú). Y alguna recomendación que nos da... visitar el aula museo de Paco Diez en Mucientes http://www.aulamuseopacodiez.com/, o acercarnos a Ureña (Fundación Joaquín Díaz, Museo de Luis Delgado, su casco urbano y el entorno, villa del libro). Pues poco más, por última vez gracias Vanesa!!!... y a todos aquellos que sigáis leyendo estas reflexiones.

" Y allá va la despedida

la despedida voy dando

que bonita despedida

que me despido cantando"

De alguna manera hay que empezar

2008-10-18T14:36:00.014+02:00

"Así que viajará usted prácticamente solo con su trineo, pero quienes le acompañen no serán tenderos, y eso tiene un gran valor. Si hace usted su correspondiente viaje de invierno, obtendrá su recompensa, siempre y cuando lo único que desee sea un huevo de pingüino". (Apsley Cherry-Garrard).

Este es el último párrafo del libro "El Peor Viaje Del Mundo", fuera de contexto... tal vez pueda sonar algo extraño; por si a alguien le hace falta alguna aclaración: que se sitúe (si esto es posible) en la Antártida a comienzos del siglo XX, y por unos instantes (teniendo en cuenta los medios técnicos de la época) piense en la importancia de tener buenos compañeros de viaje y que sus objetivos tan solo estén motivados por la necesidad de obtener conocimiento, no buscando el protagonismo, fama o el ansia de reconocimiento.

Me parece interesante contrastar el comienzo de este blog con el final de un gran libro; una expedición a la Antártida, con la exploración a través de la red; un acontecimiento que sucedió a comienzos del S.XX con otro que empieza casi un siglo después (aunque éste no tenga la más mínima relevancia)... etc,etc.

Quiero dar a conocer desde este espacio mi opinión sobre conciertos a los que haya asistido, comentarios sobre discos, grupos o solistas, actividades culturales que organicemos desde la Asociación Cultural a la cual pertenezco (en la Sierra de Gata) u otras próximas a nosotros, en fin abrir un espacio donde difundir algunas propuestas culturales fundamentadas la mayoría con el mundo de la música. Y sin dejar escapar más espacio me gustaría comentar la última actividad que llevamos a cabo desde la Asociación Cultural Fuente Maese, se trata de un concurso de maquetas para grupos de música folk, abierto a todo aquel grupo que quiera participar sea de dónde sea, y que no tenga más de un disco en el mercado (pues lo que queremos es ayudar a grupos que luchan por abrirse un espacio dentro de estas músicas y pensamos que si han conseguido sacar dos discos gran parte de este trabajo está ya hecho...). Os dejo aquí las bases del concurso por si alguien está interesado o nos puede ayudar a dar a conocer esta iniciativa que acaba con el año y cuyo premio es la contratación para actuar en un concierto, posiblemente en el Festival de La Luna de Mayo, que también organiza la Asociación.

Por último, hasta la próxima publicación dejo unos enlaces que para mí son bastante interesantes, algunos además, son de amigos. Espero seguir añadiendo más en las siguientes entradas.